Le son du grisli

Bruits qui changent de l'ordinaire

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Parution : Jazz en 150 figures de Guillaume BelhommeParution : le son du grisli #2Sortir : Festival Baignade Interdite
A la question : interviewsAu rapport : impressions de concertsEn théorie : l'improvisation par l'écrit : John Butcher & Evan Parker

Komitas Vardapet : Six Dances (Makkum Records, 2016)

komitas vardapet keiko shichijo six dances

Six « danses » interprétées au piano par Keiko Shichijo. Vingt minutes à peine, qui nous rappellent le passage (1869-1935) de Komitas – théologien et musicologue arménien ; chantre, poète, pianiste et donc compositeur. C’est la voix de Komitas qui le fit remarquer de cette église qui lui permettra quand même de toucher au profane, c’est-à-dire à ces airs de la campagne arménienne qu’il retranscrivit sur papier et que l'Empire ottoman allait bientôt faire taire. Musicien et conférencier, Komitas voyagera beaucoup, faisant entendre chants laïcs et danses de sa composition, dont les timbres rappellent les instruments traditionnels arméniens.

C’est à Paris, en 1906, que Komitas écrivit les six danses de cet enregistrement moderne. Pièces d’un folklore réinventé – mais vertueux, étant données les sérieuses recherches du compositeur dans le domaine –, ces pièces rappellent les compositions pour piano de Gurdjieff et Hartmann (le second fera d’ailleurs connaître au premier l’œuvre de l'Arménien) qui, entre traditions turques et kurdes, progressent lentement, jouent avec les répétitions, les modulations et les déclinaisons. C’est donc à la fois un art de la danse appliqué par touches légères et un travail de mémoire inspirant à plus d’un titre qui permet au Makkum d’Arnold de Boer de mettre la main sur d’autres chansons dépaysantes.   

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Komitas Vardapet : Six Dances
Makkum Records
Edition : 2016.
CD : 01/ Yerangi 02/ Unabi 03/ Marali 04/ Shushiki 05/ Het u Araj 06/ Shoror
Guillaume Belhomme © Le son du grisli

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Moondog : Beyond Horizons (Moondog Rockwerk, 2015)

moondog mariam tonoyan stefan lakatos beyond horizons

Cette année, vous le savez comme moi (pour l’avoir lu et relu, entendu et réentendu jusque sur… France Inter), Moondog aurait eu 100 ans. C’est beau, un anniversaire, surtout quand le saint du jour n’est plus. Mais dans le cas de Moondog, je crois que c’est préférable : encore vivant, on aurait trimballé le génial'aveugle d’une grande salle de « spectacle » (en présence d’un orchestre régional) à un micro-podium de FNAC rencontres (au bras d’un inculte flagorneur). Ouf!

Bien sûr, Moondog appartient à tout le monde, mais pour ce qui est des hommages je préfère m’en tenir à celui qu’ont enregistré à Cologne last year (l'année de ses 99 ans !) le fidèle Stefan Lakatos (qui n’a cessé de développer la pratique du trimba que lui a légué le compositeur) & la subtile Mariam Tonoyan au piano. Avec quelques invités (dont la violoniste Lilit Tonoyan ou Wolfgang Gnida de l’indispensable site Moondog’s Corner), le duo interprète 27 petites (mais fabuleuses) pièces : canons, pastorales, mazurkas... aux mélodies qui n’ont l’air de rien comparées à leurs formes complexes.

Derrière le bruit des vagues ou celui de la ville, derrière les souvenirs de Chopin ou de Bach, derrière l’art du canon et celui de la fuite (ou celui du canon en fuite) & surtout grâce au savoir-faire de ceux qui savent de quoi ils parlent (Moondog) et de quoi il retourne (une originalité au-dessus du commun des... mortels), Stefan Lakatos et Mariam Tonoyan envoyent là un superbe message à leur cher disparu : non, pas un « happy birthday »... plutôt un « thank you for coming ».



beyond horizons

Moondog, Mariam Tonoyan, Stefan Lakatos : Beyond Horizons
Moondog Rockwerk
2015. Edition : 2015.
CD : 01/ Canon No. 1 02/ Canon No. 10 03/ Canon No. 3 04/ Snow Flakes 05/ Tom Tom 06/ Multiplication 07/ Canon No. 3 08/ Canon No. 6 09/ Invisible Movements 10/ pastoral in C 11/ Canon No. 11 12/ Canon No. 25 13/ Mazurka 14/ L’Americana 15/ Rubayat 16/ Canon No. 2 17/ Black Oak 18/ Ma petite 19/ Castle Ruins 20/ Canon No. 9 21/ Canon No. 21 22/ Old Mother Hubbard 23/ Unexpected Twosome 24/ Canon No. 24 25/ Canon No. 8 26/ Canon No. 12 27/ Grain of Sand 28/ 9 Couplets
Pierre Cécile © Le son du grisli

MOONDOG DERNIERS EXEMPLAIRES

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Jonas Kocher, Gaudenz Badrutt, Ilia Belorukov : Quiet Novosibirsk (BRUIT, 2016) / Pascale Van Coppenolle : Dynamisch (2015)

jonas kocher quiet novosibirsk

De cette tournée faite en Russie en compagnie d’Ilia Belorukov – 31 août – 10 septembre 2014 – dont Rotonda documentait récemment encore la station pétersbourgeoise, Jonas Kocher et Gaudenz  Badrutt ont fait un livre et un film – le second étant à trouver, sur DVD, dans le premier.

Au début du film, long d’une demi-heure, des paysages défilent sur la musique du trio. L’improvisation est donc en train – de se faire (captations de concerts) ou sinon de se préparer (la musique n’est alors plus qu’un des éléments du voyage, au même titre qu’une bribe de conversation, qu’une image qui raconte un peu du pays, qu’une autre image qui n’en dit rien…).

Au résumé impressionniste, spontané et défait, qu’est le film, le livre oppose ses multiples facettes, qui renvoient des photos de Lucas Dubuis – lui aussi du voyage – intéressées autant par l’événement et ses à-côtés que par l’acte fortuit ou la rencontre imprévue, un lapidaire carnet de bord (date, endroit, musique de fond, ambiance) tenu par Belorukov, une conversation datée du 23 décembre 2015 entre Jacques Demierre, Kocher et Badrutt, enfin, un texte du musicien Alexander Markvart, qui démontrerait qu’en Sibérie on improvise aussi.  A la date du 5 septembre, Belorukov note : « Fine concert ». C’est justement ce qu’on était venu chercher.

quiet novosibirsk

Jonas Kocher, Gaudenz Badrutt, Ilia Belorukov
Alexander Markvart, Jacques Demierre, Lucas Dubuis

Quiet Novosibirsk. Spsan. Amplifier. Food. Long Day
BRUIT / AUS AM GERN
Edition : 2016.
Livre + DVD : Quiet Novosibirsk
Guillaume Belhomme © Le son du grisli

pascale van coppenolle dynamisch

Comme le souligne le sous-titre de ce disque double, l’organiste Pascale Van Coppenolle profite là de l’exceptionnel – car à vent dynamique – instrument du Temple Allemand de Bienne. Interprétant une sélection de pièces classiques sur le premier disque, elle improvise sur le second : seule ou en duo avec Hans Koch (clarinette basse), Hannah E. Hänni (voix), Luke Wilkins (violon) et Jonas Kocher (accordéon). Autrement inventif, l’orgue rôde entre les graves tremblants de la clarinette, se fraye un chemin entre les souffles claquants de l’accordéon ou compose, avec Hänni, un air qui rappelle Bryars ou Pärt.

dynamisch

Pascale Van Coppenolle : Dynamisch. Die Orgeln der Stadtkirche Biel
Tulip Records
Edition : 2015.

2 CD : Dynamisch. Die Orgeln der Stadtkirche Biel
Guillaume Belhomme © Le son du grisli

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Eva-Maria Houben Expéditives

eva-maria houben le son du grisli

Les disques défilent et parfois le temps avec. L’emportent même, d’autant que l’écoute peut ne pas suffire à saisir ce qu’il se joue de beau dans un disque, et puis dans un disque supplémentaire ; dans une expression abstraite, puis dans une expression abstraite supplémentaire. L’ « expéditive » est là pour réparer le manque, voire la faute…

diafani

Eva-Maria Houben : 6 Sonaten für Klavier (Diafani, 2013)
Pour ces 6 Sonaten für Klavier, Eva-Maria Houben est seule au piano. Si la veine est classique, la partition révèle des accords à distance, une marche funèbre volontaire, une berceuse continentale ou des exercices plus lâches où main gauche et main droite rivalisent dans l’ombre. Au piano, c’est un art de l’épanouissement tenté par le silence mais aussi hanté par, dit-on, la « grande musique ».

diafaniEva-Maria Houben : Chords (Diafani, 2013)
Le titre du disque promettait une suite d’accords, et c’en sont de longs qu’Houben dispose à distance, derrière un orgue cette fois. Quand ils tremblent, ils peuvent évoquer les notes en perdition de Feldman ; mais, au gré des minutes, et malgré les silences, ils se font plus insistants : la cohésion de l’accord l’emporte à la fin. En négatif, Chords donnera l'indispensable Unda Maris...

diafaniEva-Maria Houben : Unda Maris (Diafani, 2013)
... Un bourdon (orgue) enfoui au plus profond des graves entame Unda Maris, qu'Eva-Maria Houben développera autant en l’amenuisant qu’en le gonflant avec force. Les distances entre deux attaques se réduisent, et leur profusion scinde la note tenue en deux parties distinctes : quand l’une tremble, l’autre menace encore. Indispensable, était-il écrit.



diafaniEva-Maria Houben : Yosemite (Diafani, 2013)
Composition pour ensemble datée de 2007, Yosemite commande surtout aux instruments à vent de longues notes à arranger par couches. Jouant avec les harmoniques, les résistances et de longues plages de silence, Houben transformera de courtes notes en bourdons appelés à disparaître. Comme les reliefs du parc éponyme s’amenuisent à l’horizon.

diafaniEva-Maria Houben, Bileam Kümper : Atmen 1 – Atmen 2 (Diafani, 2013)
En ces deux Atmen, ce sont deux duos que l’on trouve : un orgue et un tuba (Bileam Kümper) qui accordent leurs souffles continus en évoquant de lents mouvements de train dans la nuit ; un orgue et une viole de gambe qui, avec plus de discrétion encore, manœuvrent en musique. Peut-être est-ce l’intention première d’Atmen, qui impressionne et puis stupéfie.

diafaniEva-Maria Houben, Bileam Kümper : Atmen 3 – Atmen 4 (Diafani, 2013)
Avec Kümper encore, deux autres Atmen. Sur lesquelles orgue et tuba commandent à un lot de sirènes de glisser sous votre fenêtre conseils et sifflements (Atmen 3) ou, dans un même élan monochrome, établissent des parallèles dont les harmoniques révèlent à l’auditeur de rares textures instrumentales.

rhizome

Eva-Maria Houben : Field By Memory Inhabited III & IV (Rhizome, 2014)
Eva-Maria Houben et Bileam Kümper, toujours. Mais pas pour rien. Ces deux Field by Memory Inhabited – soit : deux fois un piano contre un violon (alto) – jouent des codes : silences obligatoires et romantisme de bagatelle, notes tenues contre silences mesurés, rumeurs de piano contre archet qui grince voire raye jusqu’à l’instrument ; et puis un orgue qui converse avec un tuba : les instruments ont changé, mais l’air est le même : silences obligatoires, etc.

houben wandelweiser

Eva-Maria Houben : Aus den fliegenden blättern eines fahrenden waldhornisten (Edition Wandelweiser, 2015)
Derrière Aus den fliegenden…, trouver huit pièces datant de 2013, interprétées en 2015 par Wilfried Krüger au cor d’harmonie. D'autres silences, bien sûr, mais surtout des notes tenues et la voix qui parfois perce l’instrument : à force, celle-ci arrange sur ces chansons lentes et à la dérive des airs liturgiques tentés par le doute. C’est là un classique qui sait son contemporain et que la foi a déserté : assez pour aller l’entendre.

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Zbigniew Preisner : Dekalog / La double vie de Véronique / Bleu, Blanc, Rouge (Because, 2015)

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Tu te souviens de ce documentaire que nous avions vu à la télévision ? Kieslowski expliquait que le spectateur ne pouvait fixer son attention trop longtemps sur une main qui faisait un canard de son sucre (dans Bleu, son film le plus lié à la musique). Il expliquait qu’il avait fallu confectionner un sucre spécial. Un faux sucre, qui imbiberait le café en moins de temps afin de ménager l'attention du spectateur. J’aurais bien passé plus de temps, moi, à voir canarder un vrai sucre.

Le réalisateur a-t-il été aussi prévenant pour ce qui est de la musique de ses films ? Je veux dire, pensait-il au public quand son compositeur, Zbigniew Preisner, lui faisait entendre un morceau ? Je te pose la question, à toi, qui a tout vu aussi, et puisqu’on réédite les BO de Bleu, Blanc et Rouge. Bleu et son flûtiste des rues (jamais je n’ai pu reconnaître le thème que Binoche pensait qu’il avait emprunté à son défunt mari et je dois t’avouer aussi que j’ai longtemps cherché des disques de ce compositeur allemand inventé de toute pièce, Van Den Budenmayer).

Il y a des années que je n’ai revu de film de Kieslowski. Mais la musique de Bleu, passée ce matin, m’a fait le même effet qu’il y a des années. Ses sons sont des images qui chantent en nous. Parfois très graves, très mélo (ampoulé, tu me diras, mais c’est aussi ça la Pologne, n'est-ce pas ? et les musiques de film aussi...). Mais s'il arrive au compositeur de déborder, il sait de temps en temps s’interrompre pour laisser parler une actrice. La musique de Blanc est un peu facile et celle de Rouge me touche moins (c’est la chanson de Zbigniew Zamachowski). Mais dans le duo Kieslowski / Preisner, il n’y a pas que Bleu qui me touche.

Il y a les dix heures des téléfilms du Dekalog – les flûtes et les synthétiseurs mélangés ne sont pas toujours agréables, je te l'accorde – et sa superbe introduction de piano (c’est l’instrument qui compte le plus pour le réalisateur). La grandiloquence égale parfois la tristesse des commandements, Preisner digère à peine Sibelius, Smetana et Penderecki. Il n’y a pas que Bleu qui me touche, Weronika. Il y a (plus encore je crois) sa double vie. Même la flûte passe, et le chœur qui regardera Véronique s’évanouir, je ne t’en parle pas. D’ailleurs le cinéma, il ne faudrait pas en parler. Et la musique, il ne faudrait plus rien en dire.



Zbigniew Preisner : Bleu, Blanc, Rouge / Dekalog / La double vie de Véronique (Because Music)
Réditions : 2015.
CD & LP : Bleu, Blanc, RougeDekalogLa double vie de Véronique
Héctor Cabrero © Le son du grisli

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DinahBird : A Box of 78s (Gruenrekorder, 2014)

dinahbird a box of 78s

Tiens, les deux faces ne marchent pas de la même façon, même si elles sont toutes les deux remplies de sons qui « auraient » fait le voyage jusqu’à nous (c.a.d. sur ce vinyle) dans une valise – je renvoie le lecteur intéressé par les explications aux explications données par l'artiste sonore DinahBird sur le site du label Gruënrekorder).

Donc donc… Quand on pose le diamant sur A, il sautille un peu (parfois beaucoup) et choisit lui-même le sillon sur-lequel il va looper (= répéter un son en boucle, soit quelques secondes d’un tinetement, un bout d’opéra, deux ou trois secondes de violon, un autre bout d’opéra, etc. etc.). Oui, lecteur, c’est une boucle. Sans fin (comme ma chronique s’il ne tenait qu’à moi, c’est que j’en ai sous le pied). Une boucle qui pourrait tourner pour toujours. Et il y en a plusieurs, des boucles, mais nous n’avons qu’un, nous, « toujours ». Il faut donc choisir, se poster red d’équerre sur une chaise à côté de la platine, écouter quelques secondes et choisir un autre sillon (il ne faudrait pas que le diamant nous refasse le coup du « c’est moi qui choisit »).

En face B, la lecture est classique : une rivière coule (merveilleuse rivière et eau à jamais reliée aux forces de la nature qui chantent…) un homme nous raconte une histoire, et il nous donne les clefs pour comprendre le concept de la chose vinylesque. C’est malgré tout un peu dommage, parce que le disque perd de sa poésie, et de sa bizarrerie (toute liquide qu'elle est). La galette a donc quitté le monde de l’art pour celui de la production discographique. La transformation s’est-elle faite dans une valise ?



DinahBird : A Box of 78s (Gruenrekorder)
Edition : 2014.
LP : A Box of 78s
Pierre Cécile © Le son du grisli

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Arvo Pärt : Babel (Col Legno, 2015)

arvo pärt babel

Le label Col Legno a demandé à Johannes Stecher, le directeur artistique de Babel, de raconter sa rencontre avec les garçons du Wiltener Sängerknaben. Nous lisons (sur internet à cette adresse) qu’il a fallu les « arracher » à leurs tablettes et à leurs iPads, les plonger dans Bach et Bruckner avant de les amener à Arvo Pärt. C’était la première répétition.

A la deuxième, les enfants et les jeunes adultes étaient plus concentrés. De répétition en répétition, ils ont appris à prendre en compte le silence, à ne pas cacher leur respiration… ce qui leur a permis de servir avec justesse cette musique céleste, plutôt que sacrée (ces psaumes et ces sermons peuvent perdre leur sens grâce à la musique), aérienne plutôt que céleste. Sur les neuf pièces de Babel, deux n’avaient jamais été enregistrées, Beatitudines et Drei Hitenkinder aus Fátima. Et c’est aussi la première fois que Pärt est interprété par un chœur de garçons. Avec ou sans l’orgue de Stecher, Babel est un disque de chant choral qui nous tire vers le haut et, comme d’habitude avec Pärt, nous ôte d’un grand poids.

Arvo Pärt : Babel (Col Legno)
Enregistrement : 2013-2014. Edition : 2015.
CD : 01/ Magnificat 02/ Beatitudines 03/ Nunc Dimittis 04/ Drei Hirtenkinder aus Fátima 05/ The Deer’s Cry 06/ Da Pacem Domine 07/ An den Wassern zu Babel sassen wir und weinten 08/ Littlemore Tractus 09/ Vater unser
Héctor Cabrero © Le son du grisli

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Eric Hofbauer : Prehistoric Jazz – Volumes 1 & 2 (CNM, 2014)

eric hofbauer prehistoric jazz 1 & 2

Toute musique étant jazzifiable, Le Sacre du Printemps l’est donc aussi. Et c’est ce que le guitariste bostonien Eric Hofbauer tente aujourd’hui. Prenant source sur la boutade (?!) de Bernstein qui conseillait au timbalier de l’orchestre de jouer un jazz préhistorique pendant l’exécution de l'œuvre de Stravinsky, Hofbauer intitule son nouveau projet Prehistoric Jazz. Comprenne qui pourra.

Ce que l’on entend ici fait écho aux relectures des œuvres de Mahler par Uri Caine. Mais là où le pianiste s’autorisait pas mal de sorties de route, le guitariste reste fidèle à la partition originale. En découle un vrai travail d’orchestration et de mise en espaces (même si celui-ci gomme les complexités rythmiques de l’œuvre) où s’insèrent quelques vrais morceaux de jazz (solos inspirés de clarinette ou de trompette). Une réussite qui ne fait aucun doute mais bien moins poil à gratter que l’original. Et Nijinski n’est plus là pour ajouter au scandale.

Beaucoup moins bienveillant à l’égard du jazz que Stravinski, Olivier Messiaen composa le Quatuor pour la Fin du Temps dans les conditions que l’on sait. Le quatuor devient ici quintet (Eric Hofbauer, Jerry Sabatini, Todd Brunel, Junko Fujiwara, Curt Newton)… et l’œuvre résiste à la jazzification. Idée saugrenue et résultat plus que mitigé malgré la présence d’une clarinette parfois poignante (on n’en dira pas autant de l’accompagnement poussif du guitariste-orchestrateur). Bref : ça ne marche pas à tous les coups.

Eric Hofbauer Quintet : Prehistoric Jazz – Volume 1 / The Rite of Spring (Creative Nation Music)
Enregistrement : 2014. Edition : 2015.
CD : 01/ A Kiss of the Earth: Introduction 02/ The Augurs of Spring 03/ Ritual of Abduction 04/ Spring Rounds 05/ Ritual of the Two Rival Tribes 06/ Processions of the Oldest & Wisest One 07/ The Kiss of the Earth 08/ Dancing Out of the Earth 09/ The Exalted Sacrifice 10/ Mystic Circle of the Young Girl 11/ The Naming and Honouring of the Chosen One 12/ Evocation of the Ancestors 13/ Ritual Action of the Ancestors 14/ Sacrificial Dance

Eric Hofbauer Quintet : Prehistoric Jazz – Volume 2 / Quintet for the End of Time (Creative Nation Music)
Enregistrement : 2014. Edition : 2015.
CD : 01/ Liturgie de cristal 02/ Vocalise, pour l’ange qui annonce la fin du temps 03/ Abîme des oiseaux 04/ Intermède 05/ Louange à l’éternité de jésus 06/ Danse de la fureur, pour les sept trompettes 07/ Fouillis d’arcs-en-ciel, pour l’ange 08/ Louange à l’immortalité de Jésus
Luc Bouquet © Le son du grisli

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Aki Takase, Ayumi Paul : Hotel Zauberberg (Intakt, 2015)

aki takase hotel zauberberg

Dans l’art de tout envisager et de ne jamais se perdre, Aki Takase et Ayumi Paul en connaissent un rayon. Ainsi de la tumultueuse pianiste et de l’intransigeante violoniste (Bach, Bartók, impro & co.), on écrira combien leur qualité d’écoute et de répartie font mouche.

Chez l’une et chez l’autre abondent la seconde école de Vienne, la musique romantique, de savantes constructions et quelques traces de classicisme revisité : Mozart pour Takase (précision si ce n’est fluidité) & Bach pour Paul (vélocité et articulation). Dans cette diversité, une constante : la pianiste crée le contexte, la violoniste vole de ses propres ailes, qu’elle a d'agiles et endiablées. Ceci pour les compositions de dame Takase, ici fortement influencées par les romans de Thomas Mann. Dans les parties improvisées, la première densifie les résonances, active les réseaux harmoniques tandis que la seconde racle la corde, accueille la périphérie, drague la dissonance. Soit deux musiciennes pour qui l’aventure ne semble pas être un problème.

Aki Takase, Ayumi Paul : Hotel Zauberberg (Intakt / Orkhêstra International)
Enregistrement : 2014. Edition : 2015.
CD : 01/ Ankunft 02/ Der schnee 03/ Analyse 04/ Was ist die zeit ? (1) 05/ Hans 06/ Ewigkeitssuppe 07/ Eulenspiegel 08/ Menuett KV1 (Mozart) 09/ Peerperkorn 10/ Partita N° 3-Preludio (Bach) 11/ Veränderung 12/ Donnerschlag 13/ Was ist die ziet ? (2) 14/ Frau Chauchat 15/ Vetter J. 16/ Zauberlied 17/ Was ist die zeit? (3) 18/ Finis Operis
Luc Bouquet © Le son du grisli

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Interview de Cristián Alvear

interview de cristian alvear

Si le Wandelweiser répertoire (24 Petits préludes pour la guitare d’Antoine Beuger, Melody, Silence de Michael Pisaro, récemment) a révélé le guitariste chilien Cristián Alvear, ce n’est pas seulement à ses auditeurs, mais à lui-même encore. Ainsi l’interprète qu’il est a-t-il découvert de nouvelles manières de s’exprimer en musique, sur partitions quand bien même…



J’avais onze ans environ quand j’ai vu le petit ami de ma tante (son mari, aujourd’hui) jouer de la guitare électrique. Le son m’a profondément impressionné.

La guitare a-t-elle été ton premier instrument ? As-tu reçu un quelconque enseignement à l’instrument ? Mon père m’a offert une guitare électrique pour mon douzième anniversaire, en insistant sur le fait qu’il faudrait que je prenne des leçons au Conservatoire d’Osorno. Ce que j’ai fait, très brièvement néanmoins. J’ai continué à jouer de la guitare électrique dans mon coin pendant quelques années avant de reprendre des leçons à partir de l’âge de 17 ans. L’idée que je ne pouvais jouer de la musique sans entrer dans un groupe m’embarrassait tellement que me tourner vers la musique classique a fait sens : je pouvais enfin jouer de la musique sans avoir à dépendre de personne. Mon père possédait une guitare classique (il avait étudié l’instrument en Uruguay où il a passé une partie de sa scolarité) que je lui ai empruntée pour suivre les cours du conservatoire. Et quand un de mes amis m’a fait découvrir Invocación y Danza par Joaquín Rodrigo, j’ai décidé de me mettre vraiment à la guitare classique. Après ma scolarité, je suis entré au Conservatoire National de Santiago. J’y suis resté de 2000 à 2008. En 2012, j’enregistrais Invocación y Danza, cette pièce qui me hante depuis que je l’ai entendue pour la première fois.

Où put-on entendre cette interprétation ? As-tu enregistré des disques avant ceux que nous connaissons, publiés par Wandelweiser notamment ? On peut trouver certains de mes vieux enregistrements sur Itunes et sur mon Bandcamp. En 2012, après une longue tournée dans la campagne du sud du Chili, j’ai enregistré quelques pièces. Avant cela, j’ai enregistré dans un quartette de guitaristes puis dans un duo.

Quelle sorte de musique écoutais-tu quand tu as commencé à faire de la musique ? Du temps de la guitare électrique, j’écoutais surtout du heavy metal et du rock progressif : MetallicaMegadeth, Pantera, Jethro Tull, King Crimson, Pink Floyd, entre autres. A partir de mes 18 ans, je me suis focalisé sur la musique classique, sur Bach avant tout.

Ce désir de rester à l’écart des groupes a-t-il perduré ? As-tu jamais joué en orchestre, par exemple ? Durant ma scolarité, j’ai eu quelques groupes, mais aucun n’a vécu bien longtemps. Quand j’ai étudié la guitare classique, j’ai joué en tant que soliste dans plusieurs orchestres. La dernière fois, ça a été pour le Concierto Madrigal de Rodrigo, pour deux guitares et orchestre, un concert très difficile. A partir du moment où j’ai commencé à étudié la guitare classique, je n’ai plus intégré aucun groupe.

Comment t’es-tu intéressé à la musique contemporaine ? En 2010, j’ai assisté à un concert de Mauricio Carrasco (qui habite désormais Melbourne) au conservatoire de l’Université du Chili où j’étudiais la musique. J’ai été très impressionné. Mauricio est lui aussi d’Osorno, et j’ai d’ailleurs pris des leçons de lui quand j’y habitais encore. L’influence de Mauricio a été capitale dans ma découverte de la musique contemporaine. Il a toujours été très généreux avec moi. Il a toujours encouragé les décisions que je prenais concernant la musique. Je lui dois beaucoup.

Et pour ce qui est du collectif Wandelweiser. Comment as-tu découvert ses travaux ? En 2013, je cherchais de nouvelles idées et de nouvelles choses à jouer. Nicolás Carrasco m’a passé une partition, comme pour m’y essayer : c’était les Préludes pour la guitare d’Antoine Beuger. Le jour même, je commençais à y travailler. Une semaine plus tard, je les enregistrais. Ça pourra te paraître rapide, et ça l’a été en effet. M’essayer à la musique du Wandelweiser a eu sur moi un profond impact, et depuis tout a changé. Jouer cette musique est comme une évidence.

Quelle idée te fais-tu du silence, et de la place qu’il doit occuper dans la composition ? Avant Beuger, quels compositeurs ont eu sur toi un tel effet ? Eh bien, aujourd’hui, le silence joue un rôle considérable dans ma pratique de musicien, il m’aide aussi à me montrer plus attentif à tout. Mahler, Beethoven et Bach continuent de m’impressionner tout comme Romitelli, Alvin Lucier, Nic Collins, entre autres. Jouer la musique du Wandelweiser m’a permis de porter un regard frais et neuf sur toute la musique, en élargissant et en développant ce que je savais déjà.

Morton Feldman disait un jour qu’il préférait que les musiciens-interprètes respirent plus qu’ils ne comptent. Wandelweiser a-t-il changé ta manière de respirer, de ressentir une partition ? Plus que simplement « changé », il a élargi les perspectives, le champ et les possibilités de faire de la musique à partir d’une partition.

Tu continues néanmoins à servir l’ancienne musique classique. Te procure-t-elle le même plaisir ? Il n’y a pas de différence pour moi. Cela fait partie d’un même et très long souffle de création musical. Je travaille de la même façon des pièces classiques, expérimentales, contemporaines : il s’agit pour moi de trouver la meilleure manière de jouer une pièce et, plus important encore et même capital, d’être capable de savourer le jeu, le « faire » de la musique. Interpréter Bach ou Sugimoto ne fait aucune différence.

A quoi travailles-tu ces jours-ci ? En ce moment, je suis attelé à différents projets : une pièce en duo avec Alan Jones qui s’appelle Cinematics, un autre duo avec Barry Chabala, une pièce que Ryoko Akama a écrite pour moi (Hermit), la réalisation d’un CD pour Erstclass avec Greg Stuart et Manfred Werder et enfin deux pièces signées Taku Sugimoto et Antoine Beuger.

T’intéresses-tu particulièrement aux expériences de guitaristes ? De ceux qu’on trouve par exemple sur les compilations I Never MetaGuitar (Clean Feed) ou Spectra (QuietDesign) ? Parfois, cela dépend de la partition ou du ou des interprète(s). Je n’écoute pas tellement de guitaristes ces jours-ci. Pas autant que je ne l’ai fait il y a de cela des années en tout cas.

Pour conclure, j’aimerais savoir si ton approche de la guitare est susceptible de transformer ta façon d’envisager la musique ou si, au contraire, c’est ta façon d’envisager la musique qui est susceptible de transformer ton approche de la guitare. Une guitare, un piano, ne sont que des instruments, ils offrent des possibilités et sont des plateformes à partir desquelles tu peux proposer quelque chose. Le champ d’une telle pratique ne dépend que du musicien qui, en conséquence, forme (ou devrait former) sa pratique selon sa façon de penser et d’approcher la musique.

Cristián Alvear, propos recueillis en février et mars 2015.
Guillaume Belhomme © Le son du grisli

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