En concert à l’Alchemia de Cracovie, le saxophoniste Dave Rempis, sorti du Vandermark 5, démontre une autre fois à la tête de son Percussion Quartet toutes ses capacités de leader.

Le contrebassiste Anton Hatwich et les batteurs Frank Rosaly et Tim Daisy là pour l’épauler, Rempis passe d’alto en ténor et de ténor en baryton sous le coup d’une inspiration échevelée : qu’imposent dès l’ouverture les rebonds d’un grain âpre et le souffle résistant au swing instable du morceau-titre. Ayant donné avec Zoni une leçon de délicatesse – ballade lovée au creux des coups légers de Rosaly et Rempis et de l’assurance de l’archet d’Hatwich –, Rempis laisse aux batteurs le soin d’ouvrir C/Sold at Ten Percent Discount, qu’il développera ensuite en musicien inspiré par un thème de Julius Hemphill. La progression est tortueuse, s’essouffle ici avec distinction, pour refaire œuvre de contrariétés sur un gimmick de contrebasse revivifiant. La fin de l'enregistrement est à l’image de cette nouvelle référence de la discographie de Dave Rempis : encore plus affirmée et encore prometteuse.

Dave Rempis Percussion Quartet : The Disppointment of Parsley (Not Two)
Edition : 2009.
CD : 01/ The Disappointment of Parsley 02/ Zoni 03/ C/Sold at Ten Percent Discount
Guillaume Belhomme © Le son du grisli

Obnubilé par le jeu de Charlie Parker, le saxophoniste Jimmy Lyons excella sous licence hard bop avant d’être repéré, en 1960, par Cecil Taylor. Intégrant dans la minute l’Unit du pianiste, il servira plus que n’importe quel autre sideman cette formation à géométrie variable, profitant de quelques permissions pour mener en parallèle des projets plus personnels. C’est une sélection de ceux-là que The Box Set a choisi de présenter, le long de 5 CD regroupant des séances enregistrées entre 1972 et 1985.

Septembre 1972, d’abord. Lyons mène son quartette dans le studio d’un autre saxophoniste, emblème de l’époque des Loft sessions new-yorkaises : Sam Rivers. Devant public, il engage son discours sur la voie d’un post bop altier, peu à peu conquis par les envolées iconoclastes du saxophone. Capables d’impulsions en lien direct avec celles appréciées de Monk (Round Midnight), Lyons s’autorise la dérive, et s’inscrit ailleurs dans une avant-garde proche de celle défendue par Coleman (Mr. 1-2-5 Street), ou dans une autre, plus personnelle – qui confronte un savoir-faire ancien et une déconstruction audacieuse (Ballad One).

Epris de dialogue, le saxophoniste tisse un lien privilégié avec le trompettiste Raphé Malik ; les deux hommes se partagent les solos avant de confectionner ensemble des imbrications délicates (Ballad One) ou un contrepoint furieux (Gossip). Echange impeccable, auquel Jimmy Lyons s’interdira le recours en juin 1975, au même endroit, lorsqu’il interprètera en trio trois de ses compositions personnelles.

Là, le saxophoniste se trouve seul auprès d’une section rythmique composée du bassiste Hayes Burnett (déjà là en 1972) et du batteur Henry Letcher. Assuré, son alto brave le schéma complexe de Family, embrasse les trente dernières années de l’histoire du jazz, évoquant ici l’agile phrasé de Parker, là, la mutinerie orchestrée d’Ayler. Sur ballast sombre, le saxophoniste développe son propos : faisant se succéder notes brèves et enchaînements déliés sur les pizzicatos affirmés de Burnett (Heritage I), ou préférant prendre la mesure d’une tension allant crescendo (Heritage II).

Attestant des dispositions de Lyons à endosser le rôle de leader, ces deux premières sessions révèlent l’identité saisissante du saxophoniste. Qu’il n’aura cessé de mettre en pratique, et selon d’autres façons encore. Ce 9 avril 1981, par exemple. Où, en solo, il improvise et cite quelques standards en variant à chaque fois ses intentions (Clutter), réconcilie la chute des graves et les accents aigus de son alto (Never), ou défend des impulsions contre-nature avec un tact souverain (Repertoire Riffin’).

Lorsque le saxophoniste renoue, trois ans plus tard, avec une compagnie, c’est pour l’initier à un free exalté et à un jazz savant. Assurés de tenir en place par la précision du batteur Paul Murphy, Lyons et Karen Borca (au basson) installent alors un contrepoint syncopé (Shakin’Back) ou vacillant (Wee Sneezawee) avant de se permettre l’incartade de virulences éclatées (Theme).

Qui vireront, en 1985, à l’acharnement. Sur scène, les mêmes, et le contrebassiste William Parker. Free fortifié, plus que persistant, sur un autre Shakin’Back, un autre Wee Sneezawee ; déconstruction plus tempérée, sur After You Left, plus proche encore de l’inédit à découvrir ; ou construction libre et complexe, sur le rythme sophistiqué de Tortuga.

En guise de conclusion au quatrième disque, un journaliste interroge Jimmy Lyons sur la difficulté de défendre sa propre musique quand on est le sideman attitré d’un musicien tel que Taylor. La réponse, forcément difficile, laisse peu de chance au verbe. Qui préfère trouver ses arguments dans les enregistrements de The Box Set, recueil averti de concerts sans failles.

Jimmy Lyons : The Box Set (Ayler Records / Orkhêstra International)
Edition : 2003. 
CD1 : 01/ Jump-Up 02/ Gossip 03/ Ballad One 04/ Mr. 1-2-5 Street 08/ Jump-Up #2 06/ 'Round Midnight - CD2 : 01/ Family 02/ Heritage I - CD3 : 01/ Heritage II 02/ Clutter 03/ Mary Mary Intro 04/ Never 05/ Configuration C 06/ Repertoire Riffin' 07/ Impro Scream & Clutter II - CD4 : 01/ Wee Sneezawee 02/ After You Left 03/ Theme 04/ Shakin' Back 05/ Good News Blues 06/ Itw - CD5 : 01/ Wee Sneezawee 02/ After You Left 03/ Tortuga 04/ Gossip 05/ Shakin' Back 06/ Driads 07/ Jump Up
Guillaume Belhomme © Le son du grisli

C’est à la toute fin des années 1960, que l’anthropologue émérite Zusaan Kali Fasteau décida de pratiquer un free jazz particulier, nomade et donc enrichi souvent. Enrichi encore, en 1998 et 1999, quand la multi instrumentiste donne 3 concerts aux Etats-Unis et au Canada, en compagnie – Joe McPhee excepté – de la jeune garde du jazz moderne.

Mis en avant, les saxophones : les sopranos de Fasteau et McPhee, l’alto de Sabir Mateen, ne cessent d’entamer des courses jubilatoires (Red), tissent quelques entrelacs (Tangerine), ou élaborent un free au-dessus de tout soupçon sur la section rythmique de William Parker, Hamid Drake et Ron McBee (Magenta).

Et l’expression libre explorée sérieusement de mener à plusieurs autres propositions : quête d’un apaisement revigorant (Chartreuse, Sea Green), blues chargé d’appréhension (Heliotrope), ou incursions en terres orientales mais pas étrangères : Sun Yellow ou Turquoise, sur laquelle la voix de Fasteau poursuit sans cesse la note de son autre instrument.

Car le jazz mis ici en pratique réserve une place de choix aux voix : celle de Fasteau, donc, qu’elle peut retoucher sur l’instant (Red) ou dont elle évalue la capacité à atteindre les hauteurs (Magenta), mais aussi celle de Drake, rassurée, sur Tamil Blue, par les percussions de McBee, qui avait mené juste avant une incursion chantée en Afrique désertique (Sienna).

Histoire, peut-être, de nuancer un peu la part belle faite, sur Vivid, aux instruments à vent. Préférence qui aurait été impossible à rendre sans la délicatesse de qui n’en étaient pas pourvus : la sensibilité de Parker, l’autorité pleine de retenue de Drake, ou les imprécations feutrées de McBee, nimbant tous trois les interventions irréprochables de Mateen, McPhee et Fasteau.

CD: 01/ Orange 02/ Red 03/ Turquoise 04/ Aquamarine 05/ Sun Yellow 06/ Chartreuse 07/ Tangerine 08/ Sienna (This Moment) 09/ Tamil Blue 10/ Royal Purple 11/ Pimento 12/ Heliotrope 13/ Violet 14/ Sea Green 15/ Magenta

Kali Fasteau - Vivid - 2001 - Flying Note. Import.

Emmené par le trompettiste Rob Mazurek, l’Exploding Star Orchestra (dont font entre autres partie le guitariste Jeff Parker, la flûtiste Nicole Mitchell et le tromboniste Jeb Bishop) faisait, en septembre 2006, une rencontre inattendue : celle de Bill Dixon, légende, à sa manière détachée, des premières heures du free.

Au programme : un hommage du jeune trompettiste au plus ancien (Constellations For Innerlight Projections) inséré entre les deux mouvements d’Entrances : suite d’embouteillages instrumentaux qui réussit à placer quelques solos brefs sur un rythme soutenu avant de traîner son univers d’impressions lentes (One), puis clin d’œil au Third Stream assemblant des morceaux d’atmosphère de plus en plus denses jusqu’à l’apparition de sirènes reposantes (Two).

Entre les deux, la dédicace de Mazurek : Damon Locks récitant un texte plein de notes et de constellations, d’images et de planètes. A la suite de Sun Ra, donc, une faille spatio-temporelle que l’on investit avant que l’Exploding Star Orchestra envisage sa chute au son inquiet des hurlements, free grandiose en voie d’apaisement quand même, histoire de mieux faire le lien entre l’avant et l’après. Tout comme la rencontre, le fruit de celle-ci : inattendu.

CD: 01/ Entrances/One 02/ Constellations For Innerlight Projections (For Bill Dixon) 03/ Entrances/Two

Bill Dixon With Exploding Star Orchestra - 2008 - Thrill Jockey. Distribution PIAS.

Lorsqu’ils donnent, en 1966, ce concert dans une université new-yorkaise, Sun Ra et son Arkestra ont investi depuis quelques mois l’espace du free jazz. La tête dans les nuages, les musiciens mettent en place leur vision de la chose : moins politique, à l’écoute des sphères, et en quête de pépites intergalactiques.

Le message à délivrer est tel que la rencontre avec l’Autre – en l’occurrence, le public -, est porteuse d’espoir, comme d’incompréhensions possibles. A l’image de cette ambivalence, le pianiste fait d’une cacophonie expiatoire l’étendard de son vaisseau, comme il peut aussi bien décider de passages en sourdine, plus à même de permettre la réception des vibrations codées (Sun Ra and His Band From Outer Space).

Parmi l’étrange décorum, des chœurs expriment de temps à autre l’Essentiel, la position à retenir sur un brouillard de plans. Aux saxophones, John Gilmore et Pat Patrick se répondent sur un swing encanaillé, qui va au rythme des pulsations détectées et retranscrites par le batteur Clifford Jarvis (Dancing Shadows). Le même instaurera une rythmique progressant jusqu’à devenir jungle, quand, superbe autant que perdu, Ronnie Boykins tentait de se sortir d’Exotic Forest en mettant tout son espoir dans le pouvoir des redondances.

A chaque fois qu’une trajectoire a frôlé un trou noir au son de chaos distribués (Second Stop Is Jupiter, Theme of the Stargazers), l’Arkestra aura optimisé à l’idéal la phase de transition salutaire. Sous l’émotion, les musiciens plongent dans quelques mirages, qu’ils soient le souvenir d’un be-bop appuyé (Velvet), ou l’exploration d’un désert fantastique envahi par les ours, dont les peaux recevront, éléments des tambours, les caresses longues et répétées d’un Jarvis insatiable (Outer Nothingness).

Agrémenté de 3 inédits – dont une brève version de We Travel The Spaceways pour accentuer encore la compréhension du programme – revoilà Nothing Is…, disque emblématique initialement publié par ESP en 1966. Réédité, bien sûr, mais toujours pas redescendu sur Terre.

CD: 01/ Sun Ra and His Band From Outer Space 02/ The Shadow World 03/ Theme of the Stargazers 04/ Outer Spaceways Incorporated 05/ Next Stop Mars 06/ Dancing Shadows 07/ Imagination 08/ Second Stop Is Jupiter 09/ Exotic Forest 10/ Velvet 11/ Outer Nothingness 12/ We Travel the Spaceways

Sun Ra - Nothing Is... - 2005 (réédition) - Atavistic. Distribution Orkhêstra International.

Etendard historique et toujours flottant de la scène progressive américaine, The Muffins accueillaient, début 2004, deux anciens membres de l’Arkestra de Sun Ra pour improviser son Loveletter #2.

Au quartette emmené par Dave Newhouse et Tom Scott vinrent donc s’ajouter Marshall Allen et Knoel Scott, saxophonistes alto plaçant l’enregistrement sous les voûtes célestes peu communes des univers du maître. Alors, les décors sombres et métalliques reçoivent les échos et réverbérations d’une valse déconstruite (In This World), d’un swing pétri de blues pour tout rappel des origines (Smooth Joe) ou d’un free jazz sans vergogne (Dog Park).

Si le son évoque les enregistrements les plus célèbres de l’Arkestra, l’évocation ne s’arrête pas là, que l’on approfondit en rappelant quelques intentions (le fantasme d’une planète Afrique lointaine et retrouvée, sur Monsta) ou des façons de faire (intersection des vents sur la progression ininterrompue d’un piano ronflant sur Chickenhead et incursions en terres funk sur Happy Now ?). Si l’on regrette parfois que l’exploration de l’univers tourne au sur-place (Dr. Mid-Nite), reste l’impression d’ensemble, touchante parce que juste. Donnée par six musiciens méthodiques dans leur rénovation d’un stylisme baroque jadis élevé au sommet de la cosmogonie personnelle de Sun Ra ; aujourd’hui devenu référence.

The Muffins : Loveletter #2 The Ra Sessions (Hobart / Orkhêstra International)
Edition : 2005.
CD : 01/ In This World 02/ Happy Now ? 03/ Monsta 04/ Chickenhead 05/ Dog Park 06/ Smooth Joe 07/ Dr. Mid-Nite
Guillaume Belhomme © Le son du grisli

Inédit jusque là, Harmonia Live 1974 voit le trio Michael Rother / Hans-Joachim Roedelius / Dieter Moebius – krautrockers réunis jadis sous le nom d’Harmonia – édifier à coups de guitare électrique et de rythmes sortis de claviers électroniques une musique répétitive placée à mi-chemin entre expérimentations psychédéliques d’époque et raga réinventé. Souvent, les musiciens se contentent de jouer avec le volume sonore, et l’enregistrement d'osciller entre périodes plus ou moins captivantes. Reste le document.

Harmonia : Harmonia Live 1974 (Grönland / Differ-ant).
Enregistrement : 1974. Edition : 2007.
CD : 01/ Schaumberg 02/ Veteranissimo 03/ Arabesque 04/ Holta-Polta 05/ Ueber Ottenstein
Guillaume Belhomme © Le son du grisli

A partir de l’enregistrement de la voix de Lisa Barnard, Al Margolis dresse les plans des dernières explorations sonores en date de son If, Bwana. En compagnie de Jane Rigler et Jacqueline Martelle, flûtistes consentantes – et assez aventureuses pour accepter de se plier à des règles rappelant celles du cadavre exquis –, Margolis s’attache alors à mettre au jour un univers basé sur le langage.

Evidemment incompréhensible, celui-ci, et dissout sous les effets d'une essence de térébenthine administrée par des parties de flûtes étirées et traînantes. Un peu d’anglais, soudain, une déclaration d’amour étouffante, évaporée au creux des parallèles dessinées par les instruments à vent, couvrant de leurs graves répétés quelques voix qui s’opposent.

Ainsi, An Innocent, Abroad distille une ambient angoissante que le Stockhausen de Stimmung aurait investie sans crier gare, pour reléguer au second plan mots et musique, et s’occuper bien mieux d’une simple et belle affaire de sons.

CD : 01-05/ An innocent, Abroad

Al Margolis / If, Bwana : An Innocent, Abroad - 2007 - Pogus Records.

Emmené  par  le  saxophoniste  Ken  Vandermark,  Bridge 61 - avec des bouts de Spaceways Inc (le bassiste Nate McBride) et du Vandermark 5 (le batteur Tim Daisy) dedans – poursuit les efforts de son leader, dans sa lutte à rendre un jazz surpuissant et efficace, sans jamais rien entamer de ses belles manières.

Jamais las, donc, Vandermark déploie pour réussir ses astuces coutumières : unisson des instruments à vent (saxophones face à la clarinette de Jason Stein), interventions motivantes de la contrebasse (imposant un swing sur Atlas ou un bop sur A=A), grandes plages de déconstructions quiètes (Dark Blue, Bright Red) ou non (Super Leegera).

Passé à la basse électrique, McBride démontre son intelligence à prendre les bonnes décisions : élément principal de la structure de Various Pire, sur lequel Vandermark répond aux instincts mélodiques de Stein par un free soutenu ; gardien d’un gimmick crachant sur Shatter (judicieusement dédié au guitariste Sonny Sharrock) ou seul référent palpable d’un morceau de soul inquiète (Nothing’s Open).

A l’écoute de Journal, comme cela était déjà arrivé avec Radiale, l’auditeur comprend à quoi aurait toujours dû ressembler le jazz rock. Au lieu de donner dans la guimauve exposée sous néons blafards, il aurait pu comme aujourd’hui mêler les influences de Roland Kirk et d’Hendrix avec intelligence. Encore eût-il fallu que les plus célèbres musiciens du genre aient eu, comme Ken Vandermark, un concept esthétique personnel à défendre.

CD: 01/ Various Pire (for This Heat) 02/ Super Leegera 03/ Atlas 04/ Nothing’s Open 05/ 29 Miles of Black Snow (for Jackson Pollock) 06/ A=A (for Antonio Tapies) 07/ Dark Blue, Bright Red 08/ Shatter (for Sonny Sharrock)

Bridge 61 - Journal - 2006 - Atavistic. Distribution Orkhêstra International.

Carte  blanche  et  sonore  donnée  à  l’artiste  Junko  Wada – pratiquant la danse et responsable depuis plus de vingt ans de performances singulières -, Music Dances Itself expose un panorama charmant de musiques minimalistes et percutantes.

En dix titres, Wada décline sa sélection de musiques capables de l’inspirer. Improvisations ou collages installés au creux d’enregistrements champêtres (celles du flûtiste Akio Suzuki ; ceux d’Arno P. Jirir Kraehahn), odes à l'abstraction confectionnées à partir de pratiques instrumentales originales (David Moss, Arnold Dreyblatt) ou compositions électroacoustiques plus méthodiques (Werner Durand).

Et puis, évidemment, quelques pièces rythmiques, élaborées selon différentes méthodes : bourdonnements marquant bientôt la cadence de Gordan Monahan, électronica burlesque du Supafly RMX de Kraehahn, ou prosodie arrangée au piano par Arnold Dreyblatt.

Affaiblie par trois choix moins judicieux – expérimentations prosaïques rassemblées, pour plus de commodité sans doute, en fin de compilation -, Music Dances Itself peut tout de même se prévaloir de révéler quelques musiciens rares, transcendés par une pratique adroite des musiques expérimentales.

CD: 01/ Arno P.Jiri Kraehahn: Sequined Seed Pply 02/ Werner Durand: Hearthunters 03/ Akio Suzuki: Tanabata 04/ Gordan Monahan: Speaker Swinging 05/ David Moss: ...Leaning Into The High Grass… 06/ Arno P.Jiri Kraehahn: Supafly RMX 07/ Arnold Dreyblatt: Nodal Excitation 08/ Rolf Julius: Walzer für ein Dreieck 09/ Christina Kubisch: Circles 1 10/ Hans Peter Kuhn: Chidori IV-2

Junko Wada - Music Dances Itself - 2006 - Sonic Arts Network.

Après Tarantella, la pianiste Aki Takase revient à deux de ses amours : le duo – qu’elle a interrogé déjà aux côtés de David Murray, Alexander Von Schlippenbach, Lauren Newton ou Rudi Mahall – et l’hommage prétexte à développer autrement sa singularité – de ceux qu’elle a déjà adressé à Fats Waller ou Thelonious Monk.

Avec  la saxophoniste et  clarinettiste Silke  Eberhard, Takase rend donc ici hommage à l’œuvre d’Ornette Coleman. Le temps de 32 reprises et de l’interprétation d’une dédicace (Dedicated to OC-Doughnut), le duo assiège l’univers du maître de façons différentes : free commandé par un piano dérangé (Free), délicatesses contemporaines - au lyrisme accordé (Revolving Door) ou malheureusement trop poli (Turnaround) -, swing à l’unisson (Mr. And Mrs. People) ou démarche plus déconstruite (Motive for Its Use), voire expérimentale (Airborne).

Si la prise de son manque parfois de chaleur, la nature des compositions et l’acuité avec laquelle les investissent Takase et Eberhard - qui démontre ici la palette large de ses possibilités, capable d’évoquer Evan Parker aussi bien qu’Eric Dolphy (clarinette basse, forcément, sur Cross Breeding) - font de cette anthologie un songbook particulier, défendu par un duo aussi concerné que baroque et sagace.

Aki Takase, Silke Eberhard : Ornette Coleman Anthology (Intakt / Orkhêstra International)
Edition : 2007.
2 CD : CD1: 01/ Turnaround 02/ Lonely Woman 03/ Free 04/ The Blessing 05/ Folk Tale 06/ Open to the Public - Check Out Time 07/ Cross Breeding 08/ The Sphinx 09/ Dedicated to OC-Doughnut 10/ Revolving Door 11/ Mr. and Mrs. People 12/ Angel Voice 13/ Motive for Its Use 14/ The Disguise 15/ Change of the Century 16/ Focus on Sanity - CD2: 01/ Congeniality 02/ Airborne 03/ Broadway Blues 04/ Beauty Is a Rare Thing 05/ Face of the Bass 06/ Peace 07/ Little Symphony 08/ Eventually 09/ Humpty Dumpty 10/ Eos 11/ W.R.U. 12/ Check Up - Enfant 13/ I Heard It over the Radio 14/ Round Trip 15/ Music Always 16/ Love Call 17/ Una Muy Bonita
Guillaume Belhomme © Le son du grisli

Enregistré en juillet 2005 au Velvet Lounge de Chicago, The Messenger assoit encore davantage la puissance racée du New Horizons Ensemble d’Ernest Dawkins, au son d’un set placé sous la tutelle d’Art Blakey autant que d’Ornette Coleman.

Hommage au trompettiste Ameen Muhammad - membre du New Horizons dès 1979, et disparu en 2003 -, Mean Ameen profite d’un gimmick de contrebasse signé Darius Savage pour servir un swing débonnaire, jouant de l’unisson du trombone de Steve Berry et de l’alto de Dawkins, distribuant sagement les solos comme le fera aussi The Messenger.

Capable de servir avec autant d’efficacité un bop assuré (Lookin’For Ninny) et un jazz flirtant sans se poser de question avec la funk (The Brood), de prendre ses distances avec le blues tout en en respectant scrupuleusement les codes (Goin’Downtown Blues), ou enfin de tout sacrifier à la polyrythmie chatoyante de Toucouleur (sur lequel le batteur Isaiah Spencer dépose un solo remarquable), le groupe séduit toujours sans artifices.

A noter enfin la présence du trompettiste Maurice Brown, à la hauteur du talent de son prédécesseur, et pièce de luxe rapportée à l’édifice d’un ensemble qui n’a toujours pas terminé de combiner les traditions pour mieux imposer un jazz baroque et réjouissant.

CD: 01/ Intro 02/ Mean Ameen 03/ The Messenger 04/ Goin' Downtown Blues 05/ Toucouleur 06/ The Brood 07/ Lookin' For Ninny

Ernest Dawkins' New Horizons Ensemble - The Messenger - 2006 - Delmark. Distribution Socadisc.

En 1968, 1971 et 1973, le percussionniste John Stevens menait à Londres trois versions différentes de son Spontaneous Music Ensemble.

La première année, Norma Winstone dépose ses vocalises descendantes sur le bourdon étrange que forment Kenny Wheeler au bugle et Paul Rutherford au trombone. Notes longues portées haut par chacun des instruments (ajouter la basse clarinette de Trevor Watts), qui simulent chutes et rétablissements, tirant des dissonances de leurs confrontations. De plus en plus présent, Stevens finit par convaincre son ensemble des charmes d’une cacophonie libératrice (Familie Sequence).

Deux ans plus tard, le batteur retrouve Watts et invite Julie Tippett et le contrebassiste Ron Herman. Compulsif, mais aussi plus mélodique, Quartet Sequence donne à entendre le duel interne auquel se livre Tippett, posant sa voix sur les arpèges clairsemés de sa guitare, parmi les frasques rythmiques montées par Stevens et Herman, et les chastes interventions du saxophone soprano.

A peine une dizaine de minutes, enfin, pour Flower, sur lequel Stevens et Watts (toujours au soprano) improvisent et interrogent la possibilité d’une simultanéité d’exécution, pour mieux jouer, ensuite, avec le décalage de leurs interventions. Histoire de conclure l’exposition de trois pièces improvisées soumises à grands principes, qui éclairent sous un autre angle l'éloquent répertoire du Spontaneous Music Ensemble.

CD: 01/ Familie Sequence 02/ Quartet Sequence 03/ Flower

Spontaneous Music Ensemble - Frameworks - 2007 - Emanem. Distribution Orkhêstra International.

En 2004, le festival « Ai confini tra Sardegna e Jazz » s’intéressait particulièrement à l’œuvre d’Eric Dolphy (disparu 40 ans plus tôt). Pour l’occasion, colloques et concerts étaient organisés, qui revenaient sur l’homme, son œuvre, son influence. Publié en 2005, Tender Warrior rassemble un livre et un disque, pose les scellés et fait figure de résumé.

Quand le livre revient sur les effets de la carrière du clarinettiste, saxophoniste et flûtiste, sur le jazz et les musiques improvisées, interroge à son propos une pléiade de musiciens (tels que Joe McPhee, Jef Sicard, Ken Vandermark, Otomo Yoshihide), donne à lire sa dernière interview et retranscrit la discographie du maître élaborée par ses biographes Vladimir Simosko et Barry Tepperman, le disque offre une sélection des concerts donnés cette année là à Santa’Anna Arresi.

Pêchant ici dans le répertoire de Dolphy, improvisant là, les musiciens rendent des hommages différents. Des polyphonies étranges du launedda accompagnées par les tablas et darboukas (pour le résultat approximatif de Red Planet de Coltrane on Launeddas, enchaînant leurs solos plus que naïvement) à l’interprétation par l’Eric Dolphy’s Memorial Barbecue d’Out to Lunch et Out There sur le mode brouillon, en passant par le duo Tim Berne (saxophone) / Umberto Petrin (piano) au contemporain pompier, l’auditeur avait de quoi craindre le pire.

Heureusement, Nexus, formation locale plutôt en verve, enchaîne une composition personnelle et la Jitterbug Waltz, passant d’un free radical à une impression atmosphérique, pour rendre ensuite avec les honneurs 245 et Lotsa Potsa. Le duo Matthew Shipp / David S. Ware, ensuite, improvisant Two for Eric, combinant leurs improvisations individuelles, toutes à l’écoute de l’inspiration. Courte, l’improvisation ramasse assez d’évidences pour excuser les faux pas pratiqués ailleurs sur le disque.

En guise de conclusion, un extrait d’un des derniers concerts de Dolphy. En compagnie du Bob James Trio, le 1er mars 1964, Dolphy passe d’un instrument à l’autre sur la partition déposée par ses accompagnateurs. Dissonant, stimulant et dense, Strenght And Unity dévoile sans doute ce qu’aurait pu être sa musique par la suite : plus étrange, forcément ; plus inédite encore.

CD: 01/ Coltrane on launeddas: Red Planet 02/ Tim Berne e Umberto Petrin: Serene 03/ Nexus: Vertical Invaders #1, Jitterbug Waltz, 245, Lotsa Potsa 04/ Eric Dolphy’s Memorial Barbecue: Out to Lunch, Out There 05/ Eric Dolphy: Strenght and Unity

Eric Dolphy, Tender Warrior, L’eredita Musicale di Eric Dolphy, Sardegna e jazz, 2005.

Sur Back to Life, Fred Frith n’intervient pas, et laisse une poignée de virtuoses appliqués faire d’une sélection de ses compositions quelques pièces de musique de chambre souvent dérangée.

Quand le piano de Daan Vandewalle fait une pause dans l’interprétation d’une série de Seven Circles imprégnée d’école viennoise – faible pour le Seven Circle 3 aux digressions inspirées entre les schémas répétés –, le violoncelliste Joan Jeanrenaud (ancien membre du Kronos Quartet) et le percussionniste William Winant s’attaquent à Save As, développement hésitant sans cesse entre l’emportement mélodique et le chaos brutal institué par un dialogue qui vire souvent à l’affrontement.

Ailleurs encore, Stephen Drury conduit le Callithumpian Consort le long de Bridge Is Bridge et Back To Life, véritable chef-d’œuvre du disque et auparavant bande-son d’une chorégraphie composée par Frith en 1997. Audacieux, le mouvement profite du nombre des intervenants, tous irréprochables, qui ont su transformer un exercice pratique en œuvre surprenante.

CD: 01/ Seven Circles 1 02/ Save As 03/ Seven Circles 2 04/ Bridge Is Bridge 05/ Seven Circles 3 06/ Seven Circles 4 07/ Back to Life 08/ Seven Circles 5 09/ Seven Circles 6 10/ Elegy for Elias 11/ Seven Circles 7

Fred Firth - Back To Life - 2008 - Tzadik. Distribution Orkhêstra International.

Premier enregistrement studio mais sixième référence de Fessenden – comprendre : Steven Hess (Pan American, On), Joshua Convey et Stephen Fiehn –, v1.1 redit toutes les qualités de la musique électroacoustique du trio.

Passées en ordinateurs, une batterie, une guitare et une basse, s’occupent de peindre différentes atmosphères, quoique toutes oppressantes. Des rythmes mis en boucles que bousculent des effets ayant déjà avalé les guitares, un embouteillage d’aigus provoqué par la progression saccadée des musiciens, le mariage improvisé et réussi de nappes bruitistes et de larsens. L’électroacoustique brute voire féroce, souveraine et agissante.

Fessenden, Diode. Courtesy of Other Electricities.

CD: 01/ Not Sleeping, Just Resting 02/ Mid-Swing 03/ Diode 04/ A Walk In The Park 05/ PeakV/Z*sin

Fessenden - v1.1 - 2008 - Other Electricities.

De la rencontre de Terrie Ex, Paal Nilssen-Love et Massimo Pupillo (Zu) est né fin 2006 Offonoff. Avec Clash, le trio pose les bases de sa musique récréative et bruitiste.

Lorsqu'Ex s’acharne sur un accord de guitare, Pupillo l’imite pour finir d'introduire une progression de rock sauvage naturellement régénérée par les incartades brutes des musicien ; que Nilssen-Love décide de l’allure expéditive qui finira d’imposer l’hirsute exposition des bruits et voici Offonoff trouvant son impeccable rythme de croisière : de cordes indélicates subissant les effets de pédales ou les décharges électriques d’un appareillage que l’on voudrait douteux, le trio fait alors son lot, qu’il enfonce rapidement sous les coups de basse et de batterie, les plaintes aigues assez rares, seulement décoratives.

A la suite de The Ex, profitant des possibilités offertes par le jeu de Nilssen-Love et gonflé par le soutien d’un membre de Zu, Offonoff a peu de mal à persuader de sa raison de jouer, qui ajoute aux bruits la particularité d’un son.   

CD: 01/ Rabbit Punch 02/ Calls 03/ Kicking Stones 04/ Bone Meat 05/ Clash >>> Offonoff - Clash - 2008 - Smalltown Superjazz. Distribution Differ-ant.

C’est, sur le sujet, « un livre au-dessus du lot », écrit Mark Perry du Zerox Machine de Matthew Worley. Comme le créateur du légendaire Sniffin’Glue, d’autres grandes figures du DIY (Steve Ignorant de Crass ou Nicholas Bullen de Napalm Death) recommandent la lecture de ce grand exposé consacré aux fanzines musicaux fabriqués outre-Manche.

S’il est d’autres bons ouvrages consacrés aux fanzines – Punk, une esthétique de Jon Savage, Punk Press, Punkzines, Zines! ou encore Fanzines: The DIY Revolution de Teal Triggs –, celui de Worley compte ses reproductions pour écrire dans le détail une histoire illustrée de nombreux témoignages et, surtout, mettre au jour des publications de province (derrière un premier effort de Savage, publié dans Sounds en 1977), des plaquettes iconoclastes ou de quelques exemplaires seulement.

Chronologique, l’histoire : si on attend toujours la preuve que Sniffin’Glue n’est pas « le premier » fanzine punk d’Angleterre, il restera celui dont l’impact a été le plus décisif : quand il ne s’intéresse pas dans le détail aux Ramones ou à Buzzcocks, Perry encourage son lecteur à écrire lui-même « son propre fanzine » : le 20 mars 1976, Melody Maker dresse déjà une liste d’une cinquantaine de publications amateures. Dans un souci de proximité, toutes compilent entre collages et dessins des « nouvelles du front », pour reprendre le mot de Savage Pencil, et tant mieux si le front en question est l’affaire de groupes différents : Wire, The Fall, X-Ray Spex, Cabaret Voltaire, Throbbing Gristle… pour ne parler que des années 1976 à 1978. L’amateur de musique s’approprie donc ses bulletins d’information quand Sideburns engage son lecteur à se mettre à la musique en lui dévoilant sur tablatures trois premiers accords de guitare. La passion se nourrit ainsi d’elle-même, d’écoute en lecture et de lecture en jeu.

A la toute fin des années 1970, le punk est presque une vieille histoire et le DIY s’essaye à d’autres combinaisons. Pour ce qui est des fanzines, ce sont d’autres formats que le A4 et surtout l’ouverture à d’autres horizons : cinéma, théâtre, photographie, société… Adam And the Ants y côtoient Antonin Artaud et le verbiage – qui n’a pas attendu l’ère des blogs – peut alourdir le propos tout comme les clichés mignons-pop qui fleurissent en A5 dès la fin des années 1980 auront le pouvoir de bêtifier des mélodies pourtant soignées. Restent des expressions franches et des titres d’exception (Jungleland, Kill Your Pet, The Monitor, Alphabet Soup…) que vous lirez désormais d’un autre œil pour en avoir appris, grâce au livre de à Matthew Worley, sur les à-côtés et les travers de ces premières années (UKistes) de fanzinat musical.

Matthew Worley 
Zerox Machine. Punk, Post-Punk and Fanzines in Britain, 1976-88. 
Reaktion Books 2024 
Guillaume Belhomme © le son du grisli

Le phénomène de voix que l’on trouve sur Echo Poeme: Sequence N°2 n’est ni électronique ni fortuit : il est dû aux interventions d’Amantine Dahan Steiner et Isabelle Gaborit que Steven Stapleton a ensuite manipulées pour composer un hommage au film d’Alain Resnais, Hiroshima mon amour.

Editée par le label Jnana en 2005 – entre The Little Dipper Minus Two (Echo Poeme Sequence 1) et Sand Tangled Women (Echo Poeme Sequence 3), ensemble compilés plus tard sur Creakiness And Other Misdemeanours – et aujourd’hui sur vinyle, la « sequence » en question arrange trois-quarts d’heure durant récitations, hésitations et prises On & Off the record le long d’un jeu qui rappelle celui que Stapleton avait mis en place dès 1980 sur To the Quiet Men from A Tiny Girl. Les récitantes peuvent ainsi entamer une comptine en français, lire Victor Hugo, fredonner L’aigle noir de Barbara ou même s’interroger à voix haute : « tu peux essayer un son ? » / « J’crois que t’es en train de le dire sur l’autre… euh… enregistrement qu’on a fait… »

Au contraste établi par la valse du On et du (false) Off et aux faux-semblants avec lesquels Stapleton s’est mis dans l’idée de composer, un léger écho ajoute l’étrange effet de nombreux décalages. A tel point qu’en se laissant aller un peu – Je marcherai les yeux fixés sur mes pensées / Sans rien voir au dehors, sans entendre aucun bruit –, on pourrait imaginer Léopoldine et Adèle revenues et, avant de repartir, confirmer à leur père – tout comme, à Hiroshima, Lui disait à Elle – : en effet, « Tu n’as rien vu ».

Nurse With Wound : Echo Poeme: Sequence N°2
Drastic Plastic / Souffle Continu
Edition : 2005. Réédition : 2016.
LP : A-B/ Echo Poeme: Sequence N°2
Guillaume Belhomme © Le son du grisli

Le temps de s’adapter à Rafal Mazur, leur nouvel ami, et François Carrier et Michel Lambert retrouvent les plis et bosses de leur musique serpentée. Rien de neuf dans leur chant non voilé : le saxophoniste module le silence puis attaque sans préavis. Son phrasé empli de zébrures et de soleils éclatés inspire la caisse claire émancipée (sur-mixée ici) de son compère. Quant à la basse acoustique de leur ami polonais, elle se plait à saturer un cercle déjà débordant. Pas facile de temporiser avec ces deux-là, on en convient.

Reste à épingler / questionner le très discutable équilibre de la prise de son ainsi que quelques cuts assez incompréhensibles (un solo de batterie, par exemple, coupé sans aucun ménagement). Plaisir d’écoute souvent gâché ici mais compensé par un free instantané et ne comportant aucune trace de lourdeur ou d’ennui.

François Carrier, Michel Lambert, Rafal Mazur : Unknowable (Not Two Records)
Enregistrement : 2014. Edition : 2015.
CD : 01/ Listening Between 02/ Insightful Journey 03/ Be Young Beyond 04/ Unknowable 05/ Springing Out 06/ Dissolution
Luc Bouquet © Le son du grisli

Quelques mois plus tôt, François Carrier et Michel Lambert profitaient d'un duo pour réviser leurs classiques : escarmouches bien senties, caisse claire agressive, alto frondeur, caquetages d’hautbois, chants serrés, crochets secs, figures familières. Bref faisaient du Carrier-Lambert. Et le faisaient bien.

François Carrie, Michel Lambert : iO (FMR)
Enregistrement : 2012 & 2013. Edition : 2015.
CD : 01/ IO 02/ Blueshift 03/ Mock Sun 04/ Big Bounce 05/ Superstring 06/ Albedo 07/ Ida 08/ Open Cluster 09/ Nutation
Luc Bouquet © Le son du grisli

C’est l’aurore mais c’est une aurore joyeuse : Joëlle L. n’épargne pas son archet, il court intrépide, robuste, rigoureux. C’est le crépuscule mais c’est un crépuscule heureux : Théo C. patiente avant de convoquer l’archet. L’une se balade dans l’immédiat, l’autre prend le temps d’observer. Mais le mariage est évident.

Réactifs, les voici projetés dans le royaume des cordes qui s’aimantent, vagabondent, s’écartèlent, palpitent, propulsent, ondulent, désaxent, cheminent. Douce conversation d’un intime partagé, bienveillance et abandon, art des présences robustes, esprits entiers, montées fiévreuses et poignantes… tout ceci et bien plus encore.

Joëlle Léandre, Théo Ceccaldi : Elastic
Cipsela
Enregistrement : 2015. Edition : 2016.
CD : 01/ #1 02/ #2 03/ #3 04/ #4 05 /#5 06/ #6  
Luc Bouquet © Le son du grisli

Six « danses » interprétées au piano par Keiko Shichijo. Vingt minutes à peine, qui nous rappellent le passage (1869-1935) de Komitas – théologien et musicologue arménien ; chantre, poète, pianiste et donc compositeur. C’est la voix de Komitas qui le fit remarquer de cette église qui lui permettra quand même de toucher au profane, c’est-à-dire à ces airs de la campagne arménienne qu’il retranscrivit sur papier et que l'Empire ottoman allait bientôt faire taire. Musicien et conférencier, Komitas voyagera beaucoup, faisant entendre chants laïcs et danses de sa composition, dont les timbres rappellent les instruments traditionnels arméniens.

C’est à Paris, en 1906, que Komitas écrivit les six danses de cet enregistrement moderne. Pièces d’un folklore réinventé – mais vertueux, étant données les sérieuses recherches du compositeur dans le domaine –, ces pièces rappellent les compositions pour piano de Gurdjieff et Hartmann (le second fera d’ailleurs connaître au premier l’œuvre de l'Arménien) qui, entre traditions turques et kurdes, progressent lentement, jouent avec les répétitions, les modulations et les déclinaisons. C’est donc à la fois un art de la danse appliqué par touches légères et un travail de mémoire inspirant à plus d’un titre qui permet au Makkum d’Arnold de Boer de mettre la main sur d’autres chansons dépaysantes.   

Komitas Vardapet : Six Dances
Makkum Records
Edition : 2016.
CD : 01/ Yerangi 02/ Unabi 03/ Marali 04/ Shushiki 05/ Het u Araj 06/ Shoror
Guillaume Belhomme © Le son du grisli

Que ce disque sorte sous étiquette Shhpuma et non Clean Feed atteste sa nature hybride – c’est là, sorti de Last Exit et plus récemment d’enregistrements avec Keiji Haino et Jim O’Rourke (Two City Blues) une nouvelle embardée de Peter Brötzmann en milieu « rock ».

Black Bombaim est un trio guitare / basse / batterie portugais qui court après l’épaisseur : ici sur un air de rock progressif, là de post-rock remonté, ailleurs encore de metal valable. Arrimé au Brötzmann, on pourrait craindre qu’il tourne en rond – c’est quand même quelques fois le cas, mais on dira alors l’ennui « psychédélique » – ou ne soit là que pour offrir au saxophoniste une nouvelle heure de liberté obligée, une autre promenade dans la cour, toujours la même, même si la couleur de ses murs change parfois.

Or Black Bombaim sait éviter la plupart des pièges qu’on lui tend et, en conséquence, contredit les attentes. Mieux, il parvient à tenir la dragée haute à son aîné : la guitare de Ricardo Miranda, agacée peut-être par ses sombres vocalises (ses râles, aussi), jouant de rivalité autant que d’invention sur la troisième partie de l’enregistrement. C’est donc là une rencontre comme une visite, entre musiciens de générations différentes, qui vaut d’avoir été organisée.

Black Bombaim, Peter Brötzmann : Black Bombaim & Peter Brötzmann
Shhpuma / Orkhêstra International
Edition : 2016.
CD / LP : 01-04/ Part I – Part IV
Guillaume Belhomme © Le son du grisli

Sur un mode répétitif, nous croisons la route du compositeur Sven-Åke Johansson. Faisant respirer ses partitions de pauses en riens expiatoires, celui-ci convoque l'Holzblasensemble, ensemble de cuivres, et l’oblige à réitérer le motif jusqu’à l’excès (Italienische Vekehrverständigung). Ecrivant pour percussions et interprétant lui-même sa composition (Klingend und Festgehalten), le batteur ne s’éloigne que très peu de ses solos improvisés (faire résonner ses cymbales ou, au contraire, – sa grande spécialité – en stopper la réverbération, insister sur les cymbales frottées avec l’archet, rouler sur des toms sourds et en arrière-plans). Pour finir, le compositeur installe avec l’aide de l’Ensemble Zwischentöne, un motif récursif de quatre notes, lesquelles iront se décalant et se désintégrant en toute fin d’œuvre (Bom-Zeke-Bom). Ceci pour le CD 1.

En 1991, le compositeur invitait l’Akkordeon Orchestra Berlin à s’imaginer grandes orgues du Boardwalk Hall Auditorium Organ. Entre silences et clusters périlleux, tous enfantaient l’inquiétude. Concept réussi haut la main (Miniaturen für Akkordenorchester). A Berlin en 2007, SAJ obligeait la violoncelliste Agnieszka Dziubak à délaisser son archet au profit d’une brosse griffant le bois de l’instrument jusqu’au sang (In Memoriam Tom Cora). Ceci pour le CD 2.

Il y a deux ans à peine, SAJ composait pour harpe solo Variations on Vimse, se délestait de toute action anxiogène, laissait s’exprimer le suave arpège mais, chassez le naturel, imprimait quelque rude sécheresse à la mélodie (phrasé répétitif mettant à mal nos nerfs). Quelques années plus tôt (2006 plus précisément), il entourait de sépia ses percussions ondulantes (Nuue Kochstrasse). Et à Berlin, au tout début du XXIème siècle, faisait résonner pendant seize minutes un combo de Harley Davidson accouplé à un statique chœur mixte (Konzert für MC (H-D) und Gemischtem Choir). Ces dernières, anecdotiques. Ceci pour le troisième CD.  

Toujours sur la corde raide d’un minimalisme répétitif, Sven-Åke Johansson convoquait un combo de flûtistes à stationner en des hauteurs médianes souvent reproduites (Flötenquartee Nr. 1), soliloquait et ne ratait aucune des périphéries (archet sur cymbales et sur cerclage des fûts, polystyrène) de son set de percussions (Abovensen zur see), enfin troublait le motif de silences, timbales lointaines, carillons inégaux, piano éparpillé avant bref final grandiloquent (Die neue zeit ist pausenlos). Ceci pour le quatrième CD.

Pour clôre ce coffret, Johansson posait l’inquiétude, son cri voilé, sa poésie brouillée (Polis, Wachs und Pommade) à la lisière de la trompette d’Axel Dörner, retrouvait ses archets, cymbales et polystyrènes (Abovensen geht leicht gebückt), finalement, pactisait un motif, toujours réitéré, parfois pénétré de quelque glissendo anxiogène, le tout saupoudré d’avisées dissonances (Einen Staubigen Klang Finden). 

Sven-Åke Johansson : More Compositions
SÅJ / Improjazz
Edition : 2014.
5 CD : More Compositions
Luc Bouquet © Le son du grisli

Dans le premier numéro papier de la revue Le son du grisli, Luc Bouquet signera une rétrospective de l'oeuvre de Sven-Åke Johansson. Au sommaire également : Jason Kahn, Nurse With Wound, Zbigniew Karkowski et La Monte Young. Informations et précommande sur le site des éditions Lenka lente.

Synthétiseurs modulaires, bandes et amis (Matthias Baldauf au cor & Niko aux cymbales), voilà de quoi s’est servi Günter Schlienz pour concocter cet hommage à l’automne (c’est de saison, je suis encore dans les temps) en trois étapes of course : Oktober / September / November (SIC).

Schlienz est un bidouilleur de Stuttgart dont la discographie, inaugurée il y a six ans semble-t-il, est déjà longue. Il faudra donc lui consacrer un peu de temps car son Autumn est rudement plaisant à entendre. Il vous tombe dessus avec un genre de clarinettes qui ondulent sur fond d’electronica légère à la Steve Roden par exemple. Mais les choses s’assombrissent (faute à la nuit qui tombe ?).

Un coup d’essuie et voilà que le Monsieur repart à zéro (c’est presque un retour en arrière puisqu’on passe d’Oktober à September). Allez comprendre… Mais bref, puisque la nouvelle séquence d’ambient nous invite à nous immerger dans le son où l’on découvrira une structure kaléidoscopique d’une richesse rare. Un cello-effect et des vois fantomatiques pour couronner le tout, et l’on ne peut qu’applaudir et bien fort et en regrettant aussi d’imaginer que l’hiver passe sans nouvelles de Günter Schlienz.

Günter Schlienz : Autumn
Zoharum
Edition : 2016.
CD / DL : 01/ Oktober 02/ September 03/ November
Pierre Cécile © Le son du grisli