Le son du grisli

Bruits qui changent de l'ordinaire

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Parution : Premier bruit Trente-six échosAu rapport : Festival Le Bruit de la MusiqueParution : le son du grisli #2
A la question : interviewsAu rapport : impressions de concertsEn théorie : l'improvisation par l'écrit : John Butcher & Evan Parker

Szilárd Mezei Trio : Secret Public / Edith Alonso : Collapse (Aural Terrains, 2016)

szilard mezei trio secret public

En suivant une impulsion (Vitezek a lerakohelyen) ou en colportant des pistes transitoires (Titkos élet), Szilárd Mezei (violon alto), Ervin Malena (contrebasse) et Istvan Csik (batterie) projettent sur ce Secret Public de fulgurants faisceaux.

Ces deux plages d’une demi-heure chacune ne se synchronisent pas, ne s’assemblent pas. La première joue sur la diversité des gestes : les cordes crissent, glissent, encerclent plutôt qu’emplissent. Il n’y a pas d’effacement mais une retenue trouvée, un besoin de ne pas troubler le curseur. Soudain, une charpente harmonique se déploie et l’écriture s’ouvre au grand jour. L’exercice de désossement peut commencer. Un frôlement viendra ceinturer de sa ligne perdue ce moment précieux. La seconde bénéficie d’un mouvement, parfois écarté, mais toujours en action dans l’inconscient des musiciens. Vont ainsi pouvoir se fracturer riffs et mélodies avant que ne réapparaisse, tendue et désormais asymétrique, la trajectoire originelle.



mezei trio

Szilárd Mezei Trio : Secret Public
Aural Terrains
Enregistrement : 2010. Edition : 2016.
CD : 01/ Viezek a lerakohelyen 02/ Titklos élet
Luc Bouquet © Le son du grisli

 edith alonso collapse

Est-ce dans cette inquiétante salle des vents (en couverture) qu’Edith Alonso est un jour allée poser sa contrebasse préparée ? Pour, peut-être, la soumettre aux rafales quand l’archet agaçant déciderait de la délaisser ou pour la changer en hôtel à insectes (selon la mode du jour) chantants ? Sous l’impulsion d’un contact électrique ou à la seule force de son poignet, elle recueille en tout cas d’étonnants grognements quand ce ne sont pas plutôt de beaux motifs qui tournent avant de disparaître dans un soupçon. Et si l’on pense de temps à autre à John Eckhardt, la comparaison n’est pas faite pour desservir Edith Alonso.



collapse

Edith Alonso : Collapse
Aural Terrains
Enregistrement : Mai 2014. Edition : 2016.
CD : 01-04/ Collapse I-Collapse IV
Guillaume Belhomme © Le son du grisli

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The International Nothing (… And Something) : The Power Of Negative Thinking (Monotype, 2016)

the international nothing and something the power of negative thinking

Revenus du Dark Sife of Success, les clarinettistes Kai Fagaschinski et Michael Thieke se sont retrouvés sur un lot de compositions datées de 2006 à 2011 – personnelles, celles-ci, et signées aussi des éléments qui composent ce « quelque chose » qui accompagne désormais leur International Nothing : Christian Weber (contrebasse) et Eric Schafer (batterie).

Au jeu de patience et d’équilibre auquel s’adonnaient hier deux souffleurs déposés sur les branches d’un mobile, la paire rythmique instille un lot de tensions déstabilisantes : au gré des conductions, voilà Thieke et Fagaschinski abandonnant leur numéro de duettiste le temps de répéter un morceau de mélodie qu’il faut asseoir, d’appuyer telle ou telle note pour reprendre la main sur l’entière association ou d’envisager, à quatre cette fois, la composition de paysages flottants. Ainsi les nouveaux venus changent-ils la donne, et promettent au duo d’autres morceaux de bravoure. 


international nothing

The International Nothing (… and something) : The Power of Negative Thinking
Monotype
Enregistrement : 15 décembre 2015.
CD : 01/ Lokale Gebräuche 02/ The Golden Age Of Miscommunication 03/ We Can Name You Their Names 04/ Long Bow Glowing 05/ What You Need To Know About Drowning 06/ Something Went Wrong 07/ Nothing's Gonna Last Forever
Guillaume Belhomme © Le son du grisli

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Jitter : Jitter (Barefoot, 2016)

jitter jitter barefoot records

Le genre d’improvisation des suédodanois de Jitter, normalement, me laisse plutôt froid. Je retourne la pochette du vinyle et j’y vois une énième préparation (à moins que ça ne soit une lampe vue du dessous) qui n’arrange guère leurs affaires. Mais allons-y pour deux faces, enregistrées par Sture Ericson (saxophone & clarinette), Anders Lindsjö (guitare) et Adam Pultz Melbye (contrebasse) à Berlin que ce-dernier connaît bien…

Il n’a pas fallu longtemps au trio pour retourner mes aprioris (pas tous, d’accord, mais pas loin) notamment parce qu’il sait jouer avec ses influences, que nous qualifierons de « diverses ». A la clarinette jazz la contrebasse répond par exemple par un blues qui glisse dans le grass et la guitare par des excentricités à la Frith / Ribot. La seconde face est d’accord plus commune (le genre de truc qui vous perd à coup sûr dans un blindfold-test : quoi ? Braxton vs. Bailey ? Non ? Alors quoi ?...) mais passe aussi bien. Et puis il y a chez Jitter cette facétie constante qui l’empêche de tomber dans l’impro sèche et ses travers « post-free post-sérieux mais so décalqué », voire « improbable » pauvre cruche… Voilà pourquoi Jitter me convient. Et pourtant (je le répète) c’était pas gagné.



jitter

Jitter : Jitter
Barefoot Records
Edition : 2016.
Enregistrement : 7 & 8 juin 2014. Edition : 2016.
Pierre Cécile © Le son du grisli

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Marc Baron : Un salon au fond d'un lac (Potlatch, 2016)

marc baron un salon au fond d'un lac

Inutile d’aller chercher loin, c’est sur le site de Marc Baron – hier encore saxophoniste inquiet de Propagations – que l’on trouvera un début d’explication au propos d’Un salon au fond d’un lac : « Il y a les sons que je collecte, ceux que je fabrique, il y a ce que j'établis en amont par des protocoles et que je projette. (…) La complexité des qualités, leur assemblage, est le fond-même de ma musique ; prise entre un réalisme d'apparence et le désir du plus grand flou. Je cherche une tension. »

Comme celui d’Hidden Tapes, l’assemblage est convaincant, et même fascine ; comme celle d’Hidden Tapes, la tension, recherchée, est providentielle. C’est elle, d’ailleurs, qui interdit à l’auditeur de vaquer entre deux sons et même de prendre longtemps ses distances avec tous ceux qui composent les trois plages de ce disque. Car il y a des musiques expérimentales d’atmosphère et d’autres de récital, que l’on ne lâche pas. Celle de Baron tient des secondes, qui jouent avec toutes les époques que l’enregistrement sonore a pu un jour ou l'autre attraper : la nôtre contre toutes celles qui l’ont précédée, et puis finalement : toutes les époques d’avant avec et pour la nôtre.  

Qu’importe de savoir si ce sont-là des souvenirs personnels, les derniers soupirs de cassettes trouvées dans un carton détrempé ou même, plus simplement, de vieux fantômes sur bandes que Baron fait parler. L’essentiel est en effet que ses inventions et combinaisons, ses récupérations et détournements – échange vocal père-fils, partie de requiem implorant sous le crachin, rumeur insistante de l’eau, air perdu de piano… – s’entendent sur l’air terrible d’une expression poétique. Econome, certes, mais qui, au gré des preuves de vérité qu’elle retourne, conteste à la réalité l’inhérence de sa nature insaisissable et lui oppose même un ordre dénaturé des choses qui, au-delà même de l’image (Un salon au fond d’un lac), touche profondément.  



baron

Marc Baron : Un salon au fond d’un lac
Potlatch / Orkhêstra International
CD : 01/ Un salon 02/ La structure 03/ Un lac
Edition : 2016.
Guillaume Belhomme © Le son du grisli

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Festival Baignade Interdite : Rivières (Tarn), 2-4 septembre 2016

festival baignade interdite 2-4 septembre 2016

Vous en connaissez beaucoup, des festivals où les concerts se déroulent dans le grand bassin, le petit bassin et la pataugeoire ? C'est à « Baignade interdite », et nulle part ailleurs. Ce frais festival vient de connaître, du 2 au 4 septembre, sa cinquième édition. Il se déroule dans le Tarn, à Rivières, dans l'ancienne piscine désaffectée d'Aiguelèze. Outre le cadre, ce qui fait tout son charme, c'est l'ambiance : décontractée, festive, vacancière, jeune, ouverte, tolérante. Et la merveilleuse diversité de la programmation.

Chacun y trouve ses diamants. Pour nous, la pépite, ce fut, dimanche matin, Insub Meta Orchestra, dans un format à 20 musiciens. Ils n'ont pas joué, en plein air, dans un des bassins (pour d'évidentes raisons de besoin d'écoute), mais dans un lieu indescriptible : un ancien office de tourisme qui n'a jamais fonctionné, désaffecté lui aussi, et où il n'y a ni scène, ni sièges pour le public, ni véritablement d'espace continu, où les musiciens jouent devant un vide qui distribue des étages, celui en sous-sol, inutilisé, et celui du premier étage, où des spectateurs se pressent le long du garde-corps, autour de ce vide qui laisse monter la musique. Ces volumes, absolument pas pensés pour la musique, offrent une acoustique étonnante, réverbérante, profonde.

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L'Insub Meta Orchestra est dirigé par Cyril Bondi (percussionniste, mais qui ici joue de l'harmonium indien à soufflet) et d’incise (machiniste, pour dire vite, jouant ici du melodica à clavier et à tuyau). Dans une grande improvisation d'une heure, très construite et très dirigée, cette abondance de musiciens creuse le sillon d'une musique paradoxale, voire impossible, qui laisse la place au silence, qui fait respirer vingt instrumentistes d'un même souffle, ténu, imperceptible, puis de plus en plus puissant. Ce joyau musical et collectif se vit, se ressent, se vibre collectivement. Les trois séquences s'enchaînent avec une totale concentration, et le public, respiration suspendue, ne moufte pas : il sait que le silence fait partie de cette musique. Le silence est écouté comme des minutes signées John Cage. Même les quelques enfants présents dans l'assistance sont bouche bée. Première séquence. On est dans le ténu, le frottement, le glissement, le souffle, la respiration. Toutes les quatre secondes, Cyril Bondi tranche l'air avec son bras, et les frottements, glissements, changent de nature, imperceptibles variations collectives qui suscitent une intense écoute. C'est fascinant, subtil, perceptible. Un bonheur. Deuxième séquence. De la musique, du son, une vibration légère et harmonieuse de l'air. Puis du silence. Puis, avec d'autres instrumentistes, d'autres couleurs sonores, de la musique, une vibration, du son. Puis du silence. Les moments s'enchaînent, avec une grande place pour le vide, qui répond parfaitement à l'architecture invraisemblable du lieu. La palette sonore est infinie. Cette composition instantanée et collective, tendue, maîtrisée, fascinante, évoque inévitablement l'écriture de Morton Feldman. Le public est suspendu. Troisième séquence : un grand crescendo, tutti (outre les melodica divers, ordinateurs et autres instruments électroniques, il y a une contrebasse, une viole de gambe, une vielle à roue, un basson, deux saxophones, une flûte, un violon, une cloche tibétaine...). Sur deux notes, un demi-ton d'écart, et en faisant tourner la matière musicale, comme un nuage, dans ce lieu insensé, avec vibrations en réponse aux vibrations. Cette fois c'est à Giacinto Scelsi qu'on pense, avec ce travail sur les timbres. Si peu de notes et tant de musique ! Ce diamant était un des seize concerts de ces trois jours. Mais il y avait quoi d'autre ?

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Nous avons entendu des éructations punk réjouissantes et irrésistibles de Blurt, dans le petit bassin, samedi, avec le chanteur-saxophoniste Ted Milton, un monument surgi de la fin des seventies. Nous avons souri jusqu'aux oreilles avec Sourdure, de son vrai nom Ernest Bergez, violoneux, chanteur, et batteur avec les pieds, qui revisite le répertoire trad occitan, dans une couleur rustique électro, avec des échardes plein son bois mal dégrossi et un charme fou. Il jouait dans le pédiluve, vendredi. La même soirée, dans le grand bassin, un duo. Elle, à la batterie, commence sur le mode niais d'une débutante appliquée. Puis, très vite, se déchaîne avec une fureur jouissive. C'est Valentina Magaletti, qui forme avec le guitariste-élecronicien Tom Reelen le groupe anglais Tomaga. Tomoko Sauvage, dans le même espace que l'Insub Meta Orchestra, a installé, le samedi matin, des saladiers remplis d'eau, avec des micros plongés dedans. Une simplicité de moyens, des gobelets en hauteur d'où coulent des gouttes d'eau, des accessoires électroniques basiques, pour une musique très minimale, parfois trop... Un mot de Kim Myhr, Norvégien qui explore les résonances de sa guitare douze cordes. Il jouait dans l'église de Carla, à Castenau-de-Lévis (première délocalisation pour Baignade interdite). Pour être franc, il faut dire que, parfois, son acharnement à jouer du plectre sur toutes les cordes, très vite et sans la moindre pause, peut fatiguer l'auditeur. Ici, avec la même technique, dans ce lieu qui sonne bien, et avec le public assis partout, par terre jusque sur la scène, le même acharnement a révélé les sons diffus, la mélodie fantomatique et subtile qui surgit de cet océan furieux et plane, en battements nuageux, au-dessus de la mêlée. Une expérience, acoustique et artistique, de 35 minutes. Il n'en fallait pas plus, mais on a touché un bout de l'aile de l'ange.

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Anne Kiesel © Le son du grisli

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Patrick Farmer : Wild Horses Think of Nothing Else the Sea – Tape Readings (Winds Measure, 2016)

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Hier, de longues promenades au pays de Galles inspiraient à Patrick Farmer un livre : Wild Horses Think of Nothing Else the Sea. Ce sont des extraits de ce petit ouvrage que six de ses amis lisent aujourd’hui, et même « interprètent », sur deux cassettes Winds Measure – deux éditions existant de cette référence : la première usuelle, la seconde livrée avec un morceau des notes ayant servi à l’écriture du livre.

Quel que soit le lecteur – dans l’ordre alphabétique : Antoine Beuger, Daniela Cascella, Bruno Guastalla, Jeph Jerman, Sally Ann McIntyre, Holly Pester et Michael Pisaro –, c’est là d’une face à l’autre le récit découpé des souvenirs d’un voyage que l’auditeur de ces cassettes pourra entendre entre les lignes. Et interpréter à sa convenance : brisées puis réagencées, les phrases choisies parlent de solitude et d’oiseaux-poètes, évoquent la correspondance de Lou Andreas-Salomé et de Rainer Maria Rilke ou tâchent de rendre un paysage désert encombré de bruits…  

« Nothing is ever heard one way only », dit la voix de Guastalla. D’un ton égal, celle de Beuger prononcera d’autres phrases en prenant soin d’y glisser des silences – avec le compositeur, même la page que l’on tourne est une partition envisageable – finit par s’entendre. Et cette autre idée qui court d’un lecteur à l’autre : « Nothing but in ideas ». Alors, à la sobriété de Beuger, Jerman préfère une lecture perturbée par les parasites sonores, Pisaro (un autre art de la mesure, du moment, du silence) dénombre des poissons venus grossir le trafic urbain, Cascella susurre puis précipite sa lecture de peur peut-être d’être entendue… 

L’exercice n’empêchant pas la mise en scène, et même de profiter de quelque artifice, McIntyre entame, elle, une marche au terme de laquelle elle se dédoublera, Guastalla arrange des tableaux qui opposent des nuées d’oiseaux et de drôles de machines – la menace de l’extinction des espèces pourrait faire écho à l’évocation, par Farmer, de Cuvier – quand Pester adapte sa voix frêle au rythme d’un « incident technique » (une autre sorte de souffle) qui aurait certainement pu, dans d’autres circonstances, empêcher sa lecture. Sans doute est-ce d’ailleurs elle qui révèle le mieux à quel point un texte est tributaire de son lecteur, ce lecteur des aléas de son métier et son éventuelle audience de la qualité de son loisir. 

écoute le son du grisliHolly Pester Wild
Horses Think of Nothing Else the Sea

patrick farmer

Patrick Farmer : Wild Horses Think of Nothing Else the Sea – Tape Readings
Winds Measure
Edition : 2016.
2 K7 : Wild Horses Think of Nothing Else the Sea – Tape Readings
Guillaume Belhomme © Le son du grisli

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Richard Pinhas, John Livengood : Cyborg Sally (Souffle Continu, 2016)

richard pinhas john livengood cyborg sally

Il est fou, voire surnaturel, de constater combien les vieux délires programmatiques de Richard Pinhas font encore effet de nos jours. Après les rééditions Heldon, c’est au tour de son Cyborg Sally, enregistré avec John Livengood (clavier qui a joué dans Red Noise & Heldon), de le prouver – mention spéciale au Souffle Continu pour les efforts de réédition et à Stefan Thanneur pour cette magnifique double pochette de vinyle alors que le disque original était sorti sur CD.

Quand je dis « vieux », ce n’est pas aussi « vieux » qu’Heldon, of course… Inspirés par l’écrivain de SF Norman Spinrad et son Rock Machine, c’est entre 1992 et 1994 que Pinhas (electronics, guitars) & Livengood (electronics, sampling, digital process) ont accouché de ces onze morceaux intemporels. Et ça ne se sent pas, car les hallucinantes danses célestes, les chansons-cyborg, les morceaux d’ambient sur delay, les extraits d’opéra cosmique (référence à Wag) et les musiques de manèges intergalactiques de cette galette ont gardé une fraîcheur et une qualité qui surpassent même celles des plus récentes rencontres de Pinhas avec Oren Ambarchi ou Yoshida Tatsuya… Allez comprendre : c’est maintenant dans les vieux CD qu’on fait les meilleurs vinyles ?

cyborg sally

Richard Pinhas, John Livengood : Cyborg Sally
Souffle Continu
Enregistrement : 1992-1994. Réédition : 2016.
2 LP : A1 Intro : Hyperion A2/ Cyborg Sally A3/ Derita (toward a creepy afternnon) – B1/ Rock Machine : Red Ripe Anarchy B2/ Gilles Deleuze : Beyond Hyperion – C1/ Nuke (the ultimate « interface » interstellar part) C2/ Moira C3/ Wag (variation sur les quatre notes fondatrices de Parsifal) – D1/ Tales from Hyperion D2/ Ritournelle D3/ …
Pierre Cécile © Le son du grisli

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Interview de Xavier Charles

interview de xavier charles le son du grisli

Puisque les sept clarinettes tardent à venir – et que Xavier Charles y a évidemment sa place –, patienter en donnant la parole au musicien dont 12 Clarinets in a Fridge disait récemment encore la singularité et qui dévoilait plus récemment encore, en duo avec Nikos Veliotis, des intentions qui le travaillent autant qu’elles l’intéressent (Kaspian Black). Et puisque c'est à sept ans que tout commence...   



… J'ai 7 ans, je défile avec l'Harmonie de Verdun, ma ville natale, c'est le soir de la Saint-Nicolas, nous passons dans les ruelles, le son est énorme. Il y en a partout, je ne comprends rien et je regarde les autres jouer avec mes yeux d'enfant. Je suis impressionné. Mon voisin, un homme âgé, joue aussi de la clarinette et rajoute pleins de notes entre les phrases, délirant ! J'ai encore ce son et cette vision en tête.

C’est à cet âge, et à la clarinette, que tu as donc commencé à jouer ? A l’âge de 7 ans, oui, mon professeur jouait du hautbois et enseignait plusieurs autres instruments. Il tenait une droguerie sur la place de mon quartier, près de l'école et de la maison familiale. Il m'a dit « tu feras de la clarinette ». La clarinette m'a choisi. J'allais chez lui tous les jours, je pense que, techniquement, ce n'était pas super, mais son humanité était belle. Par exemple, en regardant son jardin envahi par les mauvaises herbes, il me disait qu'il adorait le chaos de cette nature. Il aimait les portes qui grincent, l'ail, et roulait en 2CV sans avoir jamais passé le permis de conduire.

Quelles sont tes premières influences, notamment celles qui t’ont amené à l’improvisation ? Il me semble que j'ai toujours improvisé. J'ai toujours joué pour moi, plein de trucs, ce qui venait. J'écoutais beaucoup la radio, et notamment du jazz, en particulier les émissions d’André Francis. J'y ai découvert une quantité incroyable de musiques connectées au jazz, j'ai aimé la liberté, l'inventivité de cette musique. Parfois, j'essayais de jouer sur ce qui passait à la radio, pas facile, mais motivant. J'avais trouvé une combine, pour augmenter cette sensation de jouer « avec ». Je posais le poste derrière ma tête pour souffler dans le même sens que la musique. Plus tard, j'ai joué du jazz, j'aime beaucoup cette musique. Puis, en travaillant les pièces de musique contemporaine avec Jacques Di Donato, j'ai adoré les sons, le jeu, l'attitude que tu dois trouver pour interpréter cette musique. J'ai pu sortir de l'idée de jouer absolument une musique avec une pulse. Multiphoniques, souffles, intervalles, respirations, phrases complexes sont devenus des éléments de mon langage sonore.

A propos de ce langage, peux-tu m’expliquer le principe de tes clarinettes « in a fridge » ? Multiplier l'instrument t'a-t-il permis de l’envisager d’une autre manière ? Pour trois des pièces de ce disque, le principe est simple. J'ai enregistré des machines domestiques, celles qui sont dans ma cuisine quand je travaille la clarinette : le réfrigérateur, la machine à laver, le chauffe-eau à gaz. Puis j'ai empilé des couches de clarinettes avec, comme idée, ces clarinettes dans la machine – elles sont avec, à l'intérieur de ces sons. J'ai mixé le tout au GRM, ça m'a permis d'augmenter les résonances, les partiels, les espaces dans lesquels les clarinettes jouaient. Superposer les clarinettes permet des vibrations particulières, cet instrument se multiplie facilement, un peu comme ce qu'il se passe quand tu mets plusieurs instruments à cordes frottées ou des voix ensembles.

« Dénaturer » / « étendre » / « développer »… le son d'un instrument classique comme la clarinette est-il devenu une obligation pour toi lorsque tu improvises ? En fait, tout cela est un long processus de travail entamé depuis, je ne sais même pas quand, le début, j'imagine. Mon goût pour la matière sonore est immense, tout naturellement, j'ai cherché. Ma clarinette est devenue un générateur sonore. « Dénaturer » : il n'y a pas de naturel sur un instrument, tout doit être fabriqué en permanence. « Etendre » : étendre les territoires sonores et s'accorder la liberté de chercher une musique éphémère, fragile et sans preuves. L'art de l'improvisation, l'importance de l'immédiat. « Développer » : je ne sais pas où je vais, je ne peux pas prévoir ce qu'il va se passer dans mon travail. Il y a d'abord un premier niveau qui serait celui d'être en forme sur la clarinette et un second qui serait celui de la recherche, je confonds rarement les deux. J'ai la chance de jouer un instrument qui a une histoire, ce qui veut dire que des milliers d'artistes, de techniciens et d'interprètes ont déjà défrichés une partie des possibles de cet instrument. De plus, la clarinette n'est pas du tout à la mode, ça protège. Je sais que, quand je découvre de nouveaux sons, au même moment, je découvre de nouvelles musiques. Nouveaux sons = nouvelles musiques. Le plus petit des sons peut fournir la plus vaste ressource.



Quels rapports entretiens-tu avec les sons du quotidien ? Et, en tant que compositeur, avec les « field recordings » ? L'improvisateur est un peu le musicien du concret. Faire avec ce qu'il y a là, avec ce qu'il se passe maintenant, au moment où cela se passe. Donc, en transposant ce travail sonore avec cette réalité, il est possible de trouver des façons de jouer avec, ou dans, un paysage sonore. Le quotidien produit des sons très inspirants, ils sont là même quand je n'y suis pas. C'est une autre fenêtre sur le réel. J'ai déjà engagé différents travaux avec ce réel-là. Improviser en situation (avec la situation), par exemple : il en découle une attitude à trouver pour se placer. Je peux décider à ma guise de ce que je fais du paysage sonore. L'oublier, le considérer comme un musicien super envahissant, le prendre comme objet d'inspiration, le vampiriser, me camoufler dedans, l'imiter. Tout va dépendre de comment je décide d'écouter, c'est un retour à l’acte du musicien le plus important : écouter. Pour être précis, l'approche des audio-naturalistes est celle qui me touche le plus aujourd'hui ; il y a chez eux une connaissance du paysage, des végétaux, des insectes, des oiseaux… qui donne une entrée très puissante à leur travail. Le paysage n'est pas là pour faire exotique, ou être seulement envisagé comme un décor.

Comment envisages-tu tes différentes collaborations musicales ? Y vois-tu un fil conducteur ? Quel serait par exemple le « principe » qui régirait ta participation à Dans les Arbres et The Contest of Pleasures ? D'évidence, ces deux ensembles ont en commun le fait d'avoir « un son » particulier, reconnaissable, une marque à eux, dû au travail de chacun des membres de ces groupes. Je ne suis donc logiquement qu'un tiers ou un quart de cet effet de groupe et j'aime beaucoup cette sensation d'une musique qui n’apparaît seulement parce que ces être-là sont présents ; ce n'est pas un style mais une invention collective. Le fil conducteur serait l'improvisation et le plaisir de la matière sonore, mais aussi l'écoute faite de centaines de façons d'écouter... Inventer de nouvelles façons d'écouter.

Tu me parlais récemment d’une pièce que tu composes pour l’Audible Festival, qui est, me disais-tu, « une sorte de continuation des clarinettes dans le frigo »… Est-ce là une façon que tu as trouvée de travailler les arrangements, ou l’orchestration – chose qui te changerait de la « stricte » improvisation ? Oui, dans un studio ou dans l'atelier, tout change beaucoup, par comparaison au travail de l'improvisateur, en temps réel. Le compositeur va réécrire son temps, il lui faut pour cela, pendant qu'il prépare ces pièces, vivre un temps dilaté. C'est toujours étrange comme situation, pour celui qui improvise beaucoup. Enregistrer, travailler, travailler avec des microphones, essayer, mixer, élaborer des stratégies de mélanges, écouter, réécouter sont des actes absolument particuliers dans un studio. Pour l'Audible Festival, je prépare une pièce qui se nomme Impédance_clarinette_déluge avec cet intitulé : pièce sonore de clarinette concrète. J'ai fait plusieurs fois ce rêve : je marche dans une clarinette, dans ce tunnel, le son est partout. Dans cette composition, la clarinette est le générateur et le filtre. Les sons entendus vont tous passer par l'instrument, dans un sens ou dans l'autre. Il sera question d'impédance : le volume d’air contenu dans mon système respiratoire se connecte avec le volume d’air contenu dans la clarinette, entre les deux, l’anche vibre et le déluge : le grand tumulte de l’air humide dans le tube de la clarinette. L’impédance de l’être ?

xavier charles par Reynold Masse

Xavier Charles, Pont-de-Barret, 6 août 2016.
Photos : Andy Moor & Reynold Masse
Guillaume Belhomme © Le son du grisli

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Nate Wooley, Hugo Antunes, Jorge Queijo, Mário Costa, Chris Corsano : Purple Patio (NoBusiness , 2016)

nate wooley hugo antunes jorge queijo mario costa chris corsano purple patio

C’est une autre fois ce même instrument, hybride et même étrange, enregistré le 12 mai 2012 – soit peu de temps avant l’enregistrement de Posh Scorch et celui de Malus publié déjà par NoBusiness – au Portugal avec des musiciens du pays : une trompette, celle de Nate Wooley, reliée à une batterie, celle de Chris Corsano. A ses côtés, trouver une contrebasse (Hugo Antunes) et deux autres batteries (Mário Costa et Jorge Queijo).

On aurait pu imaginer la triple batterie emmener la séance, mais l’association Wooley / Corsano l’en empêchera : sans attendre, celle-ci décoche ses premières flèches, qui montrent au quintette la direction à suivre : vers le bas, tous. Et la chute est vertigineuse, après laquelle la formation se posera au son d’une note unique lentement travaillée par Wooley. Il suffira ensuite à l’un des percussionnistes ou à l’archet d’Antunes de l’agacer un peu pour qu’elle prenne le dessus.

Avant de s’éclipser : la seconde face est en grande partie le champ d’action des seuls batteurs. Difficile de dire alors à qui sont dus les coups, que quelques roulements parviennent à balayer pour permettre au quintette de s’exprimer. C’est alors un jazz leste, voire lâche, qui finit de rassurer son auditeur : il n’est pas venu à Purple Patio pour rien.

écoute le son du grisliWooley / Antunes / Queijo / Costa / Corsano
Animals

purple patio

Nate Wooley, Hugo Antunes, Jorge Queijo, Mário Costa, Chris Corsano : Purple Patio
NoBusiness
Enregistrement : 12 mai 2012. Edition : 2016.
LP : A1/ Parturition A2/ Aurora A3/ Animals – B1/ Triangle B2/ Sueca
Guillaume Belhomme © Le son du grisli

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Duck Baker : Outside (Emanem, 2016)

duck baker outside

En regardant la couverture de ce CD de Richard ‘’Duck’’ Baker (que je découvre : sourire sous moustache & guitare folk sur pull de laine) j’ai vu en lui un guitariste folk qui aurait pu au moins chanter un peu. Mais le CD sort sur Emanem alors je commence à douter alors (encore) que j'entame la lecture de la présentation écrite par Duck Baker himself.

Le gratteux raconte son histoire, une histoire qui commence avec sa rencontre avec Eugene Chadbourne à Toronto en 1975. Chadbourne enregistrera d’ailleurs avec Baker en duo (un morceau que l’on trouve sur le LP Guitar Trios 3 et les deux que l’on trouve sur les deux dernières pistes de ce CD) avant de le laisser faire son affaire tout seul, dans un genre free fingerstyle tellement free qu’on ne peut qu’applaudir à la diversité des expériences.

Glissant sur le manche, tirant-tirant la corde ou tapant la caisse de sa guitare (Klee), suintant le blues (No Family Planning), improvisant à coup de picking triomphant et d’arpèges usés jusqu’à la pompe ou reprenant gaiement le Peace d’Ornette Coleman si ce n’est beaucoup moins gaiement You Are My Sunshine (ou, ou, ou…), Baker n’arrête pas. Il n’en fait qu’à sa tête et se permet même de ces fantaisies qui donnent envie d’aller l’écouter tous ses vieux disques. Et il y a de quoi faire…

duck baker

Duck Baker : Outside
Emanem / Orkhêstra International.
Enregistrement : 1977, 1982, 1983. Edition : 2016.
CD : 01/ Breakdown Lane 02/ Klee 03/ Like Flies 04/ No Family Planning 05/ Peace 06/ Torino Improvvisazione 07/ London Improvisation 08/ Southern Cross 09/ Holding Pattern 10/ You Are My Sunshine 11/ Klee 12/ Like Flies 13/ No Family Planning 14/ Peace 15/ Shovelling Snow 16/ White With Foam 17/ Mary Mahoney 18/ Things Sure Must Be Hoppin’ Tonight On Castro Street
Pierre Cécile © Le son du grisli

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