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LDP 2015 : Carnet de route #13

ldp 13 10 mai

La route est longue, qui mène du Mans à Hofheim, en Allemagne. Commandée par Listening, les trois musiciens du trio LDP l'ont pourtant faite, en compagnie de Thelonious Monk, notamment.

10 mai, Hofheim, Allemagne
Jazz:yl Freiklang Freunde e. V. in der Stadthalle

The spiral – On the road. Having spent a lot of time on the road, on this trip, on previous similar ones throughout  50 years of concertizing, I've come to realize that the act of the concert becomes THE moment of truth in our (the travelers') lives. The concert in Hofheim was a good example.
Third day in a row to play for the public. Get up early (that's no big deal) and off to the first of 3 trains which left Le Mans around 9:30. Two trains and 7 hours later arriving in Frankfurt where our hosts are awaiting us (with enthusiasm and good humor) and whisk us off to Hofheim and its townhall. We didn't play in their jazz club. Apparently their upright piano would not have been worthy of us so they rented a room in city hall which does have a sort of grand piano. It's the pacing of the days that are like this – Sleep as you can with the bit of hotel night you have, do the traveling, sleeping as much as possible, do the loadings and unloadings, go to the wonderful meal that the organizers wives have prepared for you but which you can't really enjoy because there's only 45 minutes to eat before you have to slowly dash up to the hotel to put on a clean shirt and back downtown for the concert. And it works. Your body, mind and spirit have learned to get the pacing just right so that you are in top form with that first downbeat which is the start of the concert. The performing musician's handicap is that each concert is the last one ever. It's never going to get any better than it is  today. The concert is "do or die" time. This moment is your truth and the groups truth. Yes, of course their are better days, when the piano is fantastic or the acoustic of the venue very rich and rewarding. Days when my bass just seems to play itself, etc. etc. But that doesn't change the fact  that today is it. That's all you get.
Anecdote –
1966 – I worked for awhile in a trio accompanying Gloria Lynn, Grassela Oliphant on drums and Roland Hanna on piano. We were out in Cleveland for Labor Day weekend, playing in a big supper club. There were two bands on the show – Monk's quartet (Ben Riley, Butch Warren, Charley Rouse) followed by Gloria Lynn. The last night, the last show over, I was crossing the room, bass in tow, when here comes Mr. Monk, on his way to the stage. He stopped me and said "Bass, you played good ...(pause) tonight". I'm almost positive that he hadn't listened to the two previous nights. But then again I hadn't seen him on this 3d night either, except when he was performing. Wow, Thelonious Monk spoke to me. But what did it mean? Why the pause before and special sound on "tonight". I made my own story from there.
B.Ph.

P1100242

Um 9:27 geht unser Zug von Le Mans Richtung Paris. Heute ist Sonntag, wenig Verkehr.
Die Taxifahrt vom Gare de Montparnasse zum Gare de l’Est dauert 20 Minuten.
Es reicht gut für einen Kaffee an der Baguette Bar. Dann geht’s mit dem TGV weiter nach Karlsruhe. Plötzlich steht unser Zug still. Die Durchsage meldet eine Signalstörung.
Die Weiterfahrt verzögert ich auf unbestimmte Zeit. Plötzlich fährt der Zug weiter. Wir erreichen Karlsruhe mit einer Verspätung von 20 Minuten. Da sich unser Anschlusszug ebenfalls um 20 Minuten verspätet, erreichen wir ihn zeitgerecht. Das timing stimmt.
In Frankfurt Hbf werden wir von Roland und Arno, zwei Mitgliedern der Vereinigung Freiklang e.V. abgeholt und mit dem Auto nach Hofheim gefahren. Verspätet treffen wir in der Stadthalle zum Soundcheck ein. Nun geht es Schlag auf Schlag. Wir positionieren uns und spielen ein paar Töne. That’s is it. Um 18:00 sind wir bei Esther Arvay und den Freiklang Mitgliedern zum Nachtessen eingeladen. Wir werden mit einem mehrheitlich vegetarisch und vitaminhaltigen Essen im Eiltempo verköstigt. Dazu wird roter Spätburgunder serviert. Wir fahren kurz zum Hotel, um uns zu erfrischen und das Hemd zu wechseln. Um fünf nach acht Uhr treffen wir in der Stadthalle ein.
Kurz darauf beginnt das Konzert nach einem intensiven Reisetag. In der ersten Reihe sitzen zahlreiche Fotografen mit ihren Kameras. Sie nehmen uns sofort mit ihren Objektiven ins Visier. Wir lassen uns nicht irritieren. Die Musik nimmt seinen Lauf. Dennoch ist es schade und störend, dass während wir Musiker spielen sich die Fotografen auf ihre Kameras konzentrieren, als mit den Ohren der Musik zu folgen. Und sie stören dabei vorallem die andern Zuhörer. Beim ersten Unterbruch fordert Barre sie auf das Fotografieren einzustellen. Die betreffenden Fotografen sind erstaunt und ein bisschen schockiert, die Zuhörer sind erleichtert und froh, dass sich nun endlich alle auf die gespielte Musik einlassen. Das Konzert nimmt seinen Höhepunkt mit einem sich langsam aufbauenden Crescendo mit explosiven Strecken im Fortissimo und längerem, nachhaltigem Ausklang. Während dem Applaus laden wir die Fotografen zum photo shooting ein. What a busy day?
U.L.

P1100239

Ce soir-là, même avec un piano aussi peu engageant que le K. Kawai, GS-30, 1484335 P, c'est à l'entame du premier son du concert – comme une bascule vers un état de possession provoqué par le son d'un tambour – que j'ai senti une nouvelle fois le lien qui me relie non seulement aux amis musiciens présents, mais aussi, comme par effet de diffusion ondulatoire dans l'espace et le temps, à la nature et au monde. Aussitôt la musique attaquée, une forme d'intuition prend la place occupée par la pensée rationnelle. Une intuition qui est intelligence perceptive, un état modifié de conscience qui me permet de travailler avec des éléments sonores que je croyais ne pas connaître, mais que je reconnais à ce niveau de perception comme me constituant. Je me rends compte de cette transformation, je l'observe, mais je ne veux rien y faire, car cela me la ferait perdre. L'idéal étant de maintenir cet état modifié, de le contrôler sans l'influencer, de le laisser tracer pour moi ma propre connaissance perceptive. Souvent je n'ai presque aucun souvenir précis de ce que j'ai joué – un peu comme un rêve éveillé dont j'aurais immédiatement oublié le contenu – mais le contact avec le réel qui a été vécu ne fait intérieurement aucun doute. La composition improvisée me pousse à me séparer de moi-même, à abandonner la représentation que je me fais de moi-même jouant. Pratiquer les sons improvisés consiste peut-être essentiellement à augmenter nos capacités à rejoindre des espaces sonores autrement cachés par la représentation rationnelle que nous pourrions en avoir. Question ouverte. Quoi qu'il en soit, ce fut une chance de retrouver cette confiance perceptive évoquée, à l'écoute du premier son sortant de ce piano Kawai, un crapaud aux pieds en trèfle à quatre feuilles.
J.D.

Photos : Jacques Demierre

> LIRE L’INTÉGRALITÉ DU CARNET DE ROUTE



LDP 2015 : Carnet de route #12

ldp 8 et 9 mai 2015

Barre Phillips programmé pour la neuvième fois à l'EuropaJazz du Mans : est-ce là révélé un cas de « résidence perpétuelle » ? A effet double, qui plus est, cette année : concert en duo avec Paul Rogers le 8 mai et avec le LDP le lendemain...

8 & 9 mai Le Mans, France
EUROPAJAZZ Festival

The almost embarrassing situation of being a perennially invited performer at a festival. How many years now? Eight? To be in a position of "no matter what he does it's fantastic". Where is the freshness in such an attitude? And yet, to come back annually to the same setting, which in itself is wonderful, pleasurable, to perform for a large group of people is something of a dream for the improvising musician. This year's edition was different in that the director had one suggestion of what to present and I had another. In the end we did both. The first concert was in duo with an English colleague, bass-player, just a generation younger. We performed at the Collégiale, an old chapel converted into a city gallery with occasional concerts. I know the room. I've played there quite a few times in the past. The noon time concert. The exposition du jour was around cowboys and horses and the American South-west. The large tableau just behind the performance platform was of horse's asses. I wondered if we were supposed to act out anything in particular? It was interesting to me to hear an old formula from the 60's, one that I had worked my way through, still alive and well chez my partner. We all seem to work in depth to develop our own personal techniques and ways of playing. Of course they are limited. So we keep on working to expand them throughout our performing lives. And when, in performance, you went bang into your limit (technical-musical) you would then just flail away, super powering, annihilation, maybe anger even, until orgasm was achieved, which would let you start all over again.    
It is one solution to the conundrum, I guess. I prefer though a more compositional approach.   
The next day, the 9th, same time but different station, the trio with Urs & Jacques met anew to continue our long song. La Fonderie - an abandoned bell factory, one that been very important on the French church bell scene in the olden days and that for the past 20 years or so is inhabited by Le Théâtre du Radeau - François Tanguy & Company. Marvelous, warm, funky (but in great taste) physical plant inhabited by an extraordinary crew. The Europa-djazz festival has been "using" their facilities for years for more intimate and experimental musiques that are not appropriate for the main stage and it's audience of nearly 1,000. We had a good sized crowd,  the bleachers were virtually full and once again our way of constructing music and the  elements and emotions therein talked directly to the audience and they appreciated it. In listening to and making this music one feels the urgency, the feeling that it is absolutely necessary to go on, forward,  to state matters that are impossible to describe, to pin down, in word-language. The compositional aspect is a big part of what we do. Based on mutually shared experience and knowledge. But to me, more important than our rather rich formal capabilities is the fact that the sounds we play individually come from our personal life-force-fibers. Those that are striving to come into existence.
Black Bat didn't even show up for the gig. Where the hell could he be?
B.Ph.

P1100219

Im umgebauten Ausstellungsraum der ehemaligen Kapelle à la Collégiale à Saint-Pierre-La-Cour, finden während des Festivals jeweils kammermusikalische Duo und Solo Konzerte statt. Heute spielt Barre Phillips im Duo zusammen mit dem englischen Bassisten Paul Rogers. Barre gilt seit fünf Jahrzehnten als Meister des Kontrabass. Paul Rogers ist ein herausragender Bassist mit fast grenzenloser Musikalität. Sie beginnen dicht und kraftvoll. Barre öffnet Räume die Paul immer wieder zu füllen versucht. Sie setzen von neuem an. Mal schwebend, flächig mal rhytmisch im Staccato. Die Musik packt mich sofort. Als  Zuhörer nehme ich am Konzert teil. Es ist wie wenn ich selber spielen würde, indem ich hörend Teil der Musik bin. Mir fällt sofort auf, wie sich die Hörwahrnehmung der beiden Spieler unterscheidet. Barre geht mit Respekt auf das Spiel von Paul ein, setzt mit Überblick musikalische Höhepunkte und Kontraste. Paul spielt fast ohne Unterbruch virtuos sein gewohntes Spiel. Mehr Ausstausch der Rollen hätte ich mir gewünscht. Barre war zu oft in der Funktion des Bassisten und Paul die des Solisten. Dennoch erlebe ich das Konzert als fulminanten Bogen gespielt von zwei grossen Musikern am Kontrabass. Magic et Merci!
Für die neunte Auflage Barre’s „résidence perpétuelle“ am Europajazz Festivals spielen wir heute am 9. Mai „à la Fonderie“ im Theater de Radeau – François Tanguy & Company ein Konzert à midi“. Dieser Nachmittag ist ausschliesslich der europäischen, frei improvisierten Musik reserviert.
Jacques und ich stimmen uns gleichzeitig und unabhänig von einander, jeder mit seinem Instrument in einem Proberaum des Theaters ein. Jeder spielt Arpeggios, Strukturen und kontrollierte Abläufe auf seine Art. Es ist das erste Mal, dass wir das in dieser Form tun. Das ist eine spannend Sache und eine gute Übung um Unabhängigkeit zu praktizieren und die Konzentration zu schärfen.
Ein Theater Raum mit trockener, transparenter Akustik. Ein grosser Flügel, ein adäquates Instrument für Jacques. Ein Publikum, dass gespannt ist was jetzt passiert.
Die Klänge des Trios fallen sofort und kraftvoll in den leeren Raum. Die Energie formt sich mit Gelassenheit innerhalb verschiedener Parameter, es entstehen abrupte Wechsel und explosive Strecken im Fortissimo. Die Musik verdichtet sich. Durch das Weglassen von Tönen manifestiert sich die Stille im Raum. Wir spielen einen 50 minütigen Opus mit in drei Teilen. Ein Klanguniversum aus Tönen und Geräuschen klingt lange nach. Im Anschluss spielt Daunik Lazro und François Corneloup ein Bariton Saxofon Duo und die Gruppe Double B&J mit Raymond Boni, Joe McPhee, Bastien Boni, Jean-Marc Foussat.
U.L.

P1100236

C'est à travers un piano absent que j'écoute Barre en duo avec Paul Rogers. Deux contrebasses pour deux approches diamétralement opposées de l'écoute. Les musiciens jouent devant une évocation picturale et improbable d'un far west nord-américain décorant les murs d'une abbatiale du XIIIème siècle. Le grand écart est total, à la fois sonore et visuel. Trop écartelé, je m'invente spontanément un deuxième concert, simultané au premier, mais purement personnel et intérieur, sorte de mixage fait de fragments sonores joués par Barre et de sons produits par mon écoute intime : un duo entre sa contrebasse et mon piano absent. Quelques instants-clefs révélés, oscillant entre intimité et espace du concert: la perception à la fois ralentie et fulgurante, irradiant l'espace, d'un bourdonnement provenant de l'extérieur du bâtiment, de la ville silencieuse en ce jour de célébration du 70e anniversaire de la victoire sur le nazisme, comme une extraction de drone urbain qui, dans un lent crescendo-decrescendo a mis en vibration l'architecture de l'abbatiale. Puis, plus tard, à la sortie d'un enfant pleurant dans les bras de son père, la transformation de ces mêmes pleurs en chant des sirènes au passage de la porte s'ouvrant sur l'espace extérieur. Les aboiements d'un chien ont conclu cette séquence en accompagnant l'effet de coupure acoustique de la porte se refermant. Demain, 9:30 AM, navette pour nous conduire au lieu du concert, the trio is back!
Concert à midi ce jour, à la Fonderie, immense lieu et large plateau habité par le magnifique Théâtre du Radeau. La matinée débute par un échauffement dans la boîte à musique, face à un Bösendörfer, dont la table d'harmonie affiche le numéro 31423, et dont une partie des étouffoirs est constellée de fragments de post it blancs indiquant le nom de la corde directement alignée au-dessous. G#, D, Bb, F, C#, et cætera, presque deux tiers des étouffoirs marqués de la sorte. Malgré une absence de logique apparente, je tente de retrouver une origine, un sens à cet agencement alphabétique des lettres-sons. Inversant un processus connu qui part du nom ou du prénom pour aboutir à une suite de notes, je me prends au jeu de découvrir un nouveau B.A.C.H., un si bémol_la_do_si bécarre d'aujourd'hui, au sein d'un réseau de hauteurs de sons qui révèleraient leur énigme cachée.
Sur scène un Steinway & Sons, D, 582430. La musique du trio est immédiatement là, à nouveau, comme à chaque fois, miraculeusement et simplement, elle nous retrouve, elle trouve sa place en chacun de nous, elle trace son chemin dans notre abandon à l'instant. Difficile de parler de cette expérience avec d'autres moyens que ceux de l'expérience elle-même. La plupart des tentatives sonnent comme de mauvaises traductions. Pourtant parfois l'expérience vécue par les spectateurs permet d'éclairer et de clarifier notre propre expérience. Lorsque qu'après le concert, autour d'une table, j'entends le metteur en scène François Tanguy parler de son expérience à l'écoute de nos sons, et convoquer dans un même élan Robert Walser et la mécanique des fluides, j'ai l'impression de pouvoir mettre quelques mots sur mon expérience sonore indicible grâce à la relation qui naît ainsi de la confrontation entre deux expériences vécues simultanément. Soudainement l'intensité de la texture des microgrammes de Robert Walser joue en moi comme un dictionnaire ouvrant ses pages à mes propres sons. Les longues promenades de l'écrivain biennois, entre ville et campagne, me ramènent à nos espaces sonores en trio de plus en plus étendus, où l'écoute comme matériau est à chaque nouveau concert plus présente.
Surtout : à tout instant du jeu avec Barre et Urs, il me paraît possible d'emprunter n'importe quelle direction, de donner à mon propre jeu n'importe quelle forme, de lui attribuer n'importe quelle qualité. Il y a comme une réactivation continuelle de la totalité des possibles, et le plaisir est naturellement grand quand tous ces sons produits et échangés ne semblent résulter d'aucun travail et naître spontanément de leur propre propagation dans l'espace.
J.D.

Photos : Jacques Demierre


LDP 2015 : Carnet de route #11

ldp 6 mai 2015

Avant leur passage, ce midi même, au Mans (Europajazz), Urs Leimgruber, Jacques Demierre et Barre Phillips firent, à la Künstlerhaus de Saarbruck, une rencontre. Là, les attendait en effet un piano droit Rönisch.

6 mai, Sarrebruck, Allemagne
Musik im Künstlerhaus

Arriving after a rather long day of train travel in Saarbrucken, at the Regional Kunst Haus where we were to be lodged and where we would play a concert on the 6th in trio. I was struck by how simple it was to rehabilitate an older town house, put up a sign "Regional Art House" and Shazam!, you're in business. There seemed to be no exhibition on while we were there. But it was open, staff working. Straight away, in the entrance hallway, there is this rather touching pair of pictures (are they posed photos or a painting?), side by side of a French and a German border customs officer, both sound asleep, their respective heads nestled in their arms on plain tables (like the ones they used to ask you to unpack your suitcase on). Not joyfully shaking hands, no. Asleep on the job.
Jacques didn't travel with us. He came later. He had another concert just after Ulrichsberg, in Bologna. The sixth (top) floor of the Haus is an apartment for visiting firemen. Really very nice, furnished with early IKEA beds and fittings, 2 bedrooms, kitchen, bath, salon and was very welcome after so many days (and nights) of hotel accommodation. The concert took place on a lower floor in one of the larger gallery rooms where our hosts had set-up chairs. The concert was free to the public and they did turn up. Nice crowd.
For me the concert was one of the most amazing so far on the tour. It wasn't the first upright piano that Jacques was presented with but it seemed to be a bit particular. The acoustic of the room was such that we set up in a distinct configuration with Urs and I on either side of Jacques. The sound quality of the piano (I really can't describe it, but it was more like a sound sculpture than a piano) was such that we were drawn into quite unique structural spaces. The result was musically very interesting and enjoyable, even comfortable. One of the punters comments after the concert - "Wow, that piano has a great sound!" Thank you Jacques for your astuteness in being able to use the situation (l'instrument de jour and the acoustic space) to the advantage of the music and not trying to impose something that is not going to work but is what you want to hear.
B.Ph.

Das Konzert heute findet im leeren Ausstellungsraum des Saarländischen Künstlerhauses in Saarbrücken statt. Es gibt momentan keine Ausstellung sondern ausschliesslich weisse Wände. Die spontane Musik des Trios wird zur performativen Klanginstallation. Jacques spielt heute auf einem orthodoxen upright Klavier. Es gleicht eher einer kleinen, protestantischen Kirchenorgel oder einem Möbel mit eingebautem Computer. Der Klang des Klaviers ist im Raum schwierig zu ordnen. Daher stellen wir unsere Standard Positionen um. Jacques spielt heute in der Mitte, mit dem Rücken zum Publikum. Barre auf der rechten Seite und ich auf der linken mit Sicht zum Publikum. Die Leute sind pünktlich. Das Konzert beginnt, bum! Die 80 Zuhörer sind aufmerksam, offen und neugierig. Wir spielen drei intensive Teile mit Unterbruch und Zwischenapplaus von insgesamt einer Stunde. Wir nutzen den Klang im Raum auf verschiedene Weise, indem ich mein Saxofon bewege und Barre im letzen Stück seine Position wechselt. Der Gesamtklang verdichtet sich. Nach einem harmonisch, melodischen Schlussteil enden wir alle gemeinsam in einem G-Dur Schluss-akkord! Die Leute sind begeistert.
Im Anschluss zum Konzert kommt ein 12 jähriger Junge mit seinem Vater zu mir und sagt: „Er spiele auch Saxofon. So etwas habe er jedoch noch nie gehört. Er war völlig überrascht und begeistert, dass solche Klänge die ich im Konzert auf meinem Saxofon gespielt habe überhaupt möglich sind. Er probiere dies nun auch“. Ich habe ihm empfohlen alles was er zukünftig spiele oder in die Hand nimmt als Klang zu akzeptieren. Im Moment wo der Klang für ihn klingt, klinge er auch für den Zuhörer.
U.L.

P1100170

Au fond de la galerie, dans la lumière blanche du matin, un piano droit Rönisch, allemand, austère et ondulé. Dès l'ouverture du couvercle, une inscription dans le bois saute aux yeux, Made in Germany, sur la gauche du clavier. A l'intérieur de l'instrument, d'autres informations, Endkontrolle 210536, signe d'une rigueur sans relâche, jusqu'au dernier détail. Les marteaux sont estampillés ABEL GERMANY, la mécanique est signée Renner, un nom synonyme de qualité et entouré de deux lignes en ovale, l'une fine l'autre épaisse, sous lesquelles est précisé sans équivoque Made in Germany. Et comme si l'inscription Pianofortefabrik Leipzig moulée dans le cadre en métal ne suffisait pas, un Made in Germany supplémentaire s'affiche fièrement à l'arrière des cordes tendues et croisées. A force de tant pointer l'origine de l'instrument, de souligner la qualité allemande du travail, la famille Rönisch, l'une des plus anciennes fabriques de pianos d'Allemagne, a introduit le doute en moi. Ce volontarisme ne cacherait-il pas une fissure profonde? Le taxi marocain qui m'a conduit de la gare de Saarbrücken à mon hôtel, après 12 heures de train rythmées par la grève des conducteurs de locomotives, n'avait-il pas raison en affirmant que les allemands sont tombés dans une mélancolie qui a pénétré fort avant leur esprit ? Le peuple allemand ne travaille plus, il fonctionne, m'a confié le conducteur nord-africain, en ajoutant ironiquement, alors que l'on conversait en hochdeutsch, que si, de mon côté, on entendait que je n'étais pas allemand, du sien, on voyait qu'il ne l'était pas.
Peut-être est-ce cette mélancolie rampante qui a poussé une spectatrice musicienne, profitant de quelques mesures de tacet dans la partie de harpe de L'enfant et les Sortilèges de Ravel, oeuvre jouée le même soir à l'opéra par le Saarländisches Staatsorchester Saarbrücken, à venir faire l'expérience en direct des sons du trio qui auront ainsi, à travers son écoute, résonné dans le silence écrit par le compositeur français.
J.D.

P1100209

Photos : Jacques Demierre.

mail 10 years


LDP 2015 : Carnet de route #10

ldp 2015 10

Passée la frontière autrichienne, Urs Leimgruber, Jacques Demierre et Barre Phillips s'arrêtent à Ulrichsberg, où l'on fête les trente années d'existence du festival Kaleidophon. Après quoi les musiciens se séparent, le temps de quelques solos.

1 et 2 mai, Ulrichsberg, Autriche
Ulrichsberg Kaleidophon 2015

Oh yeah! Like being back home. This old barn, made over with the minimum amount of money into a concert space. Somehow in the cold of early May weather (rather chilly and wet out) even some heat. In the 60's and 70's I remember there being loads of places like this – alternative, pretty home-made, run by sub-culture folks, mezzo-forte revolutionary, where creative musics, the ones that followed after the American Free Jazz wave, were presented. And a big public. And how? In almost every case it was one person (usually a guy) who for whatever personal reasons was dedicated to making something positive happen in his isolated island and who had the means to assemble a crew of supporters to help him. One guy. Amazing. And here it's no different. The guy, Aloïs Fischer, still there, 15, 20, 25, 30 years. A welcome back to a space that loves you for who you are. The right stuff. The audience just wants you to be who you are – so, YES, let's do that!!!!
The next day, my solo in the town church. Heat yourself. And this same feeling of home. Some of the listeners were at my first concerts in Europe, in 1964. Can you imagine?
And of course, all the bass players... check out the old guy, see what he's up to. And it still works. You let yourself be carried by all that positive energy that is the public who wants to hear you. How much love! Amazing. And Black Bat just sat on my shoulder the whole time, didn't even whisper in my ear.   
B.Ph.

1-2 May B&W

Elf Konzerte mit aktueller Musik aus den Bereichen Jazz, Neue Musik und Improvisationen stehen auf dem Programm der 30. Ausgabe des Ulrichsberger Kaleidophons. Der Grossteil des Konzertprogrammes findet im vereinseigenen Haus des Jazzateliers statt. Zwei Konzerte sind ausgelagert in die Pfarrkirche. Etwa sechzig Musiker und Musikerinnen aus Ländern wie Frankreich, Schweiz, USA, Australien, England, Italien, Kanada, Deutschland und Österreich werden die Jazzatelierbühne bespielen. Ensembles mit langjähriger Geschichte wechseln sich ab mit neuen Projekten. Das verwendete Instrumentarium reicht von Stimme, Dudelsack und Viola da Gamba über Saxophon, Klavier und E-Gitarre bis zu Synthesizer und Computer. Akustisches steht neben Elektronik, Geschriebenes neben Improvisiertem. Die bunte Mischung kreativer Ansätze ist einmal mehr, die das Kaleidophon prägt.
Mit dem Jazzatelier Ulrichsberg verbindet mich eine langjährige Beziehung. Sie hatte ihren Anfang in den frühen 1970er Jahre. Als  Mitglied der Jazzgruppe „OM“, spiele ich auf einer unserer ersten Ausland Tourneen ein Konzert im Jazzatelier. Seit den frühen 1990er Jahre spiele ich mit eigenen Projekten mehrmals am Kaleidophon. Mit Alois Fischer, Begründer und Motor des Ulrichsberger Jazzateliers verbindet mich nicht nur eine künstlerische, sondern auch eine freundschaftliche Beziehung. Für seinen engagierten, unermüdlichen und jahrelangen Einsatz für Musik im Grenzbereich improvisierter und komponierter Musik bin ich ihm sehr dankbar.
Das Trio Leimgruber-Demierre-Phillips spielt am Eröffnungsabend im Jazzatelier ein Konzert. Die Stimmung ist belebt. Das Trio spielt wie immer komplett akustisch. Die Klänge des Trios manifestieren sich ihm Raum. Die Ohren der Zuhörer finden ihren Weg zu den  Klängen. Offenheit, Leidenschaft und Freude machen sich bemerkbar. Der Kreis mit den Musikern und den Zuhörern schliesst sich. Das Publikum ist begeistert. Das Konzert wird zum einmaligen Erlebnis.
80 Jahre Barre Phillips, 60 Jahre Kontrabass und 40 Jahre Solo. 1968 macht Barre als erster Kontrabassist Solo Aufnahmen, die beim New Yoker Label Opus One als Schallplatte veröffentlicht werden. Heute spielt Barre Phillips in der Pfarrkirche Ulrichsberg ein Solo Konzert. Die Kirche füllt sich, die Spannung steigt. Ich fühle mich geehrt, sein persönlicher Assistent zu sein. Barre ist still, konzentriert und wie immer jederzeit für ein Lächeln bereit.
In der Einführung bittet Barre das Publikum, während dem Konzert weder zu fotografieren, noch zu filmen und keine Audioaufnahmen zu machen. Er weist darauf hin, dass er zum Schluss ein Stück spielen wird, wo ad lib fotografiert, gefilmt und Aufnahmen gemacht werden darf. Er läd alle Anwesenden ein, mit ihren Mobiltelefonen während diesem Stück aktiv zu sein.
Das Konzert beginnt. Barre horcht, bringt sein Instrument in Schwingung und setzt Klänge in den Raum. Die Zuhörer sind aufmerksam und gefordert.
Das ganze Konzert dauert ungefähr eine Stunde. Es gibt Schwerpunkte jedoch keine offen-sichtlichen Höhepunkte, weder leise noch wirklich laute Stellen. Das Konzert an sich ist ein kompletter Höhepunkt, ein extensives Opus, eine Art Naturereignis, das von jeglicher Beurteilung befreit ist und nicht kommentiert werden muss. Barre erlebe ich heute als wahren Zen Meister. Das Konzert ist ein historisches Ereignis mit Bedeutung, ohne Anfang und ohne Ende, improvisierte Musik – als Kunst ohne Werk.
U.L.

Le concert à l'occasion de la 30ème édition de Kaleidophon, festival de jazz, musique improvisée et musique contemporaine écrite, aura une nouvelle fois fourni la preuve qu'on joue toujours de deux instruments simultanément. De son instrument et du lieu, lesquels furent ce soir-là un piano K. Kawai, 2628974, RX-5, et une ancienne grange aménagée en salle de concert et de cinéma. D'un côté, un piano auquel on aurait souhaité davantage d'inégalités pour en découvrir un peu plus la force vitale, et de l'autre, une acoustique particulièrement sèche qui n'accordait aux sons qu'une propagation minimale.
L'un des plaisirs essentiels du jeu improvisé, c'est de donner vie aux sons sans rien forcer, c'est de sentir le lien limpide, résultat de diverses énergies et forces à l'œuvre, entre le geste d'origine, transitant et traduit par les deux instruments, et le son perçu au final. Car le corps agit à la fois sur le piano et sur le lieu, les utilisant tous deux pour produire de la forme sonore. Jean-François Billeter, qui a déjà été évoqué dans ce carnet de route (lire 23 mars, Baden), lorsqu'il décrit le pinceau du calligraphe chinois, parle « d'un instrument qui enregistre avec la fidélité d'un sismographe les infléchissements les plus légers du geste aussi bien que ses écarts les plus soudains ». En l'occurrence, pour cette performance autrichienne, l'enregistrement sonore par les deux instruments « sismographiques » en présence des mouvements corporels en action ne fut pas aussi fluide que souhaité. La sensation que quelque chose était déjà là a étrangement prévalu, alors que toujours ou presque, avec Barre et Urs, c'est le vide, riche en potentialités infinies, qui fonde et innerve la musique du trio.
Le jour suivant, tandis que Barre jouait son solo dans l'église d’Ulrichsberg, j'avais déjà franchi les Alpes, et me retrouvais en Italie, sous l'œil de San Leonardo, dans une ancienne église bolognaise transformée en théâtre, face à un nouvel instrument, un Yamaha C6, 6046489. Mondialisation : un piano japonais dans un ensemble suisse, baBel, pour jouer en Italie, au festival Angelica, les partitions filmées et photographiques de Christian Marclay, un artiste americano-suisse. Mondialisation et uniformisation : une épinette, una spinetta dans la bouche des techniciens italiens, de couleur blanche et en aile d'oiseau, faite sur un modèle de Bas à Marseille, datant de 1771, revendiquait fièrement, face au Yamaha C6, une palette de couleurs et une différenciation sonore abandonnée depuis longtemps par les facteurs de pianos.
J.D.

Photo : Urs Leimgruber par Barre Phillips


LDP 2015 : Carnet de route #9

ldp 30 avril 2015

Sárvár, ouest de la Hongrie : notre LDP Trio se rapprocherait-il (dangereusement ?) de la frontière autrichienne ? Et si oui, dans quel but ? Serait-ce pour poser à propos du public la question qui en effet interroge : en concert, écouter ou filmer ? Sinon, pour s'exclamer : « encore un Yamaha ! »

30 avril, Sárvár, Hongrie
Nadasdy Ferenc Muzeum

Concert in the museum in the old castle, well, not soooo old. Highly decorated large room, probably for receptions in the olden days, good acoustics, about 30 people, mostly old but a few 40's or under. And a situation that is maybe becoming  uncomfortable. In this country, which is basically still a 2 wheel suitcase one, the internet + instant life + affordable rather high-tech gear is making for a particular situation for us, the live performer. Last night was like a film shoot, or photo session, with a live public. It seemed like the majority of the people were there to film, not to listen to the music. And they take the liberty to move around the hall, get a better position, stand in front of their fellows (maybe not on purpose). It put me into a place that is not so comfortable, that I am going to be on Youtube or Facebook or somewhere else public that I didn't chose to be in/on probably before the concert is even over. So, I carry on. Twirl the bass in the air. Stand on my head. Speak in tongues. Still improvising mind you. I think that I have to consider joining the ranks of the difficult, the KJ's of the stage, and forbid filming and photographing during the concert. We could hold a photo session before we begin playing, make all kinds of grimaces and other body language moves that the Facebookers can catch.   
In the meantime Black Bat was flying all over the room, pooping here and there.
B.Ph.

Heute spielen wir im Nadasdy Ferenc Museum in Sarvar. Der Konzertraum besteht aus einem altertümlichen Saal aus dem 18. Jahrhundert mit mittelalterlichen Wandgemälden aus der Barock Zeit. Der überakustische Raum bietet eine ausgesprochen transparente Akustik. Einige der Zuhörer kommen offensichtlich nicht nur um zu hören. Sie fotografieren und filmen Teile des Konzerts. Höchstwahrscheinlich sind auf dem Internet bald Spuren dieser Momentaufnahmen zu sehen und zu hören. So können heute live Aufführungen über Internet Streams dokumentiert und öffentlich zugängig gemacht werden. Musik ist und bleibt jedoch ein einmaliges live Erlebnis. An diesem Abend hatte ein vornehmlich älteres Publikum den Zugang die gespielte Musik direkt zu erleben. Die Reaktionen waren enthusiastisch. Die Leute waren berührt und begeistert. Danach hielt in Sarvar  wieder die Stille Einzug.
U.L.

Encore un Yamaha dans la grande salle du château Nadasdy. Un C7, no 1863365, qui, bien que localisé à Sarvar, appartient à l'opéra de Budapest. De belles basses, rondes, à la fois profondes et claires, qui se marient étonnamment avec l'acoustique très réverbérante du lieu. L'accordeur y est peut-être pour quelque chose : les meilleurs accordeurs sont ceux qui n'accordent pas le piano en tant que tel, mais ceux qui l'accordent avec la salle, travaillant sur la rencontre entre les propriétés acoustiques de l'espace et le son du piano. A mes mots élogieux sur les graves de l'instrument, l'organisateur sourit et me dit les commentaires critiques d'un célèbre pianiste de jazz hongrois qui jugea ce piano déséquilibré précisément à cause de l'ampleur de ses sons graves. Ce « déséquilibre » pointé par d'autres est précisément ce qui m'a plu et attiré chez cet instrument. J'ai aimé son hétérogénéité sonore, profitant au maximum de chaque différence. Un « bon » piano est habituellement d'une homogénéité presque terrifiante. Cette homogénéité, associée au tempérament égal a permis la création d'oeuvres musicales qui ont marqué l'histoire, mais l'écoute a changé. La technologie de l'enregistrement, des artistes comme Luigi Russolo, plus tard John Cage, ont remis profondément en question notre rapport aux sons. C'est pour cela que jouer le piano aujourd'hui, quelque soit le piano, ce n'est pas seulement jouer un instrument, c'est pénétrer un espace, avec ses pavés bien alignés, mais aussi avec sa face cachée, ses zones de non-droit, ses herbes folles et proliférantes.
J.D.

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Photos : Jacques Demierre.



LDP 2015 : Carnet de route #8

ldp 29 avril 2015

A la date du 29 avril pour le LDP : Budapest, encore, mais sur scène cette fois : celle du Patyolat, aux murs plaqués piano.

29 avril, Budapest, Hongrie
JazzaJ @ Patyolat

That other kind of concert where the audience is already very acceptive of what we're going to play. Due mostly to having given the workshop in the same space the day before. First day you tell "how it works" and the 2nd day you do the actual work.
Quite good sound space tho I could have used a bit more resonance from the hall. About 60 folk and the place is jammed – perfect. And there is light, a nice, clear white onto what is usually a black box but  where we've pulled back as much as possiblle the velvet covering the 3 walls.   
A scene that I haven't seen since the 70's or so, say in Switzerland, when there were Gast-Hofs that had been taken over by the young, in collectivity, and although they were in the private sector it was more like hip youth centers. Alternative but functioning well.
We played our hearts out and the crowd was very appreciative. The great majority of the people who had been at the Master Class the day before were there.    We were able to open a few minds, and hearts too, and that's part of the gig.
B.Ph.

JazzaJ ist eine Organisation von Musikern aus Budapest. Sie organisieren an verschiedenen Orten Konzerte für improvisierte Musik. Heute spielen wir im Patyolat im gleichen Raum wo der Workshop stattgefunden hat, im Rahmen von JazzaJ Koncertek. Es kommen 60 Leute, jung und alt. Die Teilnehmer der Masterclass sind ebenfalls anwesend. Das Konzert wird für das Archiv auf Video aufgezeichnet. Oft nach Workshops, wo wir Musiker zusammen mit den Teilnehmenden auf Schwerpunkte hinweisen und Abläufe analysieren, ist es für uns Musiker eine zusätzliche Herausforderung ein Konzert zu spielen. Heute Abend gelingt es völlig entspannt. Ich denke in keiner Weise darüber nach was gestern war. Ich bin offen für das was heute passiert. Barre beginnt mit Klängen, Gesten und einzelnen Bewegungen. Er bleibt länger damit beschäftigt. Ich schaue ihm nicht zu, ich spüre jedoch dass heute beim ihm etwas aussergewöhnliches passiert und es inspiriert mich sofort. Barre’s Bewegungen und die Klänge des Trios durchmischen und ergänzen sich. Das Konzert nimmt seinen Lauf. Das Publikum ist aufmerksam und begeistert. Anschliessend spielt ein Quartett von ungarischen Musikern zusammen mit dem amerikanischen Saxofonisten John Dikeman ein grandioses Konzert. Es herrscht eine festliche Stimmung und die Leute tauschen sich aus.
U.L.
 
Patyolat théâtre, soir de concert, renversement de l'écoute, mais empreinte acoustique semblable à celle vécue lors de la master class. Je retrouve le Yamaha, NO. G7, NIPPON GAKKI S.K.K., en face à face cette fois-ci, de pianiste à piano, fin des mots, début du jeu. Beaucoup de pianos Yamaha en général sous les doigts des pianistes, beaucoup de Yamaha qui divergent pourtant les uns des autres, beaucoup de pianos très différents à jouer soir après soir au risque de perdre son identité sonore de pianiste. Comment échapper à cette tension spécifique relative à la diversité et à la qualité des pianos mis à disposition ? Il m'apparait de plus en plus que la stratégie d'écoute prime l'attention portée à l'objet producteur de sons (lire 27 mars, Schorndorf). J'ai en mémoire une pièce de David Dunn, Purposeful Listening In Complex States of Time, for a solo listener, de 1997-1998, qui est exemplaire quant à la question de l'organisation de la perception en regard de la manipulation des éléments matériels servant à la production du son. J'aimerais observer la problématique pianistique évoquée en prolongeant les mots et la pensée de Dunn : la seule manière de pouvoir accepter chaque piano susceptible d'être joué, c'est de prendre radicalement conscience que celui ou celle qui perçoit les sons – en l'occurrence le ou la pianiste – est également organisateur ou organisatrice de ces mêmes sons et leur attribue dans un même mouvement d'appropriation un sens particulier. Accorder une priorité absolue à la perception peut être une des voies pour se libérer du poids traditionnel que les matériaux, les instruments, les structures ou les intentions font peser sur la composition musicale, écrite ou improvisée. En tant que pianiste, organiser la perception de mon propre jeu face au piano me semble plus pertinent que me préoccuper de la possibilité ou de l'impossibilité des manipulations sonores offertes par tel instrument ou tel autre. Ce rapport d'auralité, qui ne se limite dès lors plus à l'instrument mais englobe aussi le corps de l'instrumentiste, et l'environnement, agit sur une production d'éléments complexes, à la fois appropriés et impossibles à prévoir. Je dirais: écouter les sons de son piano, mais se concentrer davantage sur le processus même de la perception, plutôt que sur les capacités sonores de son instrument.
J.D.

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LDP 2015 : Carnet de route #7

ldp 2015 27 et 28 avril 2015

Quelques jours d'absence, et c'est déjà la reprise pour Urs Leimgruber, Jacques Demierre et Barre Phillips (ou LDP Trio). Reprise de la tournée Listening ; reprise, alors, du carnet de route !

27 avril, Budapest, Hongrie
Voyage / Travel

Time to join up again with Jacques and Urs. How many days cleaning Black Bats' cage?
Are the strings still supple? What not to forget to put in the suitcase? Now all these damn meds. And a load of books, just in case someone's interested. Gonna be hot, cold, rainy? Take it all, use the huge suitcase. Now, where did I put those tickets and the senior cards? Ma, can you drive me to the station?
The usual place in the handicap car is available. No handis today. Pardon me, excuse me... there, the bass is fixed for the trip. Geneva, an easy station, no stairs. Roll'em all the way. And that good coffee shop just opposite quai 7. MMMMMM! Damn, going all the way to Budapest by train. Five of them. Thirty hours door to door. For just an hour's concert? Naw, there's a workshop too. Name of the game. Budapest - love it.
B.Ph.

Einen Monat später treffen wir uns um 07:15 Uhr am Bahnhof in Luzern wieder. In Zürich steigen wir in Richtung Wien um. Es gibt Tage wo wir nur reisen.
Heute ist ein solcher Tag. 12 Stunden sind wir im Zug unterwegs. In Wien steigen wir ein weiteres Mal in Richtung Budapest um. Am Zielort Keleti Palyaudvar sollten wir aussteigen, um vom Veranstalter abgeholt zu werden. Der Zug hält heute da nicht, sagt uns der Schaffner. Also steigen wir in  Köbanya-Kispest aus und fahren mit dem Regionalzug zurück nach Kelenföld. Im neuen, grossräumigen Bahnhof angekommen, bringt uns ein Taxi nach Budapest zum Hotel. Mit der Fahrerin einer Ungarin, die lange Zeit vor der Wende in den USA gelebt hat unterhalten wir uns angeregt in perfekten Englisch. Nach einem Humus-Teller mit Bier geht es anschliessend ab in die Klappe. Das ist genug für heute.
U.L.

Le train est un espace mobile. Mobile et hétérotopique. Un lieu autre entre deux lieux, un espace où l'imaginaire se retrouve sans limite. C'est dans cet emplacement, où l'utopie loge, que les trois derniers pianos joués me sont apparus comme les caractères d'une écriture – chinoise ? – surgissant devant moi : le RIPPEN, bel canto, 211752, premier objet aperçu dans la trouée murale et zürichoise de Sieb & Brot, le Yamaha, G2, E 2522324, que j'ai préféré, pour les possibilités offertes par l'horizontalité de ses cordes, à un piano droit placé à l'arrière-scène du club Metro, à Beyrouth lors du festival IRTIJAL, et le paisible Schiedmayer & Soehne, sur lequel je travaille à la maison la lenteur du geste et la rapidité de l'écoute en me superposant aux voix radiophoniques de France Culture, aux chants des oiseaux du parc Geisendorf et aux cris des enfants montant du préau jouxtant mon immeuble.
Images déroulant une calligraphie pianistique, où chaque piano est un nouveau caractère, en noir et blanc, un bloc de temps cadré autour d'un son central, yin/yang sonore au sein d'une continuité sans fin. Jouer ces pianos, et tous les autres, l'un après l'autre, années après années, c'est déployer l'écriture de sa propre histoire dans un tempo lent, caractère après caractère, traçant son propre texte de vie et le découvrant tout à la fois. Récit qui reste à décrypter… comme il nous reste encore à comprendre pourquoi l'arrêt budapestois Keleti Palyaudvar, destination finale de notre voyage, avait subitement disparu, après 12 heures de rails, de la feuille de route du train hongrois dans lequel nous venions de monter à Vienne...
J.D.

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28 Avril, Budapest, Hongrie
Master Class

The young lions of Buda. There is hunger here but some how it's soft, it's palette hunger not belly hunger. A lack of immediateness, urgency, life&deathness. Do you know that it doesn't get any better than today? Today's the last chance.
Good technical level in general. Alertness on the idea front. Quite interested in "how it works". Students and young professionals – about 50/50. One lady visual artist (very interesting approach to sounding). Beginnings of climbing out of a hole but even so, too comfortable.
B.Ph.

Patyolat ist ein neuer Kulturraum für Ausstellungen, Klanginstallationen und Konzerte in Budapest. Hier leiten Barre, Jacques und ich heute Nachmittag gemeinsam eine Masterclass zum Thema Solo in der freien Improvisation. Die Teilnehmer sind Musikstudenten und professionelle Musiker. Das technische Niveau ist erstaunlich hoch, wie oft bei ausgebildeten Musikern. Die Erfahrung im Umgang mit freier Improvisation im Sinne des instant composings ist beschränkt und unerfahren. Dennoch ist es äusserst interessant wie verschieden und individuell diese Aufgabe von den MusikerInnen gelöst wird. Die meisten präsentieren ihr Können mit Spielweisen die sie kennen und mit Ausschnitten ihres Repertoirs im Umgang mit Klang. Keiner von Ihnen improvisiert in dem Sinne frei, während des Spielens mit Klängen Unvorhergesehenes zu entdecken. Das ultimative Hören mit Körper und Seele wird von den wenigsten konsequent praktiziert. Loslassen, nach Gehör spielen, weniger denken und nicht komplett expandieren wäre ein sinnvoller Ansatz um weiter zu gehen.
U.L.

Sur la scène de Patyolat, lieu budapestois en devenir, deux instruments. Plaqué au mur, un piano droit Rösler, 10128, Opus no 11048, "très vieux, mieux vaut ne pas y aller trop fort", me conseille l'organisateur de la master-class. Se réfère-t-il au fait que ces pianos, qui affichent aussi, suivant l'inscription, un G. avant Rösler – G. pour Gustav – ont été anciennement conçus et réalisés dans l'usine Petrov, en République Tchèque, alors qu'aujourd'hui ils sont produits en Chine ? La question aussitôt posée est aussitôt abandonnée, car découvrant sur la droite du clavier une sorte de tirette dorée, à action mécanique, portant le nom de Moderator, j'actionne cette manette, et imagine instantanément son effet sur les relations en cours de jeu entre les différentes variables du son. Mais la tirette ne répond pas, l'effet reste imperturbablement muet. Quoi qu'il en soit, même s'il ne s'agit en fin de compte que d'une simple sourdine, ce piano Rösler reste, au sens propre du terme, une boîte à musique. Qu'un piano soit muet ou sonore, il est habité par un son qui demeure potentiellement et physiquement présent. Le piano à queue placé au centre de la scène et recouvert d'une couverture noire, en simili-cuir et matelassée, un Yamaha, NO. G7, NIPPON GAKKI S.K.K. semble confirmer mon intuition. Au moment d'ôter sa couverture, il me vient à l'esprit une oeuvre de Joseph Beuys, Infiltration homogène pour piano à queue, où un piano est entièrement recouvert de feutre gris et porte une croix en tissu rouge sur un de ses flancs. Protégé ainsi par un isolant thermique, le piano est de ce fait aussi isolé acoustiquement du reste du monde. Ce geste d'étouffement raconte paradoxalement le son à travers la mise en scène du silence : le son ne prend-il pas appui sur le silence pour apparaître et n'a-t-il pas besoin du silence pour concrétiser sa propre disparition ? La vision d'un piano calfeutré et isolé de son propre contexte acoustique a toujours fait naître en moi un sentiment étrange d'une grande solitude un peu nostalgique. C'est précisément ce sentiment qui a resurgit à l'écoute d'une des participantes à la master-class. Artiste visuelle, sans maîtrise technique de l'instrument piano, elle a réussi à montrer une adéquation rare entre ses dispositions personnelles, son écoute et sa réalisation sonore. Un équilibre qui n'existe que dans sa remise en jeu renouvelée.
J.D.

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Photos : Jacques Demierre


LDP 2015 : Carnet de route #6

ldp 2016 28 mars zurich

Après Schorndorf, c'est à Zurich qu'Urs Leimgruber, Jacques Demierre et Barre Phillips étaient attendus pour cause de Listening. Reprise du carnet de route : fin avril.

28 Mars, Zurich, Suisse
Seismogram im Sieb und Brot

And on we go - creating new spaces with sound that let our audiences live new experiences.   
B.Ph.

Seismogram“ – Konzertreihe für Experimentelles und Ungehörtes in Zürich.
Im Dezember 2011 haben junge Musiker die Reihe Seismogram zum Leben erweckt, um in Zürich eine Plattform zu bieten, die es den MusikerInnen ermöglicht ihre ganz neuen und frischen Projekte, die einem breiteren Publikum noch nicht bekannt sind, zu präsentieren. Seismogram ist eine Initiative, bei der sich die Besucher immer von neuem überraschen lassen können. Die Vielfalt an Musikrichtungen, Stimmungen und MusikerInnen ist gross und sehr abwechslungsreich. “Da wir keinen festen Ort fanden, in dem man die Reihe einsiedeln kann, haben wir bis jetzt jeweils immer die Lokalität gewechselt. Galeristen, Atelierbesitzer und Bewohner haben uns ihre Räumlichkeiten jeweils für einen Abend überlassen und zwischen den Musikern, unseren Gastgebern, unserem Stammpublikum und dem Publikum der jeweiligen Räume entstanden interessante und spannende Verbindungen“.

Die auftretenden Musiker stammen meist aus der experimentierenden und improvisierenden Szene Zürichs, aber auch aus anderen Teilen der Schweiz und Europa. So hat sich Seismogram seit 2011 zu einem wichtigen Treffpunkt und Austauschort für Musiker und Interessierte entwickelt.
Seit Februar 2014 ist Seismogram einmal im Monat im Sieb und Brot (Werkstatt für Siebdruck) an der Neugasse 145b, 8005 Zürich zu Hause. Anfahrt: Die Werkstatt befindet sich im Kreis 5 neben der Josefswiese am Ende der Neugasse im Hof hinter dem SBB-Backsteingebäude. Eine Treppe führt zum Eingang in den ersten Stock. Bus- und Tram-Haltestellen in der Nähe sind Hardbrücke, Schiffbau, Dammweg und Röntgenstrasse.

Das Konzert mit dem Trio „ldp“ findet in einem Raum der Werkstatt von „Siebundbrot“ zusammen mit einem hellwachen, mehrheitlich jungen Publikum statt. Eine besondere Begrüssung gilt der Pianistin Irene Schweizer, die als Überraschungsgast anwesend war.
Das Trio spielt einen langen Bogen, ein in der radikalsten Form gewähltes, einstündiges Konzert. Die Zuhörer sind begeistert.
U.L.

RIPPEN, bel canto, 211752. Sur le couvercle, RIPPEN, manufacture de pianos fondée à Ede, Pays-Bas, en 1926, s'affiche ainsi: RIPP N. Un vide entre sourde et nasale, une absence qui déjà fait son, une disparition qui pèse immédiatement sur ma décision de ne jouer aucun mi ce soir sur ce piano droit low cost (selon les mots de l'accordeur). Hommage lipogrammatique à la Perec pour une mécanique LANGER 80, qui, m'assure-t-il, bien que n'égalant pas les mécaniques RENNER, se laisse jouer sans problème. Un low cost qui assure, donc, mais qui ne fera pas oublier le fameux piano à queue Rippen à ceinture d'aluminium du début des années soixante.
Alors qu'aucun lyrisme ne se manifeste dans l'architecture solide et traditionnelle du piano droit de ce soir, surnommé abusivement bel canto et accueilli le jour même par Seismogram dans les locaux de Sieb und Brot, la série de cinq instantanés prise avant le repas dans le Werkstatt für Siebdruck à même la surface de la table servant de bar, comme autant de palimpsestes à forte abstraction, en dit long quant au bel canto réaliste du trio ldp et surtout à la possibilité "de penser l'art sans projet, ouvert à l'accident, à ce que l'on ne connait pas".  Je cite là Pierre Soulages, cité lui-même par Richard Jean, alias Monsieur Jean, membre du collectif sédunois L'Oeil&L'Oreille, groupe informel et résultat d'une action spontanée qui amène des individus à travailler ensemble.
J.D.

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Photos : Jacques Demierre


LDP 2015 : Carnet de route #5

ldp 2015 27 mars

Après Karlsruhe et avant un retour en Suisse (Zürich, Seismogram), Schorndorf. D'où Urs Leimgruber, Jacques Demierre et Barre Phillips nous adressent le cinquième chapitre de leur carnet de route.

27 mars, Schorndorf, Allemagne
Klub Manufaktur

Last night the sound was so special. Of course it has to do with my ears and perception, but the space, a medium sized other-time industrial space, was instantly available to sound. It reminded me of early peyote experiences when the sounds became palpable, like putty in the hand. Plus a very positive medium-sized group of people to share the moment with us. Older people. I didn't see one young person, yet there must have been at least one, hidden amongst the long-beards. "So nice to hear you again". Really long-spending applause at the end. The sharing very special, beyond the usual waves. And a great part of what makes this type of concert a success are the people who organize it. Club Manufaktur. Volunteer folk. Werner, Andrea and the others. Giving a not small part of their lives to making their passion shareable. The local organizer is so important to us, the traveling musician-performer. The warm welcome, the right hotel, good food at the right time, the com work that over the years adds up to a room full of people to share the sounds and vibrations. The continual entrepreneurial struggle to keep the funding in tact over the years. Elements so vital to the life of the music. So dear sponsors, know that we appreciate you beyond the veil. Hugs & donuts all around.
The Black Bat spent the night at the opera.
B.Ph.

Der Konzertort „Manufaktur“ befindet sich in einem ehemaligen Fabrikgebäude. Der Raum mit seinen akustischen Voraussetzungen eignet sich hervorragend für live Musik.
Gute Freunde und Bekannte und ein aufmerksames Publikum kommen zum Konzert. Die Stimmung im Raum ist höchst konzentriert. Das Trio spielt einen extensiven ersten Teil. Nach der Pause spielt Barre Phillips ein Solo. Anschliessend fügt sich das Trio wieder zusammen, bis zum Schluss.
Zitat:
Die Spieler beobachten sich gegenseitig, nehmen Motive untereinander auf, ergänzen diese, zerspielen sie und horchen praktisch in die sich umschleichenden Töne hinein. Alles bleibt dabei aggressiv und rau, ganz frisch wie improvisierte Musik sein sollte. Trotzdem gibt es auch immer wieder Stille, ein Zurücktreten von Zweien gegenüber einem Einzelnen, wodurch hier die Balance zwischen den drei Individuen wunderbar hergestellt wird. Und dem Hörer Raum gelassen wird, zuzuhören. JAZZTHETIK
U.L.

Yamaha, P121n-Silent, E334739. La première image en pénétrant l'obscurité de la salle fut, à part la forme reconnaissable d'un piano droit, une paire de sabots, mi-bois, mi-cuir rigide, comme abandonnée face à l'instrument. Elle appartenait à l'accordeur, un homme aux cheveux longs, sympathique, chaleureux et édenté, qui semble aimer porter des chaussures de cuir souple dans ses sabots quand ceux-ci ne gisent pas de part et d'autre des pédales forte et una corda de l'instrument. "J'aime les résonances" me dit-il, " et les harmoniques", je comprends, moi aussi. Dans un geste contradictoire un peu tragique, il tenta de me convaincre que ce Yamaha vertical sonnait aussi bien qu'un piano à queue, mais qu'on ne pouvait de toutes façons pas demander l'impossible à un piano droit. J'ai tout de suite senti, au jeu, au partage des sons, que pour en avoir plus, il fallait en chercher moins. Il fallait élaguer le son du piano vers le silence et non lui ajouter une pression sonore qui allait très rapidement l'étouffer. (Je parle là de la version Yamaha P121n en mode acoustique et non en mode SILENT, où le pianiste porte un casque stéréophonique et où les marteaux ne frappent plus les cordes, mais où le mouvement des touches et d'autres paramètres performatifs sont captés par des senseurs optiques et convertis en données numériques. L'expérience d'écoute d'un concerto de Rachmaninov en mode SILENT, mais perçu depuis l'extérieur, c'est-à-dire en n'écoutant que la structure rythmique de la pièce rendue à travers la mécanique bruitiste des marteaux, est tout à fait enthousiasmante, rendant du coup parfaitement dérisoire l'espace sonore pianistique numérique proposé par la firme japonaise.)
Changer d'instrument chaque soir, comme sont amenés à le faire les pianistes, et quelque soit le type de piano envisagé, à queue, droit, toy, pose moins la question de l'instrument et de sa qualité intrinsèque, que celle du processus de perception et de la primauté qu'on lui accorde. Je dirais, avec David Dunn, que l'organisation de la perception est plus fondatrice que la manipulation des éléments matériels de base de la production du son. A chaque nouveau piano, une nouvelle stratégie d'écoute: primauté de l'esprit sur la matière ?
J.D.

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Photo : Jacques Demierre.

mail 10 years


LDP 2015 : Carnet de route #4

ldp 2015 26 mars Karlsruhe

En Allemagne, désormais : Karlsruhe, pour être précis, d'où Urs Leimgruber, Jacques Demierre et Barre Phillips nous adressent la quatrième impression de leur carnet de route.

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26 mars, Karlsruhe, Allemagne
Jazzclub Karlsruhe e.V. im Zentrum für Kunst und Medientechnologie, ZKM_Kubus

Black Bat flew into the space and swirled round and around. Cawing, brawling, in his silent way. No mind, you all.
Kubus - Over-write. A new layer of paint on top of the old. Like when you change the lino on an old kitchen floor.    
Why we re-struct,
again the question to rephrase,
leaving the spaces between to define themselves,
their ears & bones to contemplate.

Does everything come next?     
Kubus -  In isolation a breath is yet a wind.
B.Ph.

Das ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie ist eine weltweit einzigartige Kulturinstitution, denn es ist ein Ort, der die originären Aufgaben des Museums erweitert. Es ist ein Haus aller Medien und Gattungen, ein Haus sowohl der raumbasierten Künste wie Malerei, Fotografie und Skulptur als auch der zeitbasierten Künste wie Film, Video, Medienkunst, Musik, Tanz, Theater und Performance. Als Museum wurde das ZKM 1989 gegründet mit der Mission, die klassischen Künste ins digitale Zeitalter fortzuschreiben. Deshalb wird es gelegentlich auch das »elektronische bzw. digitale Bauhaus« genannt – ein Ausdruck, der auf Heinrich Klotz zurückgeführt wird. Darüber hinaus beherbergt das ZKM aber auch Institute und Labors, in denen wissenschaftlich geforscht, entwickelt und produziert wird. Neben dem klassischen Leitgedanken des Museums, dafür zu sorgen, dass Kunstwerke nicht verschwinden, hat das ZKM auch die Aufgabe übernommen, die Bedingungen dafür zu schaffen, dass Kunstwerke entstehen – zum einen durch GastkünstlerInnen, zum anderen durch die MitarbeiterInnen des Hauses. Deswegen heißt es Zentrum und nicht Museum.
Heute Abend auf Einladung des Jazzclub Karlsruhe e.V. im Studio Saal des ZKM Konzert Leimgruber_Demierre_Phillips. Haarmonie 255/101/305/407. Quadratisch. Praktisch. Gut. Mitschnitt SWR2.
U.L.

Yamaha, S6, 5515776. S'agit-il une nouvelle fois du syndrome de la müde Saite (lire 21 Mars, Sion) ? Malgré l'excellence du niveau de qualité apporté à chaque composant et le savoir-faire des artisans de l'atelier de fabrication Yamaha - dixit l'entreprise japonaise fondée par Torakusu Yamaha à Hamamatsu - la corde de mi bémol grave du Yamaha S6 joué ce soir s'est rompue brusquement peu avant la fin de la première partie. Cet incident n'a pas échappé au technicien du ZKM_Kubus, qui a profité de la pause pour récupérer discrètement la corde endommagée. Ne jetez jamais une corde de piano cassée ! Particulièrement les cordes de basse filées, qui sont commandées sur mesure, les anciennes cordes servant de modèle au fileur de cordes. Confus de la rupture de ce fil métallique sous tension - même si mettre la facture instrumentale à l'épreuve du matériau sonore est une partie essentielle de mon activité de pianiste improvisateur -, je suis rassuré par les paroles de l'organisateur: « ce n'est pas la première fois… ce piano est souvent utilisé pour la musique contemporaine… », il ajoute à ce dernier mot un mouvement du menton qu'il juge suffisamment explicite pour ne pas le commenter davantage. Qu'aurait compris Pierre Boulez de ce geste mandibulaire, lui qui aujourd'hui 26 mars célèbre précisément ses nonante ans ? Qu'aurait compris ce même Pierre Boulez, un des plus grands compositeurs et chef d'orchestre du siècle passé, de cette rupture de corde, lui qui est passé largement à côté de la musique improvisée tout au long de sa carrière exceptionnelle ? Questions sans réponse et surtout histoire d'une non-rencontre entre une musique improvisée non idiomatique et un compositeur qui a pensé la musique comme peu l'ont fait, mais dont la pensée elle-même semble l'avoir tenu à l'écart de cette expérience sonore essentielle.
J.D.

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Photos : Jacques Demierre



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