Le son du grisli

Bruits qui changent de l'ordinaire

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Interview de Sylvie Courvoisier

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Pour avoir quitté Lausanne pour New York à la fin des années 1990, la pianiste Sylvie Courvoisier a multiplié les projets inspirants en collaboration avec John Zorn, Ikue Mori ou encore Mark Feldman, violoniste de mari avec lequel elle emmène un quartette qui donnait l’année dernière encore des preuves de sa bonne santé au son d’Hôtel du Nord. Occasion de revenir sur la discographie d’une pianiste qui à l’invention tenace…

SAUVAGERIE COURTOISE

C’était mon premier CD. J’étais très jeune. Les compositions pour ce quintet étaient assez naïves. C’est une jeune femme qui écrit ces compositions... Je n’entends pas mon côté répertoire classique car, à l’époque, j’étais très influencé par Monk et le jazz. Je n’étais pas encore influencé par Cecil Taylor, ça viendra plus tard. J’essayais d’avoir un toucher de piano très dur, chose que j’ai totalement abandonné par la suite. A l’époque, j’essayais de ne pas jouer avec un toucher  classique.

Vous aviez un cursus classique ? Oui, mais je venais d’arrêter le Conservatoire. J’étais un peu en rébellion contre la musique classique.

Comment était la scène suisse romande du jazz et des musiques improvisées ? À Lausanne, au début des années 90, Daniel Bourquin et Léon Francioli jouaient du free jazz et c’était presque tout pour la musique totalement improvisée dans ma ville. Il y avait une scène jazz standard à Lausanne, mais très peu de chose dans la scène improvisée ou avant-garde. A l’époque, j’ai joué  avec Daniel en duo. C’est quelqu’un qui m’a beaucoup influencé mais il n’y avait pas de communauté. C’est souvent  le cas dans les petites villes  en Europe. A New York, c’est différent car il y a une communauté de musiciens selon la scène à laquelle tu appartiens. Aujourd’hui, c’est différent à Lausanne car il y a beaucoup de musiciens travaillant dans l’avant-garde ce qui n’existait pas avant. J’étais assez isolée. Lorsque j’avais 16 et 17 ans, je faisais Sienna Jazz en Italie en été où je restais un mois pour apprendre le jazz.

COURVOISIER - GODARD

En 1994, j’ai reçu une carte blanche au Mood’s de Zürich et j’ai invité Michel qui m’a ensuite invitée dans son quartet. Nous avons fait quelques concerts et grâce à l’intermédiaire de Michel, j’ai rencontré Pierre Charial. J’ai enregistré deux disques avec Pierre Charial et nous avons crée Ocre de Barbarie en concert au théâtre de Vidy. Nous avons commencé avec le poème symphonique de Ligeti pour cent métronomes. J’ai passé beaucoup de temps à Paris – je ne tournais pas beaucoup – à faire des trous manuellement dans les cartons avec Pierre. C’était vraiment de la musique artisanale...

Y-avait-il de l’improvisation dans ce groupe ? Pas vraiment pour Pierre, même s’il y avait quelques cartons graphiques. Les autres musiciens et  moi improvisions sur des grilles, des motifs...

DUOS

Quelle est votre conception du duo ? Le duo, c’est très agréable. C’est un dialogue. C’est une chose très directe. J’ai rencontré Mark Feldman en 1995 au Jazz Meeting de Baden Baden. Nous étions douze musiciens et il m’a proposé de jouer en duo. Nous avons enregistré pour la radio et avons conservé quelques thèmes pour notre premier enregistrement. Et ce duo existe encore aujourd’hui. J’ai travaillé aussi en duo avec Lucas Niggli qui est de six mois mon aîné. On faisait Sienna Jazz tous les deux. Pour le duo avec Mark Nauseef, j’écoutais Stockhausen et Nancarrow. Je crois que cela s’entend.

Comment avez-vous abordé les compositions de John Zorn pour votre duo avec Mark Feldman ? Les deux CD sont différents. Le premier était sur le Masada Book 1 et le second sur le Masada Book 2 « Book of Angels ». Les thèmes de John,  c’est souvent trois ou quatre lignes de partitions... c’est à nous de faire les arrangements. John nous a laissé carte blanche. Il n’est venu qu’à l’enregistrement. Le premier était un peu plus classique. Pour le second, les thèmes étaient un peu moins harmoniques. Nous avons beaucoup tourné en duo et jouons dans le Masada Marathon.

Pouvez-vous nous parler du disque Deux Pianos avec Jacques Demierre ? Jacques était mon professeur de piano quand j’avais vingt ans. Nous avons enregistré un premier disque intitulé TST (Tout Sur le Tout). C’était le groupe de Jacques. Il y avait un piano et un keyboard. Je jouais de l’orgue. Il y avait un batteur de rock. C’était une musique étrange et intéressante, à moitié écrite à moitié improvisée. Plus tard, nous avons créé un duo de piano, libre. Ce qui est bizarre c’est que Jacques, à l’époque et pour l’enregistrement de notre CD en duo, ne jouait presque pas du piano préparé alors que moi j’en jouais beaucoup. Maintenant c’est le contraire : chaque fois que je le vois, il est toujours à l’intérieur du piano.

TRIOS, QUARTETS, QUINTET

Passagio, Mephista et Alien Huddle, trois trios de musiciennes, un hasard ? Ce sont des amies. Mephista c’est le groupe le plus régulier des trois. Nous avons fait une seule tournée avec Passagio il y a une dizaine d’années alors qu’avec Mephista nous avons tourné plusieurs fois et nous jouons toujours ensemble. Mephista, c’est un peu la continuation de mon travail avec Mark Nauseef. La combinaison est assez magique. C’est un groupe à découvrir live.

Comment se place le piano face aux electronics d’Ikue Mori ? Face aux electronics, le piano préparé va très bien. Ikue joue des electronics comme d’un instrument. Avec des cordes, je joue peu le piano préparé. Dans Mephista, il y a trois percussionnistes.

Quelle est la genèse d’Abaton ? Abaton fut l’envie d’écrire des pièces plus « contemporaines ». Manfred Eicher m’avait demandé de faire un CD en 2003 et l’idée du trio de cordes lui a plu. On avait deux jours d’enregistrements à Oslo. Le premier jour, nous avons enregistré mes compositions. J’étais alors très influencé par Sofia Gubaidulina, Ligeti, Alfred Schnitke et Olivier Messiaen. Il n’y a pratiquement aucune improvisation dans ces pièces. Puis, Manfred nous a suggéré de faire des petites improvisations pour glisser entre les longues compositions. C’est ce que nous avons fait le second jour. Finalement, il y en avait tellement que Manfred nous a proposé de faire deux disques : le premier avec les pièces écrites, le second avec les pièces improvisées.

Quelques mots sur Lonelyville ? J’ai essayé de réunir les concepts de Mephista et Abaton. J’avais envie d’intégrer ces deux esthétiques et, aussi, ajouter un petit côté jazz. Il y a ici une synthèse de toutes mes influences. J’aime beaucoup le fait d’avoir dans un même groupe des musiciens européens et américains.

Et sur Hôtel du Nord ? Il y a la conscience du jazz mais nous essayons de faire autre chose. Il y a moins de solos, nous essayons de trouver d’autres pistes. Il n’y a pas de notion de soliste ou d’accompagnateur. Il n’y a jamais de ligne de basse, le batteur peut être mélodique…

LE SOLO

Vous n’avez enregistré qu’un seul disque solo (Signs & Epigraphs). Pourquoi ? John Zorn m’a demandé d’enregistrer en solo en 2006. J’ai composé des études pour piano solo dans le but d’améliorer ma technique. Apres cet enregistrement, j’ai beaucoup tourné en solo et j’ai fait un spectacle « Lueurs d’ailleurs » avec les photos et films de Mario del Curto sur des artistes d’art brut. J’ai pu développer ces pièces qui sont devenu un peu mon langage personnel – j’utilise  même certains extraits de ces pièces dans le spectacle d’Israel Galvan.

LA CURVA avec ISRAEL GALVAN & INES BACAN

Comment avez-vous rencontré Israel Galvan ? Grâce à des amis, Yves Ramseier, Carole Fiers et le directeur du théâtre de Vidy, René Gonzalez. J’avais vu un de ses spectacles au théâtre de Vidy à Lausanne, La Edad de Oro, que j’avais beaucoup aimé, et l’ai rencontré à ce moment-là. Puis, il est venu à New York, m’a contacté et m’a proposé de travailler avec lui sur un nouveau projet. Nous avons répété trois jours à Séville fin octobre 2010 puis en décembre 2010, nous avons fait la création de « La Curva » au théâtre de Vidy pendant dix jours. A Lausanne, on modifiait le spectacle tous les jours.

Comment avez-vous travaillé avec Israel ? Qui propose les idées ? Israel nous montre ses pas. Il me raconte l’histoire, ce qu’il veut dire et moi je lui propose des musiques. Ines Bacan est immuable, elle chante ses chansons et c’est à nous de trouver ce que nous allons faire autour. Ce n’est pas toujours évident avec le piano car elle chante en quart de ton.

LE JAZZ, L’IMPROVISATION, LA MUSIQUE CONTEMPORAINE

Que reste-t-il du jazz dans ce que vous jouez aujourd’hui ? La pulsion, un sens rythmique, une certaine énergie. Je pense qu’il est important de connaître le jazz pour improviser. Il y a une certaine urgence dans le jazz que ne connaissent pas les musiciens classiques. Mon père est pianiste de jazz amateur. J’ai ce passé du jazz en moi. C’est une musique que j’ai beaucoup écouté, que ce soit Mary Lou Williams, les big-bangs, Count Basie, le be-bop. Et j’adore la musique contemporaine. J’ai ces deux pôles en moi.

Comment analysez-vous votre progression par rapport à vos premiers enregistrements ? Au début, je composais des thèmes rigolos. On se marrait. On avait vingt-cinq ans. Aujourd’hui j’en ai quarante-deux. C’est différent. C’est l’âge qui veut ça ! Je travaille toujours le piano. J’aime le piano. Au début, j’étais agressive. Aujourd’hui, même si je le suis parfois encore, j’aime avoir un beau son. J’ai un grand respect pour le piano. C’est un instrument que j’adore. Pour rien au monde, je ne voudrais jouer d’un autre instrument. Je prends des cours avec Edna Golandsy qui est une grande pianiste. Actuellement, je travaille les Variations Goldberg. J’ai une très grande conscience du toucher et du son du piano. Je vis à New York et ce qui est bien dans cette ville, c’est que tu peux rencontrer des professeurs fantastiques, exceptionnels.

Vous enregistrez rarement live, pourquoi ? Je préfère le studio. Je pense qu’il y a beaucoup  des disques live mal enregistrés... Je veux un très bon ingénieur du son, sinon ça ne sert à rien de faire un disque. J’ai une très bonne stéréo à la maison et ça m’énerve quand j’achète des disques de mauvaise qualité. Mon premier disque était live mais j’étais jeune. Heureusement la radio qui l’a enregistré a fait un bon boulot. En live, souvent le son est mauvais. Le MP3 n’arrange pas les choses. On masterise à fond, on met beaucoup d’aigus. Je me bats toujours pour avoir une grande dynamique. J’essaie de faire des disques pour des gens qui ont encore de bonnes stéréos... Beaucoup de labels, parce que c’est moins cher, font des enregistrements live. C’est un peu la fin des studios, des ingénieurs du son… De toute façon, à cause des copies et du téléchargement, les disques ne se vendent plus.

Quel projet enregistrez-vous en priorité ? Je ne veux surtout pas saturer le marché. Faire un ou deux CD par année me suffit. John m’a demandé d’enregistrer un trio avec basse et batterie. Depuis deux ans je compose, j’y pense. Je prends mon temps.  

Y-a-t-il des formations que vous n’avez pas enregistrées et dont vous regrettez l’absence ? Nous avons tourné mais pas enregistré avec le quartet de Yusef Lateef. Je le regrette. Ocre de Barbarie, j’aurais bien aimé l’enregistrer aussi.

Quels sont vos projets ? Un nouveau disque en duo avec Mark Feldman, le trio avec basse et batterie dont je vous parlais tout à l’heure, et un nouveau quartet avec Mark. Et en tant que sideman toutes les formations de John Zorn (Cobra, Femina, Dictée, Improv Group et Masada Marathon) ; le quartet de Yusef Lateef ; le quintet d’Herb Robertson avec Tim Berne, Tom Rainey, Mark Dresser et le trio collectif avec Vincent Courtois et Ellery Eskelin...

Sylvie Courvoisier, propos recueillis à Nîmes le 20 janvier 2012.
Luc Bouquet © Le son du grisli.
Photos : Tiffany Oelfke & Peter Gannushkin.



Aleks Kolkowski, Ute Wassermann : Squall Line (Psi, 2011)

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A la St Peter’s Church, le 15 juillet 2009, Aleks Kolkowski avait apporté toute la panoplie des Stroh Instruments (violon, alto, violoncelle) ainsi que cylindres de cire et scie musicale. Ute Wassermann n’avait sur elle qu’appeaux et ses propres cordes vocales.

Quatorze courtes improvisations furent enregistrées ce jour-là. Quatorze perles frôlant l’inouï et l’insensé. S’échappant des carcans soniques habituels, la voix brise et craquelle l’espace. Aucune insistance sur la matière ici mais un déplacement de souffle sidérant. Soit aller du point A au point B en modulant et explorant, sans ménagement, chaque micro-ton. Plus sobre sur ses instruments à pavillons mais malmenant comme jamais sa scie musicale, Aleks Kolkowski racle l’acier au plus près du désagréable. Tordant son instrument jusqu’à la rupture, il relève, haut-la-main, le défi des dialogues tendus, périlleux. A l’arrivée : un dialogue sans concession. Âpre et magnifique.

Aleks Kolkowski, Ute Wassermann : Squall Line (Psi / Orkhêstra International)
Enregistrement : 2009. Edition : 2011.
CD : 01/ Skvala 02/ Sudestada 03/ Squamish 04/ Weibe bö 05/ Boorga 06/ Pamperos 07/ Polar Low 08/ Blunk 09/ Bow Echo 10/ Bayamo 11/ Brubru 12/ Nor’ Easter 13/ Derecho 14/ Bow Echo 2
Luc Bouquet © Le son du grisli


Taus : Pinna (Another Timbre, 2012)

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Sous le nom de Taus (Tim & Klaus contractés), Blechmann et Filip marient – en concert donné en 2010 en l’église St Ruprecht de Vienne – des éléments d’un langage qu’ils ont en commun (ces crescendos / decrescendos requérant patience que Filip envisagea avec Radu Malfatti sur Building Excess et Imaoto, ces respirations mêlées à des références à la nature que Blechmann pensa par exemple avec Seijiro Murayama sur 347).  

Cet ouvrage de laptops, qui tient du recueillement tant il est concentré, célèbre avant tout la malléabilité des sons dont est capable l’instrument : les basses agissent au sol, les larsens annoncent l’apparition d’aigus moins irritants dont les interférences scinderont les pistes d’évolution afin de créer des voies secondaires qui, à force de retours et de trajectoires fluctuantes, pourront se recouper. Pour que l’exercice ne soit pas sans fin, Blechmann et Filip peuvent interrompent quelques-uns de ces chants réverbérés : le silence reprend alors sa place, le duo laissant le champ libre à la rumeur d’une église dont il a transformé le décorum ou aux piaillements d’oiseaux qui ne font que passer au large de leurs paysages magnétiques.

Taus : Pinna (Another Timbre)
Enregistrement : 4 juillet 2010. Edition : 2012.
CD : 01/ Pinna
Guillaume Belhomme © Le son du grisli


Skogen : Ist Gefallen in den Schnee (Another Timbre, 2012)

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S'il s'avère difficile – et sûrement inutile – de partager ce qui relève du « semi-composé » et ce qui tient du « semi-improvisé » dans la passionnante heure que dure cette pièce délicate, au moins faut-il reconnaître à Magnus Granberg (piano) d'avoir réussi à élaborer par ses propositions, mises en œuvre avec l'ensemble Skogen à Stockholm durant l'automne 2010,  un environnement envoûtant et un véhicule propice à la contemplation.

Débarrassée de son titre et de sa pochette (l'un et l'autre au demeurant charmants pour ce Winterreise suédois), la musique tient par elle-même, élégante, de l'ordre du rêve dans sa suspension, et c'est Feldman qui bientôt apparaît entre les pupitres d'Angharad Davies (violon), Anna Lindal (violon), Leo Svensson Sander (violoncelle) et John Ericksson (vibraphone). La fine tension électrique qu'apportent Erik Carlsson (percussion), Henrik Olsson (bols & verres), Petter Wästberg (objets, micros, table de mixage) et Toshimaru Nakamura (table de mixage « bouclée », véritable cage à insectes vrombissants et perçants) confère à ces halos, gouttes et comètes lentes, une autre qualité de mystère encore.

Bien qu'ayant étendu son effectif (depuis ses travaux pour le label Bombax bombax), l'ensemble Skogen touche ici à un merveilleux équilibre : parcimonieux, nuancé, mais toujours consistant. Bravo !

Skogen : Ist gefallen in den Schnee (Another Timbre)
Enregistrement : 12 novembre 2010. Edition : 2012.
CD : 01/ Ist gefallen in den Schnee
Guillaume Tarche © Le son du grisli


Robin Hayward, Kristoffer Lo, Martin Taxt : Microtub (Sofa, 2011)

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Au point de rencontre de graves et de silences, le trio de tubas que forment Robin Hayward, Martin Taxt et Kristoffer Lo, décide d’intervenir : sur une ligne d’action et de principe, les trois hommes s’accordent donc et agissent en agitateurs sensibles.

Résultante : Microtub est une pièce d’une quarantaine de  minutes. Ses notes sont longues et tremblantes en même temps, se chevauchent en conséquence. Il semblerait qu’Hayward, Taxt et Lo, aient fait vœu de silence et, pour ne pas respecter celui-ci, font œuvre de discrétions : leurs graves, lorsqu’ils ne restent pas enfermés en tubes, se taisent après avoir été emportés en rouleaux. Au terme de la quarantaine promise, ce sont plusieurs soleils noirs qui ont été dessinés sur le presque-même canevas : si l’astre qui en résulte brille, c’est par l’épaisseur de ses contours.

Robin Hayward, Kristoffer Lo, Martin Taxt : Microtub (Sofa)
Edition : 2011.
CD : 01/ Microtub
Guillaume Belhomme © Le son du grisli



Emmanuelle Gibello : Labyrinthe

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Pour Emmanuelle Gibello, l’eau est de tous les plans. Chez elle, l’eau est matière scintillante, vibratoire et presque toujours d’une lente navigation. Et souvent, ludique ou fatale (toutes les eaux sont couleur de noyade écrivait Cioran). Les sources (sonores et soniques) jaillissent sans brutalité.

Dans Random Erratum, la plage la plus convaincante – et audacieuse – du CD, les brouillages gagnent du terrain et balaient tous les arrière-plans. Le choc n’est pas violent mais entrevu puis argumenté jusqu’à son total épuisement. Viendra alors un autre monde fait de sourdes résonnances et de grésillements radio. Plus qu’une bibliothèque de sons, une aventure singulière et attachante.

Emmanuelle Gibello : Labyrinthe (Bruit Clair)
Enregistrement : 2009-2010. Edition : 2011.
CD : 01/ Bamboo Cry 02/ Crashtest # 10 03/ Pour faire peur aux enfants dans le noir 04/ Random Erratum
Luc Bouquet © Le son du grisli


Reinhold Friedl : Eight Equidistant pure wave oscillatiors... (Room 40, 2011)

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Personnage essentiel de la scène contemporaine, notamment avec son magnifique ensemble Zeitkratzer, Reinhold Friedl peine toutefois à me convaincre lorsqu’il passe à la case solo. Pourtant, les choses semblent en passe de changer. Alors que j’étais (très) dubitatif face à sa vision du clavier sur son récent Inside Piano – mais c’est probablement une question de feeling (de rien, Richard C.), j’ai la nette impression de mieux appréhender le présent Eigh Equidistant… (qui ravira à coup sûr la palme du plus long titre de l’année 2011 !).

Sans doute est-ce la fréquentation assidue d’Eliane Radigue à une époque de ma vie résonante, j’aime me perdre dans ses entrelacs dronés, casque vissé sur les écoutilles en un trip en marge de la métaphysique. Le nom de l’œuvre l’indique, soixante minutes durant, je me plonge dans un bain absolument trippant d’ondes émise par un oscillateur – jouées par huit haut-parleurs qui, du coup, passent du statut de diffuseurs à celui d’instruments.

Je pourrais vous abreuver de moult détails techniques fastidieux mais en ces temps pressés, je serai bref : je recommande – très – vivement l’écoute de Reinhold Friedl version Room40. Sans parler, na klar, de ses multiples productions à la tête de Zeitkratzer.

Reinhold Friedl : Eight Equidistant Pure Wave Oscillators, While Slipping Very Slowly To A Unison, Textually Spatialised On Eight Speakers, Concret, 60 Minutes (Room40)
Edition : 2011.
CD : 01/ Eight Equidistant Pure Wave Oscillators, While Slipping Very Slowly To A Unison, Textually Spatialised On Eight Speakers, Concret, 60 Minutes
Fabrice Vanoverberg © le son du grisli


Cory Allen : Pearls (Quiet Design, 2011)

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Si l’on avait perdu la trace de Cory Allen, c’est qu’il était parti dans la neige vêtu de blanc et que le vent s’était levé derrière lui. C’est Pearls qui nous permet de le retrouver aujourd’hui.

Pearls est la boîte noire qui nous révèle qu’Allen est passé par ce palais de glace (il l’a exploré de fond en comble). Dans chaque pièce il a distribué des basses et des notes cristallines (celles d’un synthé ?). Ses intentions étaient bienveillantes, mais ses pas ont soulevé  des poussières blanches qui maugréaient d’avoir été dérangées (ce sont les grésillements que l’on entend). Jusqu’à sa découverte du Saint des Saints (sur Izsozaki Clouds, il est grandiloquent et même pompier), Allen convainc par sa description de la cathédrale de glace. Sur une ambient en demi-teinte, il a déjà disparu.

Cory Allen : Pearls (Quiet Design)
Edition : 2010.
CD: 01 / Strange Birds 02/ Lost Energizer 03/ Isozaki Clouds 04/ Blue Eyes
Pierre Cécile © Le son du grisli


The Second Approach Trio : Pandora's Pitcher (Leo, 2011)

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Tirant un trait sur les splendeurs passées (Event Space / Leo Records) et refusant le grain de sable salvateur, le Second Approach Trio (Andrei Razin, Tatiana Komova, Igor Ivanushkin) semble ménager un auditoire tout acquis à sa cause.

Sur ce disque, leur territoire est scindé en deux : le nord pour les ambiances cotonneuses et contemplatives ; le sud pour un jazz maniéré et de peu d’innovations. Résumons : le piano se dérobe au brûlant et abandonne bien rapidement la partie ; le chant ne slalome plus sur les hauteurs et scatte sans génie ; la contrebasse accompagne et seulement accompagne. Pour qui avait follement aimé leur précédent CD, la déception est grande.

The Second Approach Trio : Pandora’s Pitcher (Leo Records / Orkhêstra International)
Enregistrement : 2007-2011. Edition : 2011.
CD : 01/ Weird Talks 02/ 37’1 03/ Rite of Winter 04/ Burlesque Rag
Luc Bouquet © Le son du grisl


House of Low Culture : Poisoned Soil (Sub Rosa, 2012)

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Les radars révèlent la présence d’intrus : les antennes radio crépitent mais il y a aussi l’orage percé d’aigus électriques et le crachin du champ magnétique. Les radars disaient vrai, on entend maintenant des voix. Une assemblée secrète réunie sur l’ordre express d’Aaron Turner ?

Les voix se taisent, le silence est menaçant. Turner leur fait sans doute signe, une batterie claque, la cadence lente, une guitare abyssale suit, un peu d’électronique déclenche une chorale qui entame un chat martial venu du froid. Pour se réchauffer, un cocktail de Mari Boine, Erkki-Sven Tüür, Wolf Eyes, Earth, Urban Sax… Tout ça à la sauce Turner, donc détonnant. L’expérience de paranoïa intense que nous fait vivre Poisoned Soil n’est peut-être pas qu’une expérience, mais le début de la fin ?

House of Low Culture : Poisoned Soil (Sub Rosa)
Edition : 2012.
CD : 01/ Spoiled Fruits Of The Kingdom 02/ The Ladder That Leads To Nowhere 03/ Inappropriate Body 21'11
Pierre Cécile © Le son du grisli



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