Ivo Perelman: Soul Calling (Cadence Jazz - 2006)
Quitte à faire passer la progression d’Instrospection pour une illusion, le saxophoniste Ivo Perelman et le contrebassiste Dominic Duval – deux de ses auteurs – baptisent cet enregistrement en duo du titre de l’ouverture, pièce la plus apaisée du disque, qui renoue pourtant partout ailleurs avec les emportements.
Sur Surrender To Uncertainty, d’abord, où les pizzicatos effrénés de Duval indiquent la route à suivre au son d’un blues d’étrange nature ; sur Silkworm, ensuite, pièce qu’emmène Perelman au moyen de plaintes insatiables, entrecoupées de fulgurances mélodiques rappelant celles d’Albert Ayler, et terminée enfin par une incursion soudaine en terre brésilienne.
Les élans se partagent aussi : archet emporté mis au service d’un free jazz seulement fait de cordes (Mingmen), et étendue des possibilités de Perelman présentées en solo sur 7 Octaves, 7 Days. A deux, il s’agit de gagner l’ombre à coups de combinaisons diverses, ayant recours aux cris ultimes du saxophoniste (Unable To Deliver) ou à l’archet instituant drones de Duval (Ametista).
Qui s’intéressa à Introspection devra donc mettre la main sur Soul Calling, son revers. Venu récemment compléter le diptyque que Perelman donne d’un jazz assouvi pas coupable de donner tout à coup dans l’excès, ou d’un free jazz insatiable pas contre l’idée de tout sacrifier soudain aux plages méditatives.
CD: 01/ Soul Calling 02/ Surrender to Uncertainity 03/ Silkworm 04/ 7 Octaves, 7 Days 05/ Mingmen 06/ Ametista 07/ Unable to Deliver 08/ M.S.M 09/ Untitled
Ivo Perelman - Soul Calling - 2006 - Cadence Jazz Records.
John Butcher : The Big Misunderstanding Between Hertz And MegaHertz (Potlatch, 2006)
Après s’être mesuré à la musique électronique de Phil Durrant ou Toshimaru Nakamura, le saxophoniste John Butcher évoluait aux côtés de Christof Kurzmann le temps de concerts donnés en 2002 et 2003. Pour construire une nouvelle œuvre d’électroacoustique improvisée et pertinente.
Derrière Lloopp, Kurzmann s’occupe donc de traiter le ténor et le soprano de Butcher. Donnant familièrement dans les boucles évidentes, les larsens légers et les souffles redirigés, le duo se montre concret et astucieux: répercutant quelques notes échappées du saxophone sur un drone vrombissant (Klafter), les amassant ailleurs au milieu d’inserts électroniques baroques (Shilling), ou décidant de la progression implacable de la densité de Therblig.
D’Aume à Thimbleful, Butcher se fait de plus en plus présent. Avalé d’abord, le voici prenant ses aises lorsqu’il oppose des graves caverneux aux effets de masse et petites saturations de Kurzmann (Redwood Second). Enfin, appuie ses phrases ou les étire, pour donner une autre couleur à l’improvisation en cours.
Avant Efzeg ou Polwechsel, le duo Butcher / Kurzmann aura servi avec tact la musique électroacoustique d'un millénaire naissant. L’aura dégagée, même, de l’impasse dans laquelle purent la plonger d’autres musiciens, moins inspirés. A ceux-là, il ne reste qu’à suivre.
John Butcher : The Big Misunderstanding Between Hertz And MegaHertz (Potlatch / Orkhêstra International).
Enregistrement : 2002-2003. Edition : 2006.
CD : 01/ Aume 02/ Bee Space 03/ Klafter 04/ Redwood Second 05/ Schilling 06/ Seer 07/ Shilling 08/ Therblig 09/ Thimbleful
Guillaume Belhomme © Le son du grisli
David S. Ware: Balladware (Thirsty Ear - 2006)
7 ballades composent Balladware, album enregistré par le quartet de David S. Ware en 1999. En compagnie de Matthew Shipp (piano), William Parker (contrebasse) et Guillermo Brown (batterie), le saxophoniste revient sur quelques thèmes – standards et compositions personnelles - qu’il avait déjà abordés auparavant, pour confectionner l’une de ses œuvres les plus intenses.
Au nombre des reprises, Yesterdays – ballade désaxée sur laquelle Ware, chaleureux, ouvre la brèche d’une profondeur mélancolique mise en musique -, Autumn Leaves – où il dispose des digressions précipitées au creux des phrases du thème –, ou encore, Tenderly. Sur chacune d’elles, le leader trouve l’appui plus qu’éclairé de ses trois partenaires.
Ailleurs, Ware réinterprète Dao, contenu et laissant pas mal de place aux arpèges de Shipp ; évoque Albert Ayler sur Godspelized, sur lequel il ne manque pas de tirer partie de la valeur de sa section rythmique ; hurle, enfin, une invocation troublante, que ses partenaires devront camoufler sous déconstruction comme on noie sa peine (Angel Eyes).
Et la peine transformée, l’allure se fait haute. Mesurée, juste, mais à propos de laquelle il est soudain permis de douter – doses petites de free emporté. Ce loup, dans un champ de fleurs - et pas des plus communes. L’oxymore difficile et élégant.
CD: 01/ Yesterdays 02/ Dao 03/ Autumn Leaves 04/ Godspelized 05/ Sentiment Compassion 06/ Tenderly 07/ Angel Eyes
David S. Ware - Balladware - 2006 - Thirsty Ear. Distribution Orkhêstra International.
Moondog : Rare Material (Roof Music, 2006)
Après avoir édité The German Years, Roof Music poursuit son étude du répertoire de Moondog, en consacrant au maître un double CD donnant à entendre raretés – dont Big Band, enregistré en 1995 aux côtés du saxophoniste John Harle – et morceaux jusqu’alors en attente de réédition convenable.
Proche de Sax Pax for a Sax, le premier disque est l’œuvre de musiciens sérieux mis au service de pièces contrapunctiques à chanter (New York) ou rendre au son de violons et violoncelles (Frankanon), d’instruments à vent (Bumbo) ou de piano (Heath on the Heather). Parfois lisses, les interprétations se montrent le plus souvent convaincantes, exposant avec la même précision des compositions rappelant Grieg (Torisa, The Cosmicode) ou d’autres soumises à un swing efficace (You Have To Have Hope, Blast Off).
Collage de pièces plus rares, le second disque expose des œuvres datant des années 1950 aux années 1980 : soit, des enregistrements effectués dans les rues de New York par le documentariste Tony Scwhartz (Avenue of The Americas) aux interprétations appliquées de thèmes anciens. Là, quelques réminiscences baroques (Log in G Major, Gubbisberglied), canons d’inspiration folklorique (Magic Ring, Friska) ou chansonnette hors ligne (Why Spend The Dark Night With You), mystères entêtants (All Is Lonliness) et pièces essentiellement rythmiques aux origines du minimalisme (Timberwolf, Dog Trot).
Venant combler un peu le vide laissé par l’indisponibilité des albums Moondog et More Moondog – parus jadis sur Prestige – après avoir consacré sa première partie à l’exposé d’un enregistrement tenant de l’aboutissement, Rare Material approfondit le sujet Moondog, répondant en cela à une obligation.
Moondog : Rare Material (Roof Music / Orkhêstra International)
Edition : 2006.
CD1 : 01/ Blast Off 02/ New York 03/ Paris 04/ Bumbo 05/ Hearth on the Heather 06/ Torisa 07/ Shakespeare City 08/ Frankanon 09/ You Have To Have Hope 10/ A Sax 11/ Reedroy 12/ The Cosmicode 13/ Black Hole 14/ Invocation - CD2 : 01/ Gubbisberglied 02/ Friska 03/ Magic Ring 04/ Logründer XV in B Major 05/ Gyff 06/ Logründer XVII in E Major 07/ Log in G Major 08/ All is Lonliness 09/ Dog Trot 10/ Frog Bog 11/ Surf Sessions 12/ trees Against The Sky 13/ Single Foot 14/ Be A Hobo 15/ Rabbit Hop 16/ Why Spend The Dark Night With You 17/ Moondog Symphony I (Timberwolf) 18/ Lullaby 19/ Avenue of The Americas 20/ Moondog Monologue
Guillaume Belhomme © Le son du grislii
Blocks of Consciousness and the Unbroken Continuum (Sound 323, 2005)
Après être brièvement retourné aux sources de l'improvisation occidentale – convoquant pour cela les figures de Satie, Antheil, Varèse, Cage, mais aussi celles de Jerry Roll Morton et des jazzmen du free première période – et expliqué d’où il tirait son nom – Blocks of Consciousness, d’une œuvre de Morton Feldman ; The Unbroken Continuum, d’une trouvaille de Derek Bailey –, cet ouvrage collectif pose une seule et même questions à quelques musiciens triés sur le volet : « What are you doing with your own music ? »
Au nombre de la cinquantaine d’intervenants, les guitaristes Otomo Yoshihide – qui dit vouloir être à l’écoute des choses qui n’existent pas encore mais existeront bientôt – et Annette Krebs – qui prône le geste fortuit, voire, l’erreur - ; la pianiste Andrea Newman, le violoncelliste Nikos Veliotis, ou encore Phil Durrant, Lol Coxhill, Keith Rowe, John Butcher, Sachiko M. Au jeu des questions, Bertrand Deuzler et Jean-Luc Guionnet se sont aussi pliés, mais en tant qu’interrogateurs, cette fois. Après avoir joué aux côtés d’improvisateurs reconnus, le duo enregistre la vision que chacun de ceux-là a de son art. Déballant les réponses sans mentionner leurs auteurs, les paroles différentes s’imbriquent comme elles peuvent, révélant quelques vérités sans que l’on puisse juger de leur valeur en vertu de la renommée de qui les aura proférées : « il faut comprendre que l’improvisation n’est pas forcément faite pour transmettre des émotions » ; « qu’elle privilégie le jeu collectif, mais que l’individu, lorsqu’il la pratique, oublie aussi très souvent le groupe avec lequel il improvise « ; ou « qu’il est nécessaire de privilégier une esthétique pour se permettre ensuite d’avancer sans but précis ». D’autres témoignages encore, légers et plutôt détachés, loin des poncifs sourcilleux ou faussement théoriques ayant quelques fois cours dans le domaine.
Pour compléter la somme, on trouvera aussi quelques textes : qui révèlent une frontière de plus en plus floue entre composition et improvisation, processus entamé dès l’époque de l’école de New York (Dan Warburton) ; retracent une petite histoire de la musique exigeante depuis la pièce 4’33 de Cage (David Toop) ; ou s’interrogent sur le devenir d’une esthétique du non-fini (Andy Hamilton). De courtes études, aussi, intéressées à mettre au jour la musique de John Wall, Richard Chartier, ou The Necks.
En guise d’illustration, Blocks of Consciousness livre un DVD offrant quelques captations sur scène de Keith Rowe, Evan Parker, John Tilbury, John Butcher ou du trio Broken Concert. Chacun des 10 chapitres prend le temps de rendre la mise en place des musiciens, avant qu’ils ne présentent leurs tentatives diverses : derrière guitares et machines pour Rowe ; passionnée autant que le pianiste John Tilbury ; ou plus introspective, à l’image de Tetuzi Akiyama. Preuve donnée plus rapidement encore de la diversité des sources venant alimenter les musiques improvisées d’aujourd’hui, mais aussi de celle des motivations profondes de chacun des musiciens les pratiquant. Pour expliquer enfin leur évidente variété.
Blocks of Consciousness and the Unbroken Continuum. Londres, Sound 323, 2005. Distribution Metamkine.
Steve Lacy: Conversations (Duke University Press - 2006)
« Lire Conversations, c’est ouvrir un peu le grand livre du jazz », écrira peut être un jour quelque critique musical inspiré autant que ses confrères de télé, salariés et arrosés, eux, pour parler rentrée littéraire. Et, malgré la maladresse évidente de la formule – de ces maladresses quotidiennes profitant de l’érosion du beau langage par les expressions grossières de journalistes simples et passés, en plus, par la même école - personne ne pourra contredire le rustre.
Puisque Jason Weiss s’est amusé à collecter les interviews données par le saxophoniste Steve Lacy entre 1959 et 2004, ainsi que quelques uns de ses écrits, on croise forcément dans Conversations les figures emblématiques d’un courant qu’on pourrait qualifier de jazz moderne si seulement cette appellation n’était pas tant connotée body lycra.
La première des trois grandes parties du livre est donc consacrée aux interviews. Avant chacune d’elles, Weiss indique au lecteur la période à laquelle elles ont été données, voire, résume en quelques phrases l’état d’esprit de Lacy. Dès le premier entretien, publié par Jazz Review, le saxophoniste évoque ses partenaires ou inspirations plus qu’il ne parle de lui-même : Coltrane, Jackie McLean ou Ornette Coleman. Monk, surtout, dont il investira le répertoire en compagnie du tromboniste Roswell Rudd, sujet en 1963 d’une longue conversation avec un journaliste de Down Beat. Abordant la pratique du saxophone soprano, il dit en 1965 préférer le jeu de Coltrane au ténor – alors que celui-ci commençait à peine à utiliser l’instrument - avant d’avouer 20 ans plus tard que s’il a fallu 2 à 3 ans à Coltrane pour comprendre le soprano, il lui aura fallu, à lui, Steve Lacy, 2 à 3 ans pour comprendre où Coltrane voulait véritablement en venir avec ce genre de saxophone. Sur sa pratique, toujours, Steve Lacy aborde la question du jeu free et de l’improvisation - donne sa version de la chose, avançant que la musique est un art trop difficile pour éprouver quelque plaisir que ce soit lorsqu’on la joue, ou suggérant que la liberté dans le jeu est davantage possible lorsqu’un musicien connaît sa partition par cœur. Pourtant, Lacy aura toute sa vie pratiqué l’improvisation. C’est même pour la retrouver qu’il avait dû cesser de défendre un hard bop trop sévère à son goût, dira-t-il à Derek Bailey, en 1974. Ailleurs, et dans le désordre, Lacy évoque d’autres noms encore, musiciens et écrivains qui auront compté pour lui: Astor Piazzolla, Don Cherry, le poète Brion Gysin (avec lequel il enregistra l’album Songs), Elias Canetti ou Robert Musil.
Et les textes écrits par Steve Lacy, de révéler d’autres influences, moins évidentes : John Cage, Stravinsky, ou Albert Ayler, devant lequel l’auteur avoue avoir d’abord ri avant de comprendre, à force d’usage, que ce qu’il se passait dans cette musique tenait de l’inédit. En fin d’ouvrage, quelques partitions sont reproduites, une discographie sélective est lâchée, histoire de compléter dûment l’évocation en 34 interviews et 29 photos – formule aussi convaincante que la plus précise des biographies - du parcours hors norme du saxophoniste Steve Lacy. « Et de l’homme Steve Lacy ! », conclura notre critique inspiré.
Steve Lacy, Conversations. Edited by Jason Weiss. Durham, Duke University Press, 2006.
Geoff Farina, Luther Gray, Nate McBride: Almanac (Atavistic - 2006)
Après avoir invité Lee Ranaldo, Roger Miller et William Hooker, ou Nels Cline, Andrea Parkins et Tom Rainey, à enregistrer ensemble, le label Atavistic convie le guitariste Geoff Farina (du groupe Karate), Nate McBride (bassiste de Spaceways Inc ou Bridge 61) et le batteur Luther Gray à se charger de la quatrième référence de sa série « Out Trios ».
Almanac, donc. Qui avance au rythme souvent lent de combinaisons prudentes de notes isolées de guitare et de pizzicatos sensibles (Breccia, Particle), de larsens minuscules emmenés par une section rythmique efficace (Sonic Gobo), toujours à même d’installer une tranquillité que l’on pourrait qualifier d’instable ou de sauvage (Absolute Age).
Plus emportés, Hello Tamarat, Goodbye et Leone : le premier, donnant dans la répétition de 2 accords de guitare allant crescendo, qui rappelle Glenn Branca ; le second, plus soutenu, opposant un archet de contrebasse grinçant au jeu de Farina, hommage sans doute à l’ensemble de l’ère No Wave.
Si ce n’est sur Stream Piracy et Heart of Mica – sur lequel Farina tombe dans les travers démonstratifs de sa profession – les musiciens transforment leur rencontre en réunion subtile de leurs talents particuliers. Intuitif, audacieux et aérien.
CD: 01/ Breccia 02/ Drumlin 03/ Particle 04/ Hello Tamarat, Goodbye 05/ Sonic Gobo 06/ Absolute Age 07/ Stream Piracy 08/ Leone 09/ Heart of Mica 10/ Craton
Geoff Farina, Luther Gray, Nate McBride - Almanac - 2006 - Atavistic. Distribution Orkhêstra International.
Frank Wright: Unity (ESP - 2007)
Enregistré le 1er Juin 1974 au Moers Festival, Unity présente Frank Wright en leader humble d’un quartette explosif, et vient compléter The Complete ESP-Disk’Recordings du saxophoniste, récemment édité.
7 notes de contrebasse répétées par Alan Silva introduisent la première partie du concert. Porté par le piano de Bobby Few, véritable machine à débiter un fonds sonore aussi mélodique que brouillon, Wright part sur les traces de Coltrane, passe sans sourciller des graves aux aigus de son ténor, ânonnant parfois sur le crescendo institué par le batterie de Mohammad Ali.
Arrivé à l’aigu ultime, le leader laisse sa place au trio de ses sidemen: notes réverbérées de piano rappelant Sun Ra perdu en piano bar des débuts du film Space is the Place, cymbales portées toujours plus haut, et excellence du jeu de Silva à l’archet. Unity tient là de ce qui a été fait de plus intense en petits comités défendant free jazz, du niveau de Sonny’s Time Now de Sunny Murray.
Sur la deuxième partie, Ali impose un rythme étrangement latin, batucada bousculée, bientôt investie par Few, exploitant son piano d’un bout à l’autre. Déposant quelques notes graves en réponse aux aigus frénétiques glissés par l’archet de Silva, Wright reprend le dessus et ose un semblant de mélodie reprise ensuite par la piano, pour enfin conclure le set au son expansif d’un barnum fanfaron. L’avant-garde éclairée tenant de la grande illusion : indispensable.
CD: 01/ Unity Part I 02/ Unity Part II
Frank Wright - Unity - 2006 (réédition) - ESP Disk. Distribution Orkhêstra International.
Empty Cage Quartet : Hello the Damage! (pfMentum, 2006)
Deux ans après un premier album produit par le label Nine Winds, Empty Cage Quartet présente Hello The Damage!, double CD issu de l’enregistrement d’un concert donné au Café Metropol de Los Angeles, fin décembre 2005.
Interprétant des compositions signées de deux de ses membres - le trompettiste Kris Tiner et le saxophoniste et clarinettiste Jason Mears -, le quartette confectionne un jazz soutenu parcouru de dissonances, répétitions, et entrelacs spécieux, adressant ici ou là quelques clins d’œil : à Jimmy Lyons sur Attack of the Eye People, à l'Art Ensemble sur The Mactavish Rag.
Lorsqu’il ne fait pas siffler son alto sur les roulements sophistiqués du batteur Paul Kikuchi (And Who Is Not Small), Mears avance à pas comptés à la clarinette avant d’être rejoint par un Kris Tiner criard, passé, lui, au bugle (The Empty Cage). Après une chute dessinant quelques cercles, le groupe retrouve le calme d’après tempête (Swan-Neck Deformity), et décide d’en faire le prétexte adéquat pour conclure le concert, aussi long que passionnant.
Empty Cage Quartet : Hello the Damage! (pfMentum)
Edition : 2006.
2CD : CD1 : 01/ Attack of the Eye People - Who Are They If We Are Them? - The Mactavish Rag 02/ And Who Is Not Small - Function 3 - CD2: 01/ Swan-Neck Deformity - The Empty Cage - Swim Swim Swim, Eat Eat Eat
Guillaume Belhomme © Le son du grisli
Pit Er Pat : Pyramids (Thrill Jockey, 2006)
Deuxième album de Pit Er Pat, Pyramids confirme les qualités indéniables du trio. De celles, peu répandues chez les groupes pop, capables de bâtir une identité véritable.
Commencé sur le rythme d’une ballade rehaussée d’inserts hybrides (Brain Monster), l’album n’arrêtera pas de faire défiler les morceaux différents et les décisions surprenantes : folk déglingué sur programmations déraillant (Seasick), pop aux charmes tenant de l’évidence (Solstice), comptines angoissées (Moon Angel, Baby’s Fist) ou instrumentaux atmosphériques (Rain Clouds).
Ailleurs, les morceaux peuvent avancer quelques influences : The Faith’ Healers, au son de complaintes crachantes telles que Swamp ou Pyramid ; Broadcast, lorsque le trio donne dans une pop électroacoustique en équilibre précaire (Time Monster) ; ou encore Electrelane, sur No Money = No Friend.
De pop peu rassurante – les imperfections, feintes ou non, de l’interprétation en rajoutant -, Pyramids est un disque radieux. Célébrant le genre de féerie jamais loin du cauchemar, et musique qui interdira toujours à ses compositeurs - parce que trop raffinés - d’en tirer profit dans la réalité.
Pit Er Pat : Pyramids (Thrill Jockey / Pias).
Edition : 2006.
CD : 01/ Brain Monster 02/ Seasick (Hang Ten) 03/ Time Monster 04/ Baby’s Fist 05/ Swamp 06/ Pyramid 07/ No Money = No Friend 08/ Solstice 09/ Rain Clouds 10/ Skeletons 11/ Moon Angel
Guillaume Belhomme © Le son du grisli