Malachi, c’est Malachi Favors, contrebassiste de l’Art Ensemble of Chicago depuis sa création en 1967 jusqu’à son décès en 2004. Ce disque est donc un hommage au musicien disparu. Mais le propos n’est pas tant d’emprunter les voies musicales arpentées par Favors que de perpétuer son esprit : celui de la recherche d’un fragile équilibre, d’une musique sur le fil. Il s’agit avec Favors, comme ici avec le contrebassiste Bruno Duplant et ses compagnons, de tenir le jazz à distance mais de rester en son champ, de rester exigent en même temps qu’accessible. Ici, comme là,  le contrebassiste est à la fois celui qui emmène les autres musiciens dans des directions aventureuses tout en demeurant un point de repère, un pivot. Ici, c’est lui qui créé le climat, donne le « ton » de chacun des morceaux de ce disque, refusant souvent à sa contrebasse toute résonance, la rendant sèche, acérée, vacillante en même temps que déterminée.

La musique jouée par Bruno Duplant, Phil Hargreaves (saxophones) et Lee Noyes (percussions), est une musique de suspens, où les sons émis ne semblent prendre toute leur valeur qu’en tant que signes annonciateurs de ce qui va suivre. En témoignent les titres des morceaux qui, lus à la suite, offrent un poème. Les trois hommes donnent vie à une musique de l’oubli du monde présent et du temps qui passe – musique de l’intériorité, tout en retenue, à la manière de fantômes ou de lambeaux de mélodies convoqués par cette configuration en trio vieille comme le monde : peaux + souffle + cordes. Elémentaire.

Hargreaves, Noyes, Duplant, Se lever avant le jour. Courtesy of Insubordinations.

Phil Hargreaves, Lee Noyes, Bruno Duplant : Malachi (Insubordinations / Téléchargement libre)
Edition : 2009.
MP3 : 01/ Porter attention à ce qui va suivre 02/ Se lever avant le jour 03/ Garder les choses comme elles sont 04/ Parfois ne penser à rien 05/ Oublier que le temps passe 06/ Demander à la poussière 07/ S'aimer le temps d'une éternité 08/ Croire que tout est possible 09/ Ecouter systématiquement son coeur
Pierre Lemarchand © Le son du grisli

Fruit de la collaboration d’Anla Courtis (Reynols) et Aaron Moore (Volcano The Bear), Brokebox Juke est composé d’enregistrements ayant fait le voyage entre Argentine et Etats-Unis au point d’en devenir un précieux ouvrage au positionnement indéfini.

Parce que le duo va voir partout où la musique populaire saura faire preuve d’audace : mélodie répétée au point de tenir bientôt de la litanie abstraite, mécanique grippée de cordes de guitare ou de violon, mouvements lents vouant un culte aux effets crachant, gestes improvisés sur instruments multiples et épaisses couches de claviers électroniques ; enfin, progression fière et inattendue d’une autre guitare et d’une batterie. Formé au gré des transports, Brokebox Juke n’en finit pas de changer d’allure et de point de vue, laissant au final l’auditeur attester du passage d’un objet rare, confectionné dans le secret par deux musiciens ayant la pop ombreuse en partage.

Alan Courtis, Aaron Moore : Brokebox Juke (NO-FI / Metamkine)
Enregistrement : 2007-2008. Edition : 2009.
LP : A01/ Prorgreso = Ropes Gro A02/ Lopsla Nes = Opals Lens A03/ Lunoion = A Nu Lion A04/ Bluifedls = I Feed Bulls B01/ Conpcion = P-Cone Conic B02/ El Sincio = Silence Oil B03/ Gigngante = Anti Egg
Guillaume Belhomme © Le son du grisli

Figure éminente du Black Artists Group, de la scène loft new-yorkaise, du World Saxophone Quartet, et aujourd’hui saxophoniste profitant de l’osmose d’un Trio 3 qu’il emmène depuis 1986 avec Reggie Workman et Andrew Cyrille, Oliver Lake déplore quand même de devoir batailler encore pour réussir à faire entendre sa voix. Celle-ci, à entendre sur les références de son propre label, Passin’ Thru, et d’excellentes rencontres avec Irène Schweizer ou Geri Allen publiées récemment par Intakt Records. 

…Mon premier souvenir musical vient de ce juke-box que j’écoutais dans le restaurant de ma mère. J’ai passé beaucoup de temps à cet endroit, j’y ai entendu pas mal de musique noire. Ma mère avait aussi pris l’habitude de chanter du gospel…

Comment êtes-vous arrivé à la musique ? J’avais à peu près 14 ans… Certains de mes copains jouaient d’instruments de musique et j’ai rejoint un marching band du nom de The American Woodman. J’y tenais les cymbales et le tambour de basse. Plusieurs membres de ce groupe étaient de véritables jazzmen. J’ai commencé à me rendre à leurs jam sessions, ce qui m’a donné envie de me mettre au saxophone. Ce groupe participait à des compétitions organisées un peu partout dans le pays. Un de ses membres était le saxophoniste Fred Walker, qui m’a mis entre les mains mes premiers disques de jazz, histoire que je me rende compte de la chose. 

Quel souvenir gardez-vous de vos débuts avec le Black Artists Group ? Le Black Artists Group a été une école pour moi… J’y ai appris à travailler toutes les disciplines : la musique, la danse, le théâtre, les arts visuels, mais aussi l’autopromotion et la production de concerts. Cette expérience a été une force lorsque j’ai gagné New York : je savais comment il fallait que je réagisse. En ce qui concerne l’époque de la scène loft, elle était énergique, frénétique… Il y avait tellement d’endroits où jouer downtown. Là encore, mon expérience dans le Black Artists Group m’a bien aidé : le loft movment était aussi une affaire d’autoproduction : nous louions des endroits où jouer, y répétions avec le groupe, écrivions la musique, fabriquions les affiches et faisions toute la publicité, tout ce que je faisais déjà à St. Louis avec le Black Artists Group, à une époque où nous étions encore payés au nombre d’entrées…

Quelles sont les choses qui ont changées ces quarante dernières années dans le domaine du jazz selon vous ? Il y a quarante ans, les festivals programmaient 90% de musiciens américains et 10% d’Européens. Aujourd’hui, ce serait plutôt l’inverse. Pendant tout ce temps, beaucoup de musiciens non américains ont progressé au point d’être aujourd’hui d’excellents musiciens de jazz, ce qui fait que les festivals qui se tiennent à l’étranger peuvent aujourd’hui programmer leurs propres vedettes…

Être musicien de jazz est donc toujours aussi difficile ? Je me sens bien dans ma peau de musicien de jazz. J’ai eu assez de chance pour faire partie de plusieurs groupes qui ont eu un certain succès, et, en tant que compositeur, j’ai pu faire jouer mes compositions. Je dois quand même dire que je pensais qu’avec l’âge, tout deviendrait plus facile pour moi. Or, ce n’est pas le cas, je dois encore me lever chaque jour si je veux que les choses arrivent.

Il y a une vingtaine d’années, vous avez décidé de fonder votre propre label, Passin Thru, qui existe toujours aujourd’hui… Une fois encore, monter mon label a été une des conséquences de mon expérience dans le Black Artists Group. Nous savions déjà à l’époque qu’il était primordial de contrôler notre propre destin, et gérer soi-même un label découle de cette idée là. Avoir les droits de mes compositions et être maître de mon destin tout en nouant des relations avec d’autres labels : Justin Time pour le World Saxophone Quartet et Intakt Records pour Trio 3.

Vous avez aussi soutenu Freddie Washington par le biais du label… Ca a été un honneur pour moi d’enregistrer son premier disque. Freddie m’a un peu aidé lorsque j’ai commencé au saxophone, et j’ai été heureux de mettre en valeur la pratique de ce superbe saxophoniste, qui plus en dans cet excellent trio dans lequel interviennent aussi John Hicks au piano et Billie Hart à la batterie.

Quelle est l’histoire du Trio 3, que vous formez avec Reggie Workman et Andrew Cyrille ? Tous les trois, nous nous appelions fréquemment, l’un demandant à l’autre de participer à tel ou tel de ses projets, et cela si souvent que nous avons fini pas monter notre propre trio… L’idée était de réunir trois compositeurs qui sont aussi trois improvisateurs et de former un trio dont la musique serait le leader. Nous avons aussi eu l’idée de rencontrer d’autres musiciens à l’occasion : il y a à peu près dix ans, nous avons donné un concert dans un club avec Andrew Hill en invité. En ce moment, nous travaillons beaucoup avec Geri Allen [At This Time, premier disque issu de cette collaboration, vient de sortir sur le label Intakt, ndlr].

Vous avez aussi joué avec Irène Schweizer… Irène est une excellente pianiste, nous avons passé des moments fabuleux en concerts et en studio avec elle. Nous devrions la retrouver cet automne, à l’occasion d’une tournée en Europe.

Pouvez-vous me citer de jeunes musiciens que vous appréciez actuellement ? James Carter, Greg Osby, Vijay Iyer.

Pour finir, j’aimerais que vous me parliez de votre rapport à l’écriture, la poésie, par exemple, vous permet-elle de vous exprimer différemment ? J’en reviens encore à mon expérience au sein du Black Artists Group. Là, j’avais l’habitude d’accompagner des poètes, ce qui m’a incité à écrire ma propre poésie. Lorsque j’ai emménagé à New York en 1974, j’ai collaboré avec plusieurs poètes, notamment Ntuzaki Shange. Après avoir travaillé un certain temps avec elle, j’ai commencé à écrire mes propres pièces d’un théâtre solo. Quand tu écris de la poésie, tu t’exposes davantage, tu en dis plus sur toi. Souvent, je récite quelques uns de mes textes lors de mes concerts en solo. C’est ma façon à moi de m’exprimer plus personnellement encore…

Oliver Lake, propos recueillis en mai 2009.
Guillaume Belhomme © Le son du grisli

Oliver Lake déjà sur grisli
Berne Concert (Intakt - 2009)
Zaki (HatOLOGY - 2007)
Time Being (Intakt - 2006)
WildFlowers : Loft Jazz New York 1976 (Douglas - 2006)

Troisième projet commun à Carsten Nicolai et Ryuichi Sakamoto, Utp donne à entendre et à voir – le label Raster Noton ayant choisi de coupler ici CD et DVD – le couple donner un concert en compagnie de l’Ensemble Modern.

D’ordinaire appliqué à défendre de grands travaux de musique contemporaine, l’ensemble investit l’exercice au son de grands coups d’archets qu’il dépose sur un drone traînant, avant d’agir avec plus de discrétion lorsque Sakamoto ose quelques notes de piano sur un bip à la sonorité d’hier – musique électronique que le Japonais a toujours appréciée, élevée entre modernité et archaïsme.

Plus loin, des vignettes atmosphériques au discours mélodique évaporé défilent, comparent leurs mécaniques : notes à distance faisant toute confiance aux volutes porteuses du décorum de Broken Line 1 ; transport sur écho léger d’autres notes de piano et de pizzicatos rapides sur Broken Line 2 : Nicolai modelant, sans rien laisser paraître de ses intentions, la forme ultime de l’échange : sensible et assez vaste.

Alva Noto, Ryuichi Sakamoto, Ensemble Modern : Utp (Raster Noton / Metamkine)
Edition : 2009.
CD : 01/ Attack Transition 02/  Grains 03/ Particle 1 04/ Transition 05/ Broken Line 1 06/ Plateaux 1 07/ Silence 08/ Particle 2 09/ Broken Line 2 10/ Plateaux 2 (End)
Guillaume Belhomme © Le son du grisli

Avant d’animer en compagnie de Cornelius Cardew le People’s Liberation Music, l’australien Laurie Scott Baker commençait à défendre auprès de partenaires d’importance ses énigmatiques façons de composer.

Au nombre de ces musiciens qui donnèrent leur interprétation de notes jetées sur le papier ou de graphiques singuliers jouant le rôle d’intentions compositionnelles, trouver en 1969 auprès de Baker les guitaristes Derek Bailey et Keith Rowe et le contrebassiste Gavin Bryars, musiciens déchiffreurs qui mirent au jour Gracility, pièce d’expérimentation grave et traînante, musique de gamelan revue et corrigée à coups de cordes accrocheuses.

Plus loin, les deux courts mouvements de Pibroch soumettent Evan Parker, seul, à l’idée de phrases mélodiques répétées au point de faire bientôt naître des résidus qu’il faudra intégrer au discours : avec tact, le soprano se plie à un exercice qui le change. En compagnie de Jamie Muir (percussions) et de John Tilbury (orgue), Baker sert ensuite Bass Chants & Cues, qui rappelle les travaux de Terry Riley avant d’évoquer un morceau de krautrock égaré en terre anglaise quand, pour terminer, le même défend en membre du Scratch Orchestra une autre composition devant beaucoup à la même influence : Circle Piece. Voilà donc pour les archives imposantes d’un compositeur qui collabora par la suite avec Robert Wyatt et faisait paraître l’année dernière Liquid Metal Dreaming.

CD1: 01/ Gracility 02/ Changing Light 03/ Port of London Atmos 04/ Camden Sunday Afternoon 05/ Breathing of the City 06/ The Northern Line 07/ Keithrowe Airport 08/ Microphonic 09/ Sweat & Tears 10/ Who Was That 11/ Pibroch 1926 12/ Pibroch The Call - CD2: 01/ Bass Chants & Cues 02/ Jackdaws Ascending 03/ Wurlitzer Ramayana 04/ Baby Binson Sonar 05/ River Thames AM 06/ Goldsmiths (Driving) 07/ Rotherhithe Approach 08/ Futurama Ascends 09/ Bubble & Squeak SE10/ Music Hall Tripping 11/ The Scream 12/ Coo-ee (Echorec) 13/ Winged Dove 14/ Circle Piece 15/ Degrees 16/ Degrees 17/ 180 Degrees 18/ 360 Degrees >>> Laurie Scott Baker - Gracility - 2009 - Music Now.

A la manière de Corpulent – avec lequel il partage sa section rythmique -, The Jolly-Boat Pirates est un quartette composé de musiciens Suédois et Américains : Niklas Barno (trompette), Lars Ahlund (saxophones), Joel Grip (contrebasse), Devin Gray (batterie). Qui sortent aujourd’hui leur premier enregistrement commun.

Dès Alvaro, le groupe sert une énergie démonstrative au rythme de laquelle il ne peut longtemps cacher ses modèles : Ornette Coleman ou Joe McPhee ; Ayler, ailleurs, lorsque Big Shit mêle à l’assaut des dissonances la légèreté d’une musique de fanfare répétitive. Capable aussi de swing courtois, tant qu’il est possible de le perdre au milieu d’une progression bousculée par un soprano bancal et une section rythmique aérienne (Denight Delight).

Moins inspiré sur Bro (plage déstructurée perdues par quelques élans romantiques) ou Line (plage déstructurée perdue par un manque de vigueur inquiétant), The Jolly-Boat Pirates tire souvent profit des tensions adéquates : à la pièce envoûtante, parfaitement soutenue par l’archet de Grip, qu’est Letandet ; ou au fantasme de régénérescence, sur Strutsen, jolie conclusion qui aurait toutefois gagné à déployer la même ardeur que celle des premiers titres.

The Jolly-Boat Pirates qu’il faudra suivre, donc, tout comme Corpulent. L’un et l’autre produit par Umlaut Records, label de Joel Grip, soit : débarrassés des contraintes du naturel et décisif rendement. Le reste assurant de valables perspectives d’avenir.

CD: 01/ Alvaro 02/ Denight Delight 03/ Bro 04/ Line 05/ Letandet 06/ Big Shit 07/ Strutsen >>> The Jolly-Boat Pirates - The Jolly-Boat Pirates - 2006 - Umlaut.

Enregistré en studio, Soleil d’artifice est la trace laissée sur disque de l’association Jean-Luc Guionnet (saxophone alto) / Eric La Casa (microphones, laptop et enregistrements) / Philip Samartzis (électronique, laptop, field recordings), entendue en Europe en 2007.

En compagnie de l’Australien – qui s’occupa aussi de mixer l’enregistrement –, Guionnet et La Casa réinterrogent l’espace, le temps et la forme à donner à la dualité. Au son de sirènes, de grésillements, de chuchotements et d’aigus perçants, les trois hommes bâtissent un édifice de grisailles enfermant l’entente de sons préenregistrés et de pratiques instrumentales inventant sur l’instant. Bientôt, l’alto insiste pour se libérer de la forme jusque-là donnée à l’ensemble, se balance entre deux notes puis en répète une seule, de moins en moins inquiet d’aller voir ailleurs qu’à l’endroit indiqué : Soleil d’artifice dans lequel il finit par se fondre pour mieux en intensifier la flamme.

« J’aurai vécu dans le soleil. J’ai connu dans ce monde un bonheur infini. Certains soirs, le bruit de la pluie me procurait une jouissance indicible car il était la chanson que faisait ma vie pour résonner dans les profondeurs du temps qui me donnait tout. » Joë Bousquet, Traduit du silence, extrait cité dans Le bruit de fond, texte de Jean-Luc Guionnet.

Jean-Luc Guionnet, Eric La Casa, Philip Samartzis : Soleil d’artifice (Swarming / Metamkine)
Enregistrement : 2007. Edition : 2009.
CD: 01/ Part 1 02/ Part 2 03/ Part 3
Guillaume Belhomme © Le son du grisli

Les conséquences de la no wave (espoir de guitares suspendues de Glenn Branca en tête) mêlées à d’imposantes réminiscences de cold, de porter haut le discours musical de KTL : Stephen O’Malley (Sun O)))) et Peter Rehberg, musiciens produits sur IV par Jim O’Rourke.

Guitares aux plaintes longues, donc ; les parasites : éreintants. Là, une mélodie achevée à peine tente de percer sous les nappes enveloppantes d’un clavier, avant de se complaire dans l’art de buter avec morgue et déraison sur deux notes vaines. La mécanique de l’ensemble, forcément lente, se plie quand même parfois à un crescendo, sur une esthétique du crachant de plus en plus pesante : obligée de disparaître enfin sous des couches d’atmosphères rugueuses qu’elle a elle-même engendrées.

CD: 01/ Paraug 02/ Paratrooper 03/ Wicked Way 04/ Benbett 05/ Eternal Winter 06/ Natural Trouble >>> KTL - IV - 2009 - Editions Mego. Distribution La baleine.

Fin août 1972 – soit, quelques années avant la parution de son premier enregistrement personnel –, Arthur Doyle jouait au Studio Rivbea de Sam Rivers : là, donnait en compagnie du tromboniste Charles Stephens et du batteur Rashied Sinan une relecture emportée de Nature Boy.

Du titre d'Eden Ahbez que Nat King Cole transforma en standard, Doyle fait un prétexte à la déposition d'une esthétique de fulgurances : abrasive et expiatoire, le musicien passant de saxophone ténor en flûte et clarinette basse avec toujours la même frénésie. Ailleurs, laisse toute la place à Stephens, musicien moins expressionniste mais grâce auquel la reprise profite de contrastes inattendus, installés sur les roulements porteurs de Sinan.

Si la qualité sonore du disque n'est pas à la hauteur de la musique qu'il renferme, Nature Boy a le mérite d'allonger la discographie d'Arthur Doyle d'une référence et de trente minutes d'intensité indispensables. Musicien du free inspiré par un standard, Doyle réinvestissait le même il y a quelques années encore, seul ou en compagnie de Sunny Murray. 

Arthur Doyle : Nature Boy (Homeboy).
Enregistrement : 1972. Edition : 2009.
CD-R: 01/ Nature Boy
Guillaume Belhomme © Le son du grisli

A la mémoire du tromboniste Jeff Hoyer, Collective 4tet élève In Transition, qui donne à entendre le groupe intégrer (en conséquence) le trompettiste Arthur Brooks.

Mark Hennen (piano), William Parker (contrebasse) et Heinz Geisser (batterie), de poursuivre donc leur collaboration dans l’adversité mais avec cohérence : des propositions volontairement timides des premières interventions, passent à un déferlement profitant des différences de quatre intensités – si Hennen semble souvent jouer le rôle d’accompagnateur efficace, noter les présences tempétueuses de Parker (notamment sur solo), Brooks et Geisser.

Frontale, encore davantage, la suite : Clear Skies, sur lequel le pianiste rattrape son retard à grands coups de ponctuations aussi déroutantes que subtiles ; For a Change, lorsque le quartette s’accorde sur une progression distendue et tortueuse. Comme à chaque fois, l’ensemble retourne aux brumes d’où il était sorti, disparaît comme le veut le cérémonial des cataclysmes.

CD: 01/ In Transition 02/ Clear Skies 03/ For a Change >>> Collective 4tet - In Transition - 2009 - Leo Records. Distribution Orkhêstra International.

Collective 4tet déjà sur grisli
Moving Along (Leo - 2004)

Au Taktlos Festival de Berne en 2007, Oliver Lake, Reggie Workman et Andrew Cyrille accueillaient sur scène la pianiste Irène Schweizer. Enregistré, le concert dévoile les qualités attendues de la rencontre.

Sur le Flow de Lake, Schweizer doit alors se faire une place : discrète, d’abord, trouve l’inspiration dans la paraphrase avant d’imposer sa méthode singulière du découpage mélodique. Faux-airs de valse – abandonnée rapidement pour une poursuite –, ensuite, sur laquelle la pianiste dialogue avec l’autre amateur de répétitions qu’est Workman, et l’échange avec l’entier trio sur Aubade, thème de Cyrille au swing martial et morceau d’angoisse qui profite d’un art de la délicatesse qu’ont en commun les intervenants.

Impétuosités et passages d’une contemplation impatiente de céder à l’emportement font l’essentiel d’une improvisation du duo Schweizer / Lake (Phrases), qui précède une autre du duo Schweizer / Cyrille : retrouvailles (rencontre, vingt ans auparavant, au Festival Willisau, dont Portrait donne une preuve) au lyrisme amusé pendant lesquelles le batteur ponctue avec sagacité les effets frénétiques de l’insatiable imagination de la pianiste. Ensemble, Schweizer, Lake, Workman et Cyrille, gravent leurs initiales sur une improvisation déboîtée (WSLC), et mettent un terme dans une allégresse sauvage à leur association unique.   

CD: 01/ Flow 02/ R.I. Exchange 03/ Aubade 04/ Phrases 05/ Ballad of the Silf 06/ Timbral Interplay 07/ WSLC >>> Trio 3, Irène Schweizer - Berne Concert - 2009 - Intakt Records. Distribution Orkhêstra International.

Trio 3 déjà sur grisli
Time Being (Intakt - 2006)

Irène Schweizer déjà sur grisli
First Choice (Intakt - 2006)
Portrait (Intakt - 2005)
Live at Taktlos (Intakt - 2005)

Continuant de soigner sa prédilection pour la musique élaborée en trio, le guitariste Geoff Farina (Karate) rencontrait récemment Massimo Pupillo, bassiste de Zu, et le percussionniste Michael Zerang : avec eux, rendait un Still Life with Commercials aléatoire.

Parce qu’il peine à choisir entre grands développements d’une atmosphère aussi ténébreuse qu’électrique et laisser-aller instrumental accomodant les genres avec faiblesse : indus cordial (Raids on the Unspeakable), dub soupçonné allié à un solo de guitare démonstratif mais plus que stérile (Still Life with Commercials). Convaincants par moments minuscules, le trio signe quand même Reduced Density Matrix, œuvre d’un bruitisme engoncé en râles inquiets, convaincant davantage au point que le trio mériterait de s’en inspirer si lui venait l’idée de collaborer encore.

CD: 01/ Raids on the Unspeakable 02/ Neti, Neti 03/ Sorrows of Empire 04/ Psychic Entanglement 05/ Still Life with Commercials (download) 06/ Reduced Density Matrix >>> Geoff Farina, Massimo Pupillo, Michael Zerang - Still Life with Commercials - 2009 - fromScratch.

Fondé en 1995 par Frode Gjerstad et le contrebassiste Nick Stephens, Calling Signals – ensemble qui aura compté parmi ses membres Paul Rutherford ou Louis Moholo – improvisait encore récemment et interrogeait les possibilités de cohabitation entre clarinettes, contrebasse, batterie et accordéon.

S’occupant d’abord de tendre la toile de fond des débuts de Dreams, l’accordéoniste Eivin One Pedersen, gagné aussi par la ferveur, ne cesse de prendre du galon. Seul instrument à servir un rien de mélodie, il pourra canaliser les intentions insaisissables du quartette (Dreams In Dreams In) ou servir une soul empreinte de folk (Dreams In Dreams In Dreams).

C’est que Gjerstad laisse beaucoup de place à Pedersen, lorsqu’il ne distribue pas des phrases furtives sur un rythme langoureux (Dreams In) ou ne propose de jolies trouvailles décidant d’arrangements sur l’instant (la lente chute des corps et instruments, sur Dreams In Dreams).

Saluer, enfin, l’assurance de la section rythmique: Stephens, capable de pizzicatos aussi frénétiques que discrets ; Paal Nilssen Love, à la batterie, auteur d’élans denses et concis, qui n’en finissent pas de proposer les éclairages différents. Pour parfaire l’inspiration d’un quartette inédit autant que convaincant.

CD: 01/ Dreams 02/ Dreams In 03/ Dreams In Dreams 04/ Dreams In Dreams In 05/ Dreams In Dreams In Dreams

Calling Signals - Dreams in Dreams - 2005 - FMR.

Membre discret d’un Acoustic Guitar Trio dans lequel évoluait aussi Nels Cline, le guitariste Jim McAuley voit aujourd’hui paraître un double-album composé de titres qu’il enregistra en duo avec son ancien partenaire, ainsi qu’avec le violoniste Leroy Jenkins, le contrebassiste Ken Filiano et le percussionniste Alex Cline.

Souvent improvisées, les rencontres ont pour point commun un mélange de genres assumé : pièces déconstruites et anguleuses élaborées avec Jenkins (Improvisation #12) ou Filiano (Escape Tone), épreuves d’un minimalisme répétitif (Improvisation #5) ou expérimental (Froggy’s Magic Twanger), morceaux de folk atmosphérique (November Night) ou d’un blues quelques fois insipide (Jump Start). L’ensemble, de receler quelques moments de grâce.

Jim McAuley, Leroy Jenkins, A Ditty for NC (extrait). Courtesy of Drip Audio.

CD1: 01/ Improvisation #12 02/ Nika’s Love Ballad 03/ Improvisation #5 04/ November Night 05/ Improvisation #1 06/ Escape Tones 07/ A Ditty for NC 08/ Improvisation #6 09/ The Zone of Avoidance 10/ Froggy’s Magic Twanger 11/ Huddie’s Riff 12/ Il Porcelino – CD2: 01/ Jump Start 02/ Improvisation #9 03/ Bullfrogs and Fireflies 04/ Successive Approximations 05/ Improvisation #11 06/ Five’ll Get Ya’ Ten 07/ Work with Sharp 08/ ‘’No Snarel” 09/ Improvisation #10 10/ Angie Moreli Truly Confesses 11/ Okie Dokie 12/ For Rod Poole >>> Jim McAulay - The Ultimate Frog - 2008 - Drip Audio.

Trio écossais (Michael Edwards, Karin Schistek, Martin Parker), Lapslap consigne sur Itch dix improvisations allant voir du côté d’une musique électroacoustique perturbée, qu’elle soit brute ou plus sophistiquée.

Parti au son d’imprécisions instrumentales (piano désaccordé et saxophones souffreteux opposant leurs longues notes à quelques nappes électroniques imperturbables), la sélection va voir ensuite du côté de la tradition improvisée européenne (Paul Rutherford sur Sloopy Lips, Jacques Demierre sur Scratchy) puis de celle d’une musique contemporaine jadis inquiète d’avenir, lorsque le trio sort de son appareillage moderne les sons de très anciens orgues électriques (Nailed), avant de tout sacrifier à des déflagrations sonores hésitant entre pseudo indus et musique de jeux vidéo.

Quelques fois maladroit, Itch parviendra à satisfaire dans son ensemble l’auditeur qui saura partager les références du trio, ou goûtera l’œuvre des musiciens qu’il évoque : Pierre Henry, Al Margolis, Ross Bolleter, Sun Ra ou Günther Rabl.

CD: 01/ No Cheddar But 02/ Spoons 03/ Sloopy Lips 04/ Nailed 05/ Honk 06/ Hungry 07/ Schweigen 08/ Scratchy 09/ Motor Mouth 10/ Rhapsody in Light Yellow >>> Lapslap - Itch - 2008 - Leo Records. Distribution Orkhêstra International.

Emmené par Christof Kurzmann (entendu jadis auprès de John Butcher ou Steve Lacy) et Michael Thieke (membre notamment du Clarinet Trio), The Magic I.D. compose un premier album d’une électroacoustique soumises à influences – David Grubbs, Mark Hollis ou Stina Nordenstam – ainsi qu’à l’originalité de son instrumentation (voix, guitares et clarinettes).

D’allure plutôt lente, l’ensemble défend souvent une pop atmosphérique ou un folk mouvant, aux mélodies instituées sur boucles et déviant selon l’effet des interventions. Capables de quelques maladresses (voix ici trop appuyée ou improvisation virant là au refrain stérile), The Magic I.D. parvient sur la longueur à imposer avec Till My Breath Gives Out (première référence d’une section pop ouverte par le label Erstwhile) un idéal musical polyphonique et polymorphe, rare et presque singulier ; prometteur, surtout. 

The Magic I.D. : Till My Breath Gives Out (Erstwhile / Orkhêstra Interational)
Edition : 2008.
CD : 01/ True Holiday 02/ Feet Deep 03/ Wintersong 04/ Martin Fierro 05/ From the Same Road 06/ Loopstück
Guillaume Belhomme © Le son du grisli 

A l’Alchemia de Cracovie, Return of the New Thing donnait en 2007 un grand exposé d’improvisation sombre, qui, une fois mis en boîte, vient grossir la singulière discographie du groupe.

Du mouvement lent de graves turbulences, le quartette repart donc, pour amasser interventions concentrées et sautes d’humeur revigorantes – Jean-Luc Guionnet passant de propositions timides en expressionnisme agité, Dan Warburton tirant au piano profit d’arpèges avant de distribuer une série de notes turbulentes – sur la première plage, puis traîner davantage sur la deuxième, pan d’intensité charriée par vagues successives soumises à peine à l’influence d’accentuations soudaines : rauques de l’alto contre insistance d’un violon.

En guise de conclusion, le contrebassiste François Fuchs et le batteur Edward Perraud installent un discours plus normé – swing soutenu mais en perpétuelle dérive –, qui complète l’approche musicale de Return of the New Thing, partie de l’influence de Coltrane et patiemment diluée.

CD: 01/ 29’09’’ 02/ 24’41’’ 03/ 17’22’’ >>> Return of the New Thing - Alchemy - 2008 - Not Two. Import.

D'une série enregistrée d'improvisations, d'impromptus et de field recordings, le violoniste Nils Bultmann fait le matériau d'invention de Terminally Unique, disque qui profite aussi des interventions d'invités : Roscoe Mitchell (saxophone ténor et flûte), Parry Karp (violoncelle), Paddy Cassidy (percussions).

Sujet aux hésitations, l'ensemble alterne entre déconstructions emportées, pièces mélodiques rappelant les manières acoustiques de Sakamoto ou celles de Balanescu, ou encore, compositions fantasmées d'un Ligeti miniature. Malgré un choix étrange dans les sons de claviers électriques (heureusement rarement) utilisés, Terminally Unique est un disque réussi, qui rattrape un peu le sérieux excessif des dernières productions du label Mutable.

Nils Bultmann, Sketches of Spirit. Courtesy of Mutable Music.

CD: 01/ Welcome 02/ 2 03/ The Madness 04/ Sketches of Spirit 05/ Marched Upward 06/ Brutally Adored 07/ Still Strangely Serene 08/ Reverently 09/ Absorbing 10/ Again 11/ The Pulsing 12/ Primal 13/ Silent 14/ Ocean >>> Nils Bultmann - Terminally Unique - 2008 - Mutable Music.

En six improvisations, Alessandra Rombolá (flûtes et installations), Esteban Algora (accordéon) et Ingar Zach (percussions) parcourent sur ...de las piedras des compositions qu’ils peignent dans le même temps : morceaux d’angoisses dilués puis déposés par couches successives.

Inquiet de matière sonore différente, le trio amasse ainsi nappes longues et notes élaborées dans l’urgence, résonances et bruits parasites, chocs nés de gestes brusques et preuves de lyrisme éteint pour provenir d’une pratique qui a déjà beaucoup donné. Horizontale ici, verticale ailleurs, l’improvisation s’insinue dans l’ombre, avant de tout avaler.

Rombolá, Algora, Zach, ... de las piedras (extrait). Courtesy of Another Timbre.

CD: 01/ ámbar 02/ alabastro 03/ galena 04/ turmalina 05/ jade 06/ amatista >>> Alessandra Rombolá, Esteban Algora, Ingar Zach - … de las piedras - 2008 - Another Timbre. Distribution Metamkine.

Trio composé du saxophoniste John Butcher, du clarinettiste Xavier Charles et du trompettiste Axel Dörner, The Contest of Pleasures répondait en 2005 à une commande du Groupe de Musique Electroacoustique d’Albi-Tarn et investissait plusieurs endroits de la ville au son d’improvisations qui formeront ensuite le matériau de départ d’Albi Days.

Dans ces bandes enregistrées par Laurent Sassi, chacun des musiciens devra puiser pour proposer une relecture personnelle de l’événement. Charles, d’abord, qui imbrique de brefs passages de souffles, de notes échappées – aigus forcenés ou fulgurances improbables jouant des harmoniques -, de bruits de clefs et de crissements (Les oignons).

Le temps de deux morceaux, Butcher réinvente l’expérience et dévoile une pièce plus opaque, sifflante, qui met en lumière l’endroit précis des instruments où l’air coince (Garden Cress), pour superposer ensuite quelques nappes oscillantes, qui fantasment bientôt une electronica expérimentale emportée par l’appel des sirènes (Winter Squash).

Plus tourmenté, Dörner préfère monter une prosodie baroque, qui use de la réverbération, dépose les incartades agitées de la trompette sur les interventions faites nappes de la clarinette et du saxophone avant de tout sacrifier à l’assaut fomenté des souffles (Karfiol). Alors, c’est au tour de l’ingénieur du son de fabriquer sa version des faits, adéquate à la bonne entente du concret et de l’abstrait, et qui ne s’interdit pas le recours à la construction rythmique faite de samples discrets (Les cornichons).

Vu d’ensemble, Albi Days est un précis de réécriture de musique un jour improvisée pour être réfléchie ensuite, infiltrant alors dans ses rouages les couleurs de Varèse ou Xenakis, les expérimentations de Doneda ou Thieke et les bidouillages cyclothymiques de Keith Fullerton Whitman.

CD: 01/ Les oignons 02/ Garden Cress 03/ Winter Squash 04/ Karfiol 05/ Les cornichons

The Contest of Pleasures - Albi Days - 2006 - Potlatch. Distribution Orkhêstra International.

Sourcilleux, le propos musical de Cory Allen, qui n'hésite pas à s'appuyer sur des vérités toutes personnelles pour expliquer – assumer, peut-être – sa démarche de créateur. Artiste sonore texan – puisque partout l'on trouve, maintenant, cette sorte d'artiste là –, Allen avance aussi bien quelques vues métaphysique qu'il feint des préoccupations d'humaniste. Mais pour expliquer quoi ?

The Fourth Way : découpages incessants stimulés par la neurasthénie de leur auteur d'un amalgame de nappes lointaines de claviers, de la répétition de quatre longues notes électroniques ou d'une suite de chocs étouffés. L'actualité d'une ancienne musique industrielle, aujourd'hui attendrie par une ambient électroacoustique et bruitiste. Au fur et à mesure, quelques éclaircies, étape de naïveté gâchant l'inquiétude, forcément de retour pour finir de convaincre l'auditeur de l'intérêt de l'expérience, et de la stérilité des discours qui accompagnent les jolies oeuvres abstraites.

Cory Allen : The Fourth Way (Quiet Design)
Edition : 2008.
CD : 01/ Exedra 02/ Telepathic Solve 03/ Chordata Analysis 04/ In Search of Miracul 05/ All Suns 06/ Chordata Analysis [Animal Aggregation] 07/ We Have Lots of Time
Guillaume Belhomme © Le son du grisli

Récents collaborateurs sur 4 Corners, le trompettiste Magnus Broo et le percussionniste Paal Nilssen-Love se retrouvent sur Game, suite d'improvisations produite sur le label du batteur.

A entendre, d'autres morceaux d'une conversation difficile mais plaisante et ses concilitations lentes, et puis la mise en place naturelle de pièces de danses étranges : sévillane retorse ou bahianaise farouche. Rappelés ici, forcément, Don Cherry (Brown Sugar, Sweet Rice) ou Donald Ayler, tandis que naît le fantasme d'entendre évoluer un Elvin Jones élevé au rock.

Mais plus que tout, Broo et Nilssen-Love réinventent à domicile les efforts californiens de Max Roach et Clifford Brown. Le parallèle, lointain, et le calque : sauvage, qui refuse maintenant toutes limites, celles qu'il s'agissait de dépasser encore. Qui doutait de l'existence d'un jazz scandinave, et avait jusque-là raison, peut avec Game revoir son jugement, sans rien remettre en cause de sa différence.

Magnus Broo, Paal Nilssen-Love: Game (Paal)
Edition : 2008. 
CD : 01/ Marching 02/ Stomping 03/ Cut Loose 04/ CodA 05/ Mas 06/ Brown Sugar, Sweet Rice
Guillaume Belhomme © Le son du grisli

La musique de chambre de Xenakis dans l’interprétation qu’en donnent les Néerlandais Nora Mulder (piano) et Bas Wiegers (violon) – ou Duo 7090 – en compagnie d’autres instrumentistes recommandés par Béton Armé : ouvrage nécessitant aussi la présence d’un trombone et d’un trio de cordes.

En solo, duo ou trio, les musiciens servent donc des pièces à la timidité rognée par une fièvre hallucinatoire ou sur lesquelles les répétitions font figure de leurres appropriés tant la partition peut paraître récalcitrante. Au trombone, Koen Kaptijn rend lui aussi quelques hésitations (Keren), quand Mulder et Wiegers précipitent un discours plus affirmé sur Dikthas.

Et puis, les cordes, exprimant au son de l’archet insistant et d’aigus contrariant l’efficace progression des choses sur Ikhoor, révèlent une autre terre de contrastes, peinte partout sous couvert d’un Béton armé impromptu dont on a soigné la résolution sonore tout autant que l’exécution. 

CD: 01/ Evryali 02/ Mikka 03/ Mikka S 04/ Keren 05/ Ikhoor 06/ Dikhthas

Iannis Xenakis - Béton armé - 2008 - Bvhaast. Distribution Orkhêstra International.

Deux musiciens suédois se faisaient face, ce 3 mai 2004, au Conway Hall de Londres, à l’occasion du festival Freedom of the City. Le pianiste Sten Sandell, d’une part, et le guitariste David Stackenäs, de l’autre. Un duo d’improvisateurs, donc, que viendra rejoindre, après deux pièces exécutées, le trio d’Evan Parker, par ailleurs patron du label Psi.

Sur un déroulement éthéré de nappes électroniques, Jansson's Temptation (part 1) installe un dialogue piano / guitare. Le premier digresse, individuel, quand la seconde tente d’imposer ses rythmes, y parvenant quelque fois. Evolution d’une montée en puissance annoncée, le mouvement suit la violence des attaques de Sten Sandell, qu’il accompagne de sa voix sifflante, pour enfin avaler le morceau à lui seul à force de basses de fin du monde.

Phénix autoproclamé, la guitare introduit Jansson’s Temptation (part 2), au moyen d’accords dissonants, d’égrenages rapides de notes opposées par les pauses dont Stackenäs sait tirer parties. S’attaquant aux tirants, rugueux et acharné, il persuade bientôt le pianiste de l’utilité de le rejoindre. Celui-ci répond d’abord rythmiquement, percussionniste sur piano, avant de mêler ses notes fantasques à la plainte d’une alarme et de sifflets programmés. Un solo en remplace un autre, et Sandell conclut, une fois encore en graves, sobres et questionnant les interférences.

Maintenant aux côtés d’Evan Parker, Barry Guy et Paul Lytton, le duo démontre en quintette ce qu’est la maîtrise en improvisation. Gubbröra ne laisse rien échapper. D’envolées lyriques et déjantées en instants d’accalmie, les cinq musiciens s’entendent à la perfection. Parker, radical, avance en roue libre, tandis que les percussions de Paul Lytton enrobent les cercles convulsifs de la guitare de Stackenäs. Sandell, lui, provoque des avalanches d’aigus, et cède un peu de son statut de meneur au duo Lytton / Guy, qui appelle à la fuite, sème distances et doutes tout en recadrant régulièrement l’effort collectif.

Musique instantanée, aussi inaliénable qu’une topographie des mouvements, Gubbröra est plus simplement un double exercice d’improvisation réussi. Que nous conseille Evan Parker, parrain qui sait de quoi il parle, distribuant un avis du genre de ceux qu’on ne peut que suivre, et entendre.

CD: 01/ Jansson's Temptation (part 1) 02/ Jansson’s Temptation (part 2) 03/ Gubbröra

Sten Sandell, David Stackenas - Gubbröra - 2004 - Psi. Distribution Orkhêstra International.

Terres distantes et ignorant les forêts, les îles Féroé n’en accueillent pas moins un nombre conséquent d’obstinés oiseaux de passage. Des goélands bruns, troglodytes mignons, pétrels glacials ou mouettes tridactyles croisés un jour et enregistrés par Karsten Larsen, on trouvera la trace sur Fuglamál, Aviphonie n°3 de Kristian Blak, pianiste du coin, qui réarrangea les chants, piaillements et mouvements d’ailes, afin d’en faire une œuvre iconoclaste et surprenante.

Cinq tableaux se succèdent au gré de la boussole, et donnent à entendre un patchwork de plaintes menaçantes (Eystur – Part I-III), d’instants d’envol (Veingir – Part I) ou de traversée de grotte (Sudur – Part III). Ailleurs, plus simplement, des preuves discrètes d’existence (Vestur- Part II). Le son à peine retouché – les dénaturations de Blak se limitant à quelques larsens ou effets de potentiomètres –, c’est l’élaboration de séquences musicales qui fournit son intérêt extra écologique au disque. Echantillons de rythmes fortuits (Vestur – Part II), véritables compositions minimalistes (Veingir – Part III) ou simili pièces électroniques hésitant entre ambient sombre et cold wave étouffée (Sudur – Part I-III), les résultats auxquels aboutit Kristian Blak lorsqu’il s’attache à transformer sa matière première rivalisent d’étrangeté, et se partagent une même réussite.

Fluglamál, Aviphonie n°3 est un passage en terres féroïennes, littéralement « îles de moutons », qu’on n’a pas une seule fois entendu. Les dernières interventions (Nordur – Part I-III), plus brutes dans leur traitement, nous ramènent au matériau originel d’un projet musical curieux autant qu’abouti. Elles nous raccompagnent aussi, et sereinement, au nid.

Kristian Blak :  Fuglamál, Aviphonie n°3 (Tutl)
Edition : 2003.
CD : 01/ Eystur - Part I 02/ Eystur - Part II 03/ Eystur - Part III 04/ Vestur - Part I 05/ Vestur - Part II 06/ Vestur - Part III 07/ Veingir - Part I 08/ Veingir - Part II 09/ Veingir - Part III 10/ Sudur - Part I 11/ Sudur - Part II 12/ Sudur - Part III 13/ Nordur - Part I 14/ Nordur - Part II 15/ Nordur - Part III
Guillaume Belhomme © Le son du grisli